"A Lenda de Candyman": uma sequência mais autêntica, metafórica, e socialmente relevante (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para falar sobre um dos lançamentos mais recentes em exibição nos cinemas! Sendo uma sequência direta de um clássico cult de terror dos anos 1990, e contando com a ajuda de um dos cineastas mais originais do gênero na atualidade, o filme em questão consegue entregar uma mistura quase perfeita entre terror convencional e comentários sociopolíticos, resultando em uma sequência mais autêntica, metafórica e relevante do que o filme original. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “A Lenda de Candyman”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to talk about one of the most recent releases showing exclusively in movie theaters! Being a direct sequel to a '90s horror cult classic, and relying on the help of one of the most original genre filmmakers of our time, the film I'm about to review manages to deliver an almost perfect mix between conventional horror and sociopolitical commentary, resulting in a sequel that's more authentic, metaphorical and relevant than the original film. So, without further ado, let's talk about 2021's “Candyman”. Let's go!)

Ambientado 30 anos após os eventos de “O Mistério de Candyman” (1992), o filme acompanha Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen II), um artista visual que encontra dificuldades ao planejar suas novas obras. Após ouvir falar de uma lenda urbana originada em um conjunto habitacional em Chicago, Anthony pesquisa e explora mais sobre o complexo, agora gentrificado. Ao descobrir a história real de uma figura misteriosa que assombrava o bairro de um morador local (Colman Domingo), Anthony acidentalmente abre uma porta para o passado brutal e complexo do conjunto habitacional, desafiando sua própria sanidade e libertando uma onda aterrorizante de violência no processo.

(Set 30 years after the events of “Candyman” (1992), the film follows Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen II), a visual artist who has difficulties in planning his new artistic work. After hearing about an urban legend originated in a housing project in Chicago, Anthony researches and explores further on the now gentrified neighborhood complex. When he discovers the real story of a mysterious figure that haunted the surroundings from a local resident (Colman Domingo), Anthony unknowingly opens a door to the housing project's brutal and complicated past, unraveling his own sanity and unleashing a terrifying wave of violence in the process.)

Minhas expectativas para assistir “A Lenda de Candyman” estavam baseadas no que provavelmente seria a mesma razão para que a grande maioria dos espectadores estivesse animada para conferir o filme: o envolvimento próximo de Jordan Peele na produção. Para aqueles que ainda não estão familiarizados com o nome (o que eu acho praticamente impossível), Peele foi responsável por nos trazer um dos melhores filmes de terror dos últimos tempos com sua estreia na direção, “Corra!”, longa-metragem que mistura recursos convencionais do gênero e temas sociopolíticos relevantes com perfeição, e que acabou rendendo ao diretor o Oscar de Melhor Roteiro Original. Além de “Corra!”, Peele também nos brindou com “Nós”, outro excelente filme de terror que, mesmo não conseguindo reter a relevância do filme anterior, conseguiu entregar uma boa dose de sustos e reviravoltas muito eficientes.

Inclusive, eu ouvi falar da franquia “Candyman” pela primeira vez com o anúncio deste novo filme, comandado pela diretora em ascensão Nia DaCosta, que já foi contratada pela Marvel Studios para dirigir a sequência de “Capitã Marvel”. Curioso para ver o que DaCosta e Peele iriam explorar nesta sequência, fui assistir o filme original dos anos 1990, e confesso que, na primeira vez, não achei grande coisa. Lembro que achava que “O Mistério de Candyman” era um slasher bem convencional, mas foi o pano de fundo da figura do Candyman que me chamou a atenção. Quando revi o filme ontem, antes de assistir à sequência, posso dizer que gostei bem mais do que eu me lembrava. É um filme bem eficiente, que faz uso de jumpscares e recursos de terror psicológico para fazer com que os outros personagens duvidem da protagonista, resultando em uma experiência enervante, imprevisível e, de fato, assustadora.

Mas, levando em conta o teor sociopolítico das produções de Jordan Peele, em especial seu primeiro filme, deduzi que a diretora Nia DaCosta iria levar o conceito do longa original para um lado mais metafórico, andando de mãos dadas com a relevância do movimento Black Lives Matter (Vidas Negras Importam) para entregar algo que explora mais a fundo o que o filme dos anos 1990 introduziu de uma maneira superficial. E fico muito feliz em dizer que a sequência de DaCosta não só respeita os eventos apresentados no primeiro filme, como também introduz um ponto de vista mais autêntico e socialmente relevante que se comunica de maneira extraordinária com eventos reais.

Ok, vamos falar do roteiro. Escrito por DaCosta, Peele e Win Rosenfeld, o enredo de “A Lenda de Candyman” tem como um dos seus conceitos centrais a gentrificação. Mas o que exatamente é gentrificação? Basicamente, é um processo de transformação urbana que “expulsa” moradores de bairros periféricos e transforma essas regiões em áreas nobres para pessoas com uma renda financeira maior. Fenômeno causado pela descentralização das áreas e bairros desenvolvidos de uma metrópole, as regiões até então consideradas periféricas começam a ser ressignificadas e modernizadas, aumentando o aluguel e custo de vida daquela área.

Isso resulta, então, na “expulsão” dos moradores originais daquela área, que vão viver em locais ainda mais afastados e precários, classificando a gentrificação como um processo de segregação urbana. Este conceito é utilizado de maneira fantástica pelos roteiristas, especialmente levando em conta os eventos do filme original, onde o conjunto habitacional Cabrini-Green era retratado como um local precário, vandalizado e habitado em sua maioria por pessoas negras com rendas menores. Na sequência, ambientada 30 anos depois, a história do filme original claramente trouxe muita visibilidade e valorização para o bairro, resultando na gentrificação de Cabrini-Green.

Um dos maiores acertos dos roteiristas foi a escolha de respeitar e dar sequência à mitologia estabelecida em “O Mistério de Candyman”, mas ao mesmo tempo, não fazer com que o espectador tenha que obrigatoriamente assistir ao filme anterior para compreender a sequência. Claro, se você assistiu ao filme original antes de assistir “A Lenda de Candyman”, ótimo, porque aí todo um pano de fundo adicional se abre para você. Mas DaCosta, Peele e Rosenfeld encontram maneiras muito inteligentes de inteirar o espectador sobre a história do filme original, fazendo com que não seja absolutamente necessário assistir o primeiro para entender este.

Há um uso bem criativo de flashbacks aqui: além de utilizar sequências em live-action, há algumas cenas executadas usando somente fantoches de sombra. Talvez o mais mágico sobre estas sequências com os fantoches seja a capacidade que elas têm de expressarem suas mensagens sem o uso de palavras ou narrações em voice-over. Eu gostei bastante disso e queria que elas tivessem sido usadas em maior quantidade ao longo do filme.

Outro acerto dos roteiristas foi o teor sociopolítico da narrativa, a qual foi somente explorada superficialmente no filme de 1992, resultando em um ponto de vista mais autêntico, original e relevante. Ao contrário do primeiro filme, que foi escrito, dirigido e protagonizado por pessoas brancas, “A Lenda de Candyman” é enraizado nas origens negras da história do personagem-título, sendo dirigido, escrito e protagonizado por pessoas negras. Isso acaba por abrir um leque inteiro de possibilidades para os roteiristas explorarem e irem além dos recursos convencionais e sobrenaturais do filme original.

Eu adoro quando filmes de terror utilizam aspectos derivados da fantasia para abordar temas realistas, os quais acabam por adicionar uma camada extra à profundidade da obra. Assim como “It: A Coisa” faz uso de um palhaço interdimensional para falar sobre luto, perda, abuso e assédio; “A Lenda de Candyman” usa o personagem-título como uma representação metafórica brilhante do racismo e da injustiça que as pessoas negras sofreram (e, infelizmente, ainda sofrem) pelas mãos de pessoas brancas ao longo dos anos, seja na época da escravidão ou nos dias atuais, tomando como exemplo os recentes assassinatos de George Floyd e Breonna Taylor por policiais brancos nos EUA, que resultaram em protestos do movimento Black Lives Matter.

Há uma cena nesta sequência que representa de forma perfeita o que o Candyman deveria ter representado no filme original. Nela, o protagonista e o personagem do Colman Domingo estão repassando pela história das pessoas negras do bairro Cabrini-Green que sofreram pelas mãos de pessoas brancas, através de flashbacks. Aí, o personagem de Domingo fala que o Candyman é uma história que os habitantes de Cabrini-Green criaram para lidar com essas situações brutais de racismo, preconceito e injustiça. Para mim, era essa profundidade sociopolítica que faltava para que o filme de 1992 cimentasse seu lugar no cânone de melhores filmes de terror dos anos 1990.

Mas, mesmo que o filme tenha esse viés sociopolítico muito forte, DaCosta, Peele e Rosenfeld, felizmente, não esqueceram da violência grotesca que marcou o original. A diretora consegue criar cenas de terror que priorizam a atmosfera para depois partir para a violência explícita. DaCosta faz um uso brilhante de perspectiva em algumas dessas sequências, às vezes para não parecer gratuito demais, mas principalmente para estabelecer um tom mais enervante e misterioso, que, na minha opinião, dá de mil em qualquer susto barato que se pode conceber. Há até algumas partes que me lembraram bastante de filmes de terror corporal, como “O Enigma de Outro Mundo” e “A Mosca”, especialmente ao desenvolver o protagonista ao longo da trama.

A mitologia construída ao longo do longa-metragem é muito interessante. Seja através dos flashbacks anteriormente mencionados ou de aparições de personagens do filme original, os três roteiristas conseguem, ao mesmo tempo, criar uma história que anda com os próprios pés e adicionar conceitos muito ricos e socialmente relevantes para uma franquia já existente. Posso dizer com tranquilidade que “A Morte do Demônio”, “A Maldição de Chucky” e “A Lenda de Candyman” são alguns dos exemplos de reboots ou sequências que revitalizam com vigor as franquias as quais eles pertencem, ao mesmo tempo que contam uma história completamente nova, que certamente irá atrair uma nova geração de espectadores e fãs.

A única coisa que poderia ter sido um pouco melhor no roteiro de “A Lenda de Candyman” é a duração. A história se movimenta muito bem em um tempo relativamente curto de 1 hora e 31 minutos, mas há certas subtramas e reviravoltas que têm potencial e, devido às restrições impostas pela duração, não são desenvolvidas o suficiente para terem um maior impacto na mente do espectador. Há uma subtrama, por exemplo, que iria trazer uma quantidade bem aprofundada de desenvolvimento para uma das personagens centrais. Mas, como o enredo escolhe focar em alguns outros pontos narrativos, essa subtrama não se desenvolve o suficiente para dar uma guinada no desenvolvimento dessa personagem.

Resumindo, o roteiro de “A Lenda de Candyman” equilibra muito bem o terror grotesco que marcou o original e os temas sociopolíticos presentes nas obras do produtor Jordan Peele, resultando em um longa-metragem que, ao mesmo tempo, revitaliza vigorosamente uma franquia que ficou inativa por muito tempo, e cria uma história totalmente nova e socialmente relevante, que certamente irá atrair uma nova geração de fãs.

(My expectations to watch “Candyman” were based on what probably would be the reason most viewers were excited to check out the film: the close involvement of Jordan Peele in the production. To those who aren't familiar with that name (although I think that's impossible), Peele was responsible for giving us one of the best horror films in recent years with his directorial debut, “Get Out”, a film that perfectly blends conventional genre tropes with relevant, thought-provoking sociopolitical themes, and that ended up giving the filmmaker an Oscar for Best Original Screenplay. Besides “Get Out”, Peele also gave us “Us”, another excellent horror film that, even though it doesn't have the previous film's social relevance, still managed to deliver a healthy dose of effective scares and twists.

As a matter of fact, I heard about the “Candyman” franchise when they announced the making of this new film, helmed by rising director Nia DaCosta, who has been already hired by Marvel Studios to direct “The Marvels”, a sequel to 2019's “Captain Marvel”. Curious to see what DaCosta and Peele would explore in this sequel, I checked out the original '90s film, and I confess, I didn't think it was that big of a deal. I remember thinking that 1992's “Candyman” was a pretty conventional slasher flick, but it was the background of the Candyman character that caught my attention. When I rewatched it yesterday, before watching the sequel, I liked it a whole lot better than I could remember. It's a really effective film, that makes use of jumpscares and psychological horror tropes to make every other character doubt the main one, resulting in an unnerving, unpredictable and, indeed, scary experience.

But, taking into account the sociopolitical vein of Jordan Peele's productions, especially his first feature film, I deducted that director Nia DaCosta would lead the original concept towards a more metaphorical territory, walking hand-in-hand with the relevance of the Black Lives Matter movement to deliver something that explored what the 1990s film introduced on a much deeper level. And I'm really glad to say that DaCosta's sequel not only respects the events of the previous film, but also introduces a more authentic and socially relevant point of view that communicates extraordinarily well with real-life events.

Okay, let's talk about the screenplay. Written by DaCosta, Peele and Win Rosenfeld, the plot for 2021's “Candyman” has gentrification as one of its main concepts. But what exactly is gentrification? Basically, it's a process of urban transformation that “evicts” inhabitants of precarious neighborhoods and transforms these regions into noble areas for people with a bigger financial income. A phenomenon caused by the de-centralization of a metropolis's developed areas and neighborhoods, the regions that, until then, were considered precarious are re-significated and modernized, increasing the value of rent and cost of life there.

This results, then, in the “eviction” of that area's original inhabitants, who'll go on to live in areas that are even more precarious and distant, classifying gentrification as a process of urban segregation. That concept is used in a fantastic way by the screenwriters, especially if you take the original film's events into account, where the Cabrini-Green housing projects were portrayed as a precarious, vandalized place who was inhabited mostly by Black people with smaller incomes. In the sequel, set 30 years after that, the story of the original film has clearly brought visibility and value to the neighborhood, resulting in the gentrification of Cabrini-Green.

One of the screenwriters' greatest choices was to respect and continue the mythology established in 1992's “Candyman”, but at the same time, not making it mandatory to watch the original film in order to understand the sequel. Sure, if you watched the original film before watching 2021's “Candyman”, that's great, as a whole new additional background will be open to you. But DaCosta, Peele and Rosenfeld find very clever ways to acquaint the viewer on the original film's story, in a way that it's not absolutely necessary to watch the first one in order to understand this one.

There's a very creative use of flashbacks here: besides the usual live-action sequences, there are some flashback scenes that are executed using only shadow puppetry. And perhaps the most magical thing about these puppetry sequences is that words and voice-over narrations are not necessary in order for them to convey their message. I really, really liked these scenes, and I wish there were more of them throughout the film.

Another thing that the screenwriters did right was the narrative's sociopolitical context, which was only superficially explored in the 1992 film, resulting in a more authentic, original and relevant approach to the story. Unlike the first film, which was written, directed and starred by white people, 2021's “Candyman” firms its roots in the title character's Black origin background, being directed, written and starred by Black people. This ends up opening a new array of possibilities for the screenwriters to further explore the original story, going beyond the original film's conventional and supernatural tropes.

I love it when horror films use fantasy aspects to talk about real-life issues, which end up adding a whole new layer to the work's depth. Just like “It” uses an interdimensional clown to talk about grief, loss, abuse and harassment; “Candyman” uses the title character as a brilliant metaphorical representation of the racism and social injustice that Black people have suffered (and, unfortunately, still suffer) by the hands of white people throughout the years, whether it's during the slavery period or in our recent times, like the recent murders of George Floyd and Breonna Taylor by white police officers in the US, which resulted in protests by the Black Lives Matter movement.

There's a scene in this sequel that perfectly represents what Candyman should've represented in the original film. In it, the protagonist and Colman Domingo's character are going through the stories of all the Black people in the Cabrini-Green neighborhood who have suffered by the hands of white people, though flashbacks. Then, Domingo's character says that Candyman is a story that the inhabitants of Cabrini-Green made up to deal with these brutal situations of racism, prejudice and social injustice. To me, that sociopolitical depth was what was missing in the original film, so that it could cement its place among the best horror films of the 1990s.

But, even though the film has this very strong sociopolitical vein, DaCosta, Peele and Rosenfeld, fortunately, haven't forgotten the grotesque violence that made the original one such a hit. The director manages to create horror scenes that prioritize the atmosphere and move on to explicit violence later on. DaCosta makes a brilliant use of perspective in some of these scenes, sometimes so it doesn't seem gratuitous, but mostly to establish a more unnerving, mysterious tone, which, for me, is much, much better than any jumpscare horror directors are able to conceive. There are even some parts that reminded me of body horror films, such as “The Thing” and “The Fly”, especially when developing the protagonist throughout the plot.

The mythology that's built throughout the film is very interesting. Whether it's through the previously mentioned flashbacks, or through appearances by characters from the original film, the screenwriting trio manages to, at the same time, create a story that walks on its own two feet and add very rich and socially relevant concepts to an existing franchise. I can safely say that 2013's “Evil Dead”, “Curse of Chucky” and 2021's “Candyman” are some of the examples of movie sequels or reboots that vigorously breathe new life into their respective franchises, and at the same time, they tell a completely new story, that'll certainly be attractive to a new generation of fans and enthusiasts.

The only thing that could've been worked upon a little better in the screenplay for “Candyman” is the runtime. The story moves really well throughout its relatively short running time of 1 hour and 31 minutes, but there are certain subplots and plot twists here that have potential, and, due to the narrative boundaries imposed by the runtime, they aren't developed enough to leave a bigger mark on the viewer's mind. There's a subplot, for example, that would bring a hefty amount of deep development to one of the film's central characters. But, as the plot chooses to focus on other narrative points, that subplot isn't well developed enough to turn that character's development the other way around.

To sum it up, 2021's “Candyman” balances really well the grotesque violence that made the original a hit and the sociopolitical themes in producer Jordan Peele's work, resulting in a feature film that, at the same time, vigorously breathes new life into a franchise that had been dormant for a large amount of time, and creates a completely new, socially relevant story that'll certainly attract a new generation of fans.)

O elenco de “A Lenda de Candyman” é muito talentoso, mas, seja pelas escolhas do roteiro ou pela duração curta do filme, certos atores não conseguem alcançar seu máximo potencial aqui. Eu adorei o desenvolvimento do Yahya Abdul-Mateen II como protagonista. A obsessão do personagem dele em planejar suas novas pinturas e fazer sucesso com elas me lembrou muito do desenvolvimento do Dr. Seth Brundle, interpretado por Jeff Goldblum no clássico “A Mosca”, de David Cronenberg. Há toda uma transformação que o personagem dele sofre ao longo do filme, e o que eu mais gostei do desenvolvimento dele é justamente a ambiguidade dessa transformação. Ela pode ser levada ao pé da letra, e de fato, esta é a escolha do roteiro, mas também pode ser interpretada de modo simbólico, como se o personagem de Abdul-Mateen II estivesse sendo dominado por essa obsessão que o define, e o ator trabalha essa ambiguidade muito bem.

A Teyonah Parris está maravilhosa aqui. Eu já tinha gostado muito do papel dela em “WandaVision”, e em “Candyman”, ela é responsável por manter os pés do protagonista fincados na realidade, o que é mais ou menos o que o Xander Berkeley fez em relação à personagem da Virginia Madsen no filme original. Além do filme ser uma jornada de inspiração e autoconhecimento para o protagonista, Parris também assume um papel de protagonismo aqui, como se a narrativa fosse todo um processo para que ela acreditasse no personagem principal. Há uma subtrama que adicionaria ainda mais à performance da atriz, mas o roteiro, infelizmente, não encontra o tempo para desenvolvê-la propriamente.

Se a personagem de Parris tenta manter os pés do protagonista no chão, o personagem do Colman Domingo os levanta ainda mais em direção às alturas. Um dos melhores personagens do filme, de longe, Domingo fica responsável quase que exclusivamente pela exposição dos eventos do filme anterior, para avançar no desenvolvimento dos outros personagens. Mas Domingo se entrega de coração e alma ao papel, fazendo uso de gestos e expressões faciais que adicionam um quê a mais de realismo à estas cenas de exposição, como se o ator estivesse presente nestas cenas em tempo real e estivesse contando-as diretamente para o espectador, que percebe que o personagem passou por muita coisa.

A aparição da Vanessa Williams, atriz do filme original, foi algo bem legal de se ver. A única interação entre Williams e Abdul-Mateen II é uma das melhores cenas do filme, e é exatamente o que faz de “A Lenda de Candyman” uma sequência ao invés de um reboot. Tendo como base o trabalho incrível dele na série “Utopia”, esperava um pouco mais da performance do Nathan Stewart-Jarrett. Aqui, ele é o alívio cômico da vez e a grande maioria das piadas funciona, mas a fisicalidade do ator pode ser um pouquinho exagerada e estereotipada, levando em conta a personalidade de seu personagem.

(The cast of 2021's “Candyman” is really talented, but, whether it's because of screenplay choices or the film's short runtime, some actors aren't able to reach their full potential. I loved Yahya Abdul-Mateen II's development as the protagonist. His character's obsession in coming up with new artistic work and being famous for it reminded me a lot of the development for Dr. Seth Brundle, portrayed by Jeff Goldblum in the classic “The Fly”, directed by David Cronenberg. There's this whole transformation that his character goes through throughout the film, and what I liked the most about his development is the ambiguous tone of that transformation. Sure, it can be taken seriously and most literally, and indeed, that's the screenwriters' choice, but it can also be interpreted in a symbolic way, as if Abdul-Mateen II's character was slowly being dominated by this obsession that defines him, and the actor works with that ambiguity really well.

Teyonah Parris is wonderful here. I had already really liked her role in “WandaVision”, and in “Candyman”, she is responsible for keeping the protagonist's feet on the ground, much like what Xander Berkeley did for Virginia Madsen's character in the original film. Besides the film being a journey of inspiration and discovery for the protagonist, Parris also assumes a main role here, as if the narrative was a whole process for her to believe the main character. There's a subplot that would add a whole new layer to the actress's performance, but the screenplay, unfortunately, doesn't find the time to develop it properly.

If Parris's character tries to keep the protagonist's feet on the ground, Colman Domingo's character lifts them even higher towards the sky. One of the best characters in the film, by far, Domingo is almost exclusively responsible for the exposition of the original film's events, to advance the development of other characters. But Domingo gives his heart and soul to the role, using gestures and facial expressions that add a more realistic tone to these exposition scenes, as if the actor was in those scenes in real time and was telling them directly to the viewer, who realizes that the character has been through a lot.

The appearance by Vanessa Williams, an actress from the original film, was really nice. The only interaction between Williams and Abdul-Mateen II is one of the film's best scenes, and it is exactly what makes this “Candyman” a sequel rather than a full-on reboot. Based on his incredible work in the TV series “Utopia”, I expected a lot more from Nathan Stewart-Jarrett's performance. Here, he's a full-on comic relief and the larger part of the funny gags and jokes works, but the actor's physical performance can be a little over-the-top and stereotyped, considering his character's personality.)

Os aspectos técnicos de “A Lenda de Candyman” são utilizados de maneira bem criativa e contida, com o objetivo de não tornar as cenas mais violentas gratuitas demais e focar em pontos narrativos que acentuariam o tom metafórico da narrativa. A direção de fotografia do John Guleserian e a montagem da Catrin Hedström trabalham em conjunto para criar cenas enervantes que priorizam a atmosfera à violência explícita. Como dito anteriormente, a diretora Nia DaCosta trabalha muito bem o aspecto da perspectiva, e isso é refletido de maneira brilhante no trabalho de Guleserian e Hedström.

Por exemplo, há uma cena onde alguns personagens dizem Candyman 5 vezes em frente à um espelho, com o objetivo de invocá-lo “de brincadeirinha”. Quando eles falam a palavra pela quinta vez, a cena corta para um plano mais detalhista. Depois de algumas trocas de diálogo, a cena volta para um plano mais geral, e dá pra perceber que mais alguma coisa está lá com os personagens. São cenas do tipo que “se você piscar, você perde”, então vale a pena ficar de olho.

A direção de arte consegue replicar muito bem alguns aspectos visuais e estéticos marcantes do primeiro filme, como o vandalismo presente na vizinhança de Cabrini-Green e a presença de doces com pequenas navalhas dentro. Há algumas cenas onde a paleta de cores dominante é da cor do mel, e eu achei isso bem interessante, já que um dos maiores símbolos do personagem-título é um enxame de abelhas o rodeando. Há um uso bem consolidado de efeitos práticos, especialmente quando se diz respeito às cenas de violência e terror corporal, o que eu achei absolutamente revigorante, levando em conta a dominação do CGI em blockbusters nos dias atuais.

E, por fim, a trilha sonora original, composta pelo Robert A. A. Lowe, faz um ótimo trabalho em acentuar o tom perturbador e enervante que a diretora Nia DaCosta deseja evocar com o filme. São faixas compostas por arranjos em constante crescimento, onde ela começa com um instrumento, e ao longo da faixa, o número de instrumentos aumenta cada vez mais, resultando em uma verdadeira amálgama de ruídos ao final da peça, propositalmente composta para causar incômodo no espectador, e eu achei isso brilhante.

(The technical aspects of 2021's “Candyman” are used in a very creative and contained way, with the objective of not making the more violent scenes too gratuitous and focusing on narrative points that would enhance the narrative's metaphorical tone. John Guleserian's cinematography and Catrin Hedström's editing work hand-in-hand to create unnerving scenes that prioritize atmosphere over explicit violence. As previously stated, director Nia DaCosta works really well with the aspect of perspective, and that is reflected brilliantly in Guleserian and Hedström's work.

For example, there's a scene where some characters say Candyman five times in front of a mirror, with the objective of summoning him “as a joke”. When they say the word for the fifth time, the scene cuts to a more detailed frame of the situation. After a few dialogue exchanges, the scene goes back to the more general frame, and you are able to notice that there is something else there with the characters. These are scenes of the “blink and you'll miss it” category, so keep your eyes peeled.

The production design manages to replicate really well some visual and aesthetic aspects that marked the first film, such as the vandalism in the Cabrini-Green neighborhood projects and the presence of candy with small razor blades in them. There are some scenes in where the dominant color palette is the color of honey, and I found that to be quite interesting, as one of the title character's greatest symbols is a swarm of bees surrounding him. There's a very solid use of practical visual effects, especially when it comes to the violent and body horror scenes, which I found to be absolutely invigorating, considering CGI's domination over blockbusters in present day.

And, at last, the original score, composed by Robert A. A. Lowe, does a great job in enhancing the disturbing and unnerving tone that director Nia DaCosta wishes to evoke with the film. These are tracks composed by arrangements in constant growth, where it starts with one single instrument, and throughout the track, the number of instruments grows even higher, resulting in a real collection of noises at the end of the piece, purposefully composed to discomfort the viewer, and I thought that was brilliant.)

Resumindo, “A Lenda de Candyman” é aquele raro filme que revitaliza vigorosamente uma franquia dormente e, ao mesmo tempo, cria uma história completamente nova para atrair uma nova geração de fãs e espectadores. A diretora e roteirista Nia DaCosta, trabalhando em conjunto com o roteirista e produtor Jordan Peele, consegue entregar uma sequência mais autêntica, original, metafórica e socialmente relevante do que o filme original, contando com a ajuda de um elenco super talentoso e aspectos técnicos essencialmente atmosféricos para fazer isso.

Nota: 9,5 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, 2021's “Candyman” is that rare film that vigorously breathes new life into a dormant franchise and, simultaneously, creates a completely brand-new story in order to attract a new generation of fans and viewers. Writer-director Nia DaCosta, working in tandem with writer and producer Jordan Peele, manages to deliver a sequel that's more authentic, original, metaphorical and socially relevant than the original film, relying on the help of a super-talented cast and essentially atmospheric technical aspects in order to do so.

I give it a 9,5 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"O Esquadrão Suicida": o melhor filme do Universo Estendido da DC (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para trazer a resenha de um dos filmes mais esperados de 2021, em exibição nos cinemas! Entregando uma quantidade desenfreada de diversão ultraviolenta, mas não deixando seu comovente núcleo emocional de lado, o filme em questão é, de longe, a melhor obra do Universo Estendido da DC e o melhor trabalho de seu diretor, servindo como prova viva de como o cinema de heróis poderia ser algo ainda mais satisfatório se os estúdios permitissem que a visão original dos cineastas responsáveis por estes filmes fosse realizada. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “O Esquadrão Suicida”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to bring the review for one of the most anticipated films of 2021, which is now showing in theaters (and streaming on HBO Max)! Delivering a non-stop serving of ultraviolent fun, while not leaving its touching emotional core aside, the film I'm about to review is, by far, the best film in the DC Extended Universe and the best work by its director, serving as living proof of how superhero cinema could be something even more satisfying if the studios allowed the original vision of the filmmakers responsible for these films to be made. So, without further ado, let's talk about “The Suicide Squad”. Let's go!)

O filme acompanha uma força-tarefa de presidiários com habilidades especiais escolhida por Amanda Waller (Viola Davis) para cumprir uma missão perigosa: se infiltrar em um laboratório construído por nazistas na ilha sul-americana de Corto Maltese e destruir um projeto ultra-secreto que poderá servir como arma para dominação mundial... ou morrer tentando.

(The film follows a task force of convicts with unique and special abilities handpicked by Amanda Waller (Viola Davis) to fulfill a dangerous mission: infiltrating a laboratory built by Nazis in the South American island of Corto Maltese and destroying a top-secret project that could serve as a weapon for world domination... or die trying.)

Ok, antes que me crucifiquem por causa disso, tenho que tirar uma coisa do meu peito: o filme “Esquadrão Suicida”, de 2016, não é o desastre que as pessoas dizem que é. O filme sofreu mudanças desde o seu anúncio até o seu lançamento? Sim, e foram drásticas. Tem mais erros do que acertos? Sim, infelizmente. Mas, olhando por outro lado, o filme foi responsável pela apresentação de alguns dos melhores personagens do Universo Estendido da DC, em especial a Arlequina de Margot Robbie, que acabou ganhando um filme só para ela com o divertido spin-off “Aves de Rapina”. Ao ver o filme de 2016, dá para ver que o conceito tinha potencial, especialmente se o primeiro trailer, que evidenciava um tom mais sombrio, fosse levado em consideração. Quer dizer, “Esquadrão Suicida” foi o primeiro filme deste universo cinematográfico a levar um Oscar, e foi antes de “Pantera Negra”, da Marvel, fazer história como o primeiro filme do gênero a ser indicado a Melhor Filme.

Mas, devido à recepção negativa de “Batman vs Superman” (especialmente por seu tom mais sombrio), o filme sofreu várias refilmagens que mudaram sua estética visual e narrativa para algo mais estimulante, para tentar replicar o sucesso dos filmes da Marvel. Esta escolha acabou resultando em um filme formulaico, porém divertido, que não alcançou seu verdadeiro potencial. E talvez seja justamente pelo fato do primeiro filme não ter aproveitado completamente sua premissa que minhas expectativas estavam consideravelmente altas para assistir à “O Esquadrão Suicida”.

É claro que haviam outras razões. Entre elas, a direção do James Gunn, responsável por revitalizar a originalidade no gênero de super-heróis com “Guardiões da Galáxia”, de 2014; o retorno de alguns dos melhores personagens do primeiro filme (Arlequina, Amanda Waller, Rick Flag e Capitão Bumerangue); e, especialmente, a entrega por completo à uma classificação indicativa mais restrita, abordagem que foi explorada de forma superficial, porém eficiente, em “Aves de Rapina”.

Então, sim, minhas expectativas estavam extremamente altas para assistir à sequência de James Gunn. Vou mais longe ao dizer que, dentro do gênero de super-heróis, “O Esquadrão Suicida” era o filme que eu estava mais animado para assistir em um futuro próximo, especialmente depois de todas as críticas positivas ao filme criarem um hype que foi refletido no material promocional perto da estreia. E fico muito, mas muito feliz em dizer que “O Esquadrão Suicida” não só é o melhor filme de super-heróis de 2021 (e uma das melhores obras do gênero), mas também é o melhor filme do ano até agora.

Com isso dito, vamos falar do roteiro. Escrito pelo próprio diretor, um dos melhores aspectos narrativos dos 5 primeiros minutos do filme é o fato da sequência não desperdiçar a atenção do espectador com explicações e exposições que, se levadas a sério, teriam ocupado uns 20 minutos do tempo de duração. Gunn, felizmente, faz uma exposição concisa e rápida, nos jogando para a ação momentos depois. Já digo de passagem: “O Esquadrão Suicida” não é o que viemos a esperar de um filme de super-heróis da DC. O próprio nome diz tudo. Pessoas morrem ao longo do tempo de duração de 2 horas e 15 minutos, alguns de forma extremamente violenta, mas estaria mentindo se dissesse que o filme não é divertido do início ao fim. James Gunn não só redime o conceito iniciado por David Ayer em “Esquadrão Suicida”, mas também se entrega completamente à estética excessivamente sangrenta explorada em “Aves de Rapina”.

E isso nos leva ao segundo ponto positivo do roteiro: o fator de entretenimento. Como dito anteriormente, nos primeiros 5 a 10 minutos de filme, há uma quantidade mínima, porém compreensível, de exposição seguida por uma sequência de ação gloriosamente ultraviolenta, que já nos ambienta para o tipo de filme que iremos assistir pelas próximas 2 horas. Fico extremamente satisfeito em dizer que Gunn consegue fazer duas coisas excelentes a respeito deste fator: reter a diversão e a originalidade que marcou o seu primeiro “Guardiões da Galáxia” e elevar estes aspectos à enésima potência para encaixá-los nos padrões da classificação indicativa mais restrita. É um dos filmes mais divertidos de super-heróis que assisti nos últimos tempos, contando com um senso de humor ácido e sarcástico que perpassa todo o tempo de duração, e uma estética visual vibrante e estimulante que ganha cada vez mais vida a cada cena de ação.

Mas, para nossa alegria, James Gunn não se restringe às cenas de ação para entregar a diversão que o filme propõe. O roteirista e diretor retém outro acerto de “Guardiões da Galáxia” ao focar nos personagens ao invés das circunstâncias. Foi a mesma escolha que fez de “It: A Coisa” um filme de terror diferenciado para mim: o diretor Andy Muschietti escolheu priorizar a dinâmica entre o Clube dos Perdedores ao invés dos terrores causados por um palhaço interdimensional. E nem preciso dizer que, assim como em “It”, essa escolha caiu como uma luva em “O Esquadrão Suicida”.

Entre as várias cenas de ação distribuídas pelo filme, há muitas partes que colaboram para o desenvolvimento dos personagens, onde aprendemos um pouco sobre a história de fundo de alguns deles (em especial, aqueles que foram introduzidos neste filme) através de flashbacks colocados de maneira bastante orgânica na linha narrativa da obra. Dinâmicas são estabelecidas entre algumas destas pessoas, e tais dinâmicas ajudam o espectador a se importar com a jornada que estes personagens irão percorrer ao longo do filme, nos fazendo torcer para que eles não sofram um destino terrível antes dos créditos começarem a subir.

Essa escolha nos leva ao próximo aspecto que vale a pena destacar no roteiro: o núcleo emocional. Claro, o slogan usado na promoção do filme nos avisa de forma bastante clara: “Não se apeguem a estes personagens”, porque obviamente eles podem morrer a qualquer momento. Mas, especificamente em respeito à alguns personagens, é mais difícil se desapegar deles, por todo o desenvolvimento que eles têm ao longo do filme. Como dito anteriormente, há alguns flashbacks que nos contam a história de fundo de certos personagens, e o que nos ajuda a conectar emocionalmente com eles é o fato deles serem pessoas essencialmente quebradas, que tiveram suas vidas arruinadas por circunstâncias enraizadas na humanidade, como o abuso e o vício nas drogas. E não só em relação aos personagens, o próprio conflito principal do roteiro têm motivações sociopolíticas extremamente realistas, que já aconteceram e ainda acontecem no mundo real, mas sem spoilers aqui.

E a última coisa que gostaria de destacar sobre o roteiro é um dos maiores acertos de James Gunn: a imprevisibilidade. Não sei se foi porque eu assisti a 4 filmes bastante previsíveis da franquia “Brinquedo Assassino” antes de ir ao cinema (inclusive, podem esperar uma postagem especial sobre os filmes do Chucky até outubro, comemorando a estreia da vindoura série do personagem), mas o roteiro de Gunn me pegou de surpresa várias vezes ao longo do tempo de duração extremamente bem calculado de 2 horas e 15 minutos. O diretor pega todos os clichês presentes na fórmula geral dos filmes de super-heróis e os joga na lata de lixo mais próxima, investindo em um número considerável de reviravoltas espalhadas pela trama, com todas elas sendo bem eficientes.

Tal imprevisibilidade resulta em uma das narrativas mais originais do gênero até o momento, e serve como prova viva de que os estúdios precisam dar mais ouvidos aos seus cineastas. “O Esquadrão Suicida” é um filme que vai te divertir bastante, vai te fazer rir, provavelmente vai te fazer chorar e pode até te chocar com algumas das suas reviravoltas, e, para mim, só Chloé Zhao e seus “Eternos” podem tirar o troféu de “melhor filme de super-heróis do ano” de James Gunn e sua Força-Tarefa X.

(Okay, before I get crucified for this, I have to get something off my chest: the film “Suicide Squad”, released in 2016, isn't the utter disaster people say it is. Did the film suffer changes between its announcement and release? Yes, and drastic ones. Are there more mistakes than hits? Yes, unfortunately. But, on the other hand, it was responsible for the introduction of some of the best characters in the DC Extended Universe, most especially Margot Robbie's Harley Quinn, who got a film of her own with the fun spin-off “Birds of Prey”. By watching the 2016, you can see that its concept had potential, especially if the first trailer, which predicted a darker tone, was to be taken in consideration. I mean, “Suicide Squad” was the first film from this cinematic universe to win an Oscar, and that was before Marvel's “Black Panther” made history as the first superhero film to be nominated for Best Picture.

But, due to the negative reception of “Batman v Superman” (especially because of its darker tone), the movie suffered several reshoots that changed its visual and narrative aesthetic into something more stimulating, in order to try and replicate the success Marvel was having. That choice ended up resulting in a formulaic, but fun, film that did not reach its true potential. And maybe it's because of the first film never taking full advantage of its premise, that my expectations were considerably high to watch “The Suicide Squad”.

Of course, there were several other reasons. Amongst them, the direction by James Gunn, who was responsible for revitalizing the originality in the superhero genre with the first “Guardians of the Galaxy” film, released in 2014; the return of some of the best characters from the first film (Harley Quinn, Amanda Waller, Rick Flag and Captain Boomerang); and, especially, the film fully embracing a more restricted rating, an approach that was explored in a basic, yet effective way in “Birds of Prey”.

So, yeah, my expectations were extremely high to watch James Gunn's sequel. I'll go even further and say that, inside the superhero genre, “The Suicide Squad” was the film I was more excited to watch in the near future, especially after all the positive reviews to it created a hype that was reflected in the promotional material near the release. And I am really, really happy to say that “The Suicide Squad” not only is the best superhero film of 2021 (and one of the best films in the genre), but also is the best film of the year so far.

With that said, let's talk about the screenplay. Written by the director himself, one of the best narrative aspects of its first 5 minutes of projection is the fact the sequel doesn't waste the viewer's attention with explanations and expositions that, if taken seriously, would've occupied 20 minutes of its runtime. Gunn, fortunately, makes a concise and quick exposition, thrusting us into action literally moments later. I'll already say this: “The Suicide Squad” isn't what you'd come to expect from a DC superhero film. The name says it all. People die throughout its runtime of 2 hours and 15 minutes, some in an extremely violent manner, but I would be lying if I said that the film wasn't fun from beginning to end. James Gunn not only redeems the concept started by David Ayer in “Suicide Squad”, but also gives every inch of his film completely to the excessively bloody aesthetic explored in “Birds of Prey”.

And that takes us to the second positive point of the screenplay: the entertainment factor. As previously stated, in its first 5 to 10 minutes, there's a minimal, yet comprehensive, amount of exposition, followed by a gloriously ultraviolent action sequence, which already sets the ground for the kind of movie we're watching for the next two hours. I'm extremely satisfied to say that Gunn manages to do two excellent things regarding this aspect: retrieving the fun and originality that made his first “Guardians of the Galaxy” such a hit and elevating those aspects to the n-th degree to fit them into the pattern of the more restricted rating. It's one of the most fun superhero films I've watched in recent times, which relies on an acid, sarcastic sense of humor that runs through the entire runtime, and a vibrant, stimulating aesthetic that gains more life at every action scene.

But, for our luck, James Gunn isn't only investing in the action sequences to deliver the fun the film proposes. The writer and director retrieves yet another aspect of “Guardians of the Galaxy” by focusing on its characters rather than the circumstances. It was that same choice that made “It” such a different horror film for me: director Andy Muschietti prioritized the dynamic between the Losers' Club over the horrors caused by an interdimensional clown. And I don't even have to say that, as it worked on “It”, that choice fit like a glove in “The Suicide Squad”.

Inbetween several action scenes spread throughout the film, there are many parts that collaborate for the characters' development, where we learn a little about the backstory of some of them (especially, those that are introduced in this film) through flashbacks placed in a very organic way in the movie's narrative storyline. Dynamics are established between some of these people, and those dynamics help the viewer in caring about the journey these characters will go through throughout the film, making us hope that they don't suffer a terrible fate before the credits start rolling.

That choice leads us to the next aspect worth mentioning in the screenplay: its emotional core. Of course, the tagline used in the film's promotional material warns us in a very clear way: “Don't get attached to these characters”, because obviously they can die at any moment. But, specifically when it comes to certain characters, it's harder not to get attached, because of all the development they have throughout the film. As previously stated, there are some flashbacks that tell us the backstory of some characters, and what helps us emotionally connect with them is the fact they're essentially broken people, whose lives have been ruined by circumstances rooted in humanity, such as abuse and drug addiction. And not just about the characters, the screenplay's main conflict itself has extremely realistic sociopolitical motivations, that already happened and still happen in the real world, but no spoilers here.

And the last thing I'd like to highlight about the screenplay is one of James Gunn's biggest qualities: his unpredictability. I don't know if it was because I had watched 4 extremely predictable films from the “Child's Play” franchise before going to the movies (in fact, you can expect a special post on the Chucky films by October, in celebration of the character's upcoming TV show), but Gunn's screenplay caught me by surprise several times throughout its extremely well-calculated runtime of 2 hours and 15 minutes. The director takes all the clichés in the general formula of superhero films and tosses them into the nearest trashcan, investing in a considerable amount of plot twists spread throughout the plot, with all of them being very effective.

Such an unpredictability ends up resulting in one of the genre's most original narratives to date, and serves as living proof that studios should listen more to their filmmakers. “The Suicide Squad” is a film that will entertain you a lot, make you laugh, probably make you cry, and it may even shock you with some of its plot twists, and, for me, only Chloé Zhao and her “Eternals” are worthy of taking the award for “best superhero film of 2021” from James Gunn and his Task Force X.)

Uma das maiores razões para a expectativa do público estar alta para assistir “O Esquadrão Suicida” certamente é o elenco, que é extremamente talentoso. Felizmente, todos os atores fazem um ótimo trabalho aqui, mesmo que todos não recebam a mesma atenção. Começando pela Margot Robbie, que mostra que sua escalação como Arlequina foi uma das melhores, se não for a melhor decisão do Universo Estendido da DC. O foco da narrativa não é necessariamente dela, mas ela faz um excelente trabalho com suas cenas e diálogos, sendo uma peça central em uma das melhores cenas de ação do longa. A dinâmica entre o Idris Elba e a Daniela Melchior é o fio condutor principal da trama, com seus personagens tendo histórias de fundo igualmente trágicas, permitindo que os dois sejam as principais maneiras que o espectador encontra de se conectar emocionalmente com a narrativa. Eu sabia que, a partir de todo material promocional envolvendo a personagem de Melchior, ela iria ser uma das minhas personagens favoritas do filme, e fico muito feliz ao ver isso se concretizando.

A pessoa que decidiu escalar o John Cena como o Pacificador merece um prêmio. Já era confiante pelo potencial cômico do ator por seu papel em “Descompensada”, e Cena amplia seu potencial como um alívio cômico, interpretando um anti-herói egocêntrico, exibido e hipócrita, que encontra sua maior força na dinâmica contrastante com o personagem do Idris Elba. O Joel Kinnaman faz um ótimo trabalho (assim como no filme anterior) liderando a equipe, sendo bem mais engraçado dessa vez, e tendo uma boa química com a Alice Braga. O David Dastmalchian interpreta um dos personagens mais trágicos do filme, mas tanto o ator quanto o roteiro conseguem transformar essa tragédia em algo constantemente hilário.

Agora, se tem um personagem que é impossível o espectador não cair de amores, é o Tubarão-Rei de Sylvester Stallone. Ele é o que o Crocodilo tinha que ter sido no primeiro filme. Ele mistura a agressividade do Hulk com a inocência e o teor fofura do Groot, de “Guardiões da Galáxia”, e funciona perfeitamente. Outros destaques no elenco incluem: Peter Capaldi, que encontra no Pensador seu melhor papel desde sua saída de “Doctor Who”; Sean Gunn, que interpreta um dos personagens mais bizarros e engraçados do longa; Taika Waititi, que é uma peça central no desenvolvimento da personagem da Daniela Melchior; e Viola Davis, que amplifica o teor autoritário e decisivo de Amanda Waller até a máxima potência. Além desses nomes, o elenco também conta com Jai Courtney, Michael Rooker, Nathan Fillion, Flula Borg, Pete Davidson e Steve Agee, que fazem um ótimo trabalho como alívios cômicos.

(One of the most important reasons for the audience's expectations to watch “The Suicide Squad” to be so high is certainly the cast, which is extremely talented. Fortunately, every actor does a wonderful job here, even if not everyone gets the same amount of attention. Starting off with Margot Robbie, who shows that her casting as Harley Quinn was one of, if not the best decision made by the DC Extended Universe. The narrative's focus isn't necessarily on her, but she does an excellent job with her scenes and dialogue, being a central piece in one of the film's best action scenes. The dynamic between Idris Elba and Daniela Melchior is the plot's main conductive force, with their characters having equally tragic backstories, allowing the two of them to be the audience's main way in emotionally connecting with the narrative. I knew that, from all the promotional material regarding Melchior's character, she would be one of my favorite characters in the film, and I'm glad to see that coming true.

The person who decided to cast John Cena as the Peacemaker deserves an award. I was already trusting the actor's comic potential due to his role in “Trainwreck”, and Cena amplifies his potential as a comic relief, portraying a self-centered, show-off, hypocritical anti-hero, who finds its beggest force in the contrasting dynamic with Idris Elba's character. Joel Kinnaman does a great job (as he does in the first film) in leading the team, being way more funny this time around, and having good chemistry with Alice Braga. David Dastmalchian plays one of the film's most tragic characters, but the actor and the screenplay manage to transform that tragedy into something's that's constantly hilarious.

Now, if there's a character who's impossible not to fall in love with, that's Sylvester Stallone's King Shark. He is what Killer Croc should've been in the first film. He mixes the Hulk's aggressiveness with the innocence and cute appeal of Groot, from “Guardians of the Galaxy” and it works perfectly. Other highlights in the cast include: Peter Capaldi, who finds his finest role in the Thinker since his exit from “Doctor Who”; Sean Gunn, who plays one of the film's most bizarre and funny characters; Taika Waititi, who's a central piece for the development of Daniela Melchior's character; and Viola Davis, who amplifies the authority and decisive attitude of Amanda Waller to their maximum degree. Besides those names, the cast also counts on Jai Courtney, Michael Rooker, Nathan Fillion, Flula Borg, Pete Davidson and Steve Agee, who do a great job as comic reliefs.)

Tecnicamente, “O Esquadrão Suicida” é bem dinâmico. A direção de fotografia do Henry Braham (que ocupou o mesmo posto em “Guardiões da Galáxia Volume 2”) consegue diversificar na maneira de abordar as cenas de ação: enquanto algumas são feitas em tomadas contínuas bem fluidas, outras são feitas de um modo bem manual, como se fosse um filme “found-footage”, o que eu achei bem interessante. A montagem do Fred Raskin e do Christian Wagner é a principal ferramenta que Gunn usa para estabelecer o passo do filme, que é bem acelerado, diminuindo a velocidade algumas vezes para focar nos personagens.

A direção de arte desse filme é simplesmente fantástica. Vibrante, colorido, repleto de cores quentes e que chamam a atenção dos olhos do espectador. Eu gostei particularmente de como eles usam certos aspectos visuais para marcar a temporalidade do longa. Por exemplo: há uma cena de ação, aí depois há um flashback, e as palavras “3 dias antes” estão escritas na espuma no assento de um vaso sanitário na penitenciária. Há mais de uma ocasião onde isso acontece, e funciona toda vez. Há um uso generoso de CGI nas cenas de ação, mas felizmente, não parece artificial. Tudo tem uma textura extremamente palpável e realista, por mais surreal que seja, em sua essência.

E, por fim, temos o aspecto técnico pelo qual James Gunn é mais conhecido no gênero de super-heróis: a trilha sonora. Por um lado, temos a trilha sonora instrumental, originalmente composta pelo John Murphy, que combina perfeitamente com o teor de entretenimento e ação que veremos ao longo das 2 horas e 15 minutos de duração. E por outro lado, temos a trilha sonora compilada, composta por clássicos de Johnny Cash, Kansas e Pixies, além de canções mais modernas de The Decemberists, Culture Abuse e Jessie Reyez. E mesmo que a compilação seja ecléctica e inerentemente cheia de qualidade, nenhuma música se destacou, na minha opinião, como “Hooked on a Feeling” em “Guardiões da Galáxia” ou “The Chain” no Volume 2. Mas tenho certeza que posso mudar de opinião ao escutá-las novamente.

(Technically, “The Suicide Squad” is really dynamic. Henry Braham's cinematography (he occupied the same post in “Guardians of the Galaxy Vol. 2”) manages to diversify in the way of approaching the action scenes: while some are made through very fluid continuous takes, others are made in a very handheld way, like it was a “found-footage” movie, which I thought it was pretty interesting. Fred Raskin and Christian Wagner's editing is the main tool that Gunn uses to establish the film's pacing, which is pretty fast, slowing down a few times to focus more on the characters.

The production design in this film is simply fantastic. Vibrant, colorful, filled with warm colors that call for the attention of the viewer's eyes. I particularly enjoyed how they used certain visual aspects to set the film's temporality. For example: there's an action scene, and then there's a flashback sequence, and the words “3 days earlier” are written in the foam on the seat of a toilet in the penitentiary. There's more than one occasion where this happens, and it works every single time. There's a generous use of CGI in the action scenes, but fortunately, it doesn't look artificial. Everything has an extremely palpable, realistic texture, as surreal as it may be, essentially.

And, at last, we have the technical aspect for which James Gunn is most known in the superhero genre: the soundtrack. On one hand, we have the instrumental score, originally composed by John Murphy, which fits perfectly with the entertainment and action vibe that runs through its runtime of 2 hours and 15 minutes. And on the other hand, we have the compiled soundtrack, composed by classic hits by Johnny Cash, Kansas and the Pixies, besides more modern songs by the Decemberists, Culture Abuse and Jessie Reyez. And even though the compilation is eclectic and inherently filled with quality music, no song stood out, in my opinion, like “Hooked on a Feeling” in “Guardians of the Galaxy” or “The Chain” on Vol. 2. But I'm sure that I can change my mind if I give them another listen.)

Resumindo, “O Esquadrão Suicida” é um dos melhores e mais divertidos filmes de super-heróis dos últimos tempos. Contando com um roteiro hilário e imprevisível, performances fantásticas de seu elenco extremamente talentoso e aspectos técnicos que reforçam a dinamicidade da narrativa, o segundo filme da Força-Tarefa X é a melhor obra do Universo Estendido da DC, o melhor filme de 2021 até agora e o melhor trabalho de James Gunn no roteiro e na direção. Vejam nos cinemas, se possível, e fiquem ligados nas cenas pós-créditos!

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “The Suicide Squad” is one of the best and most fun superhero films in recent times. Relying on a hilarious, unpredictable screenplay, fantastic performances by its extremely talented ensemble cast and technical aspects that reinforce the narrative's dynamic tone, Task-Force X's second outing is the best film in the DC Extended Universe, the best film of 2021 so far and James Gunn's finest work in screenwriting and directing. See it on theaters, if possible, and stay tuned for the post-credit scenes!

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Sandman": a melhor e mais rica obra literária de ficção que eu já li (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para trazer a resenha de uma série de histórias em quadrinhos que será, em breve, adaptada para a Netflix! Sendo composta por uma verdadeira amálgama de histórias que, lentamente, vão se tornando uma só, e contando com o auxílio de vários artistas que trazem as ambientações reais e fictícias da obra à vida, a série de quadrinhos em questão é um divisor de águas na história das HQs, e é a melhor obra de ficção que eu já li na vida. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Sandman”, criada pelo inigualável Neil Gaiman. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to bring the review of a series of comic books that will, soon, be adapted to Netflix as a TV show! Being composed by a true amalgamation of stories that, slowly, become one, and relying on the assistance of several artists who bring its real and fictional settings to breathing life, the comic book series I'm about to review is a watershed moment in comic book history, and it is the best work of fiction I've ever had the pleasure of reading. So, without further ado, let's talk about “The Sandman”, created by the one and only Neil Gaiman. Let's go!)

Ambientado no final da década de 1980, os quadrinhos seguem a jornada de Morpheus, a personificação antropomórfica dos sonhos e histórias e um dos sete Perpétuos, seres inconcebivelmente mais poderosos e antigos do que deuses. No ano de 1916, Morpheus é capturado por um grupo de feiticeiros ocultistas e mantido em cativeiro, causando uma pandemia de encefalite letárgica ao redor do mundo. 70 anos depois, Morpheus consegue escapar de seu cativeiro, e parte em uma jornada para recuperar seus antigos poderes, espalhados pelo globo, com o objetivo de restaurar a ordem ao seu reino.

(Set in the late 1980s, the comics follow the journey of Morpheus, the anthropomorphic personification of dreams and stories and one of the seven Endless, inconceivably powerful beings who are greater and older than gods. In the year 1916, Morpheus is captured by a group of occult sorcerers and kept in captivity, causing a worldwide pandemic of sleeping sickness. 70 years later, Morpheus manages to escape his captivity, and sets off on a journey to retrieve his earlier powers, which are spread all across the globe, in order to restore order in his realm.)

O primeiro contato que eu lembro ter tido com a obra de Neil Gaiman foi através do filme “Stardust: O Mistério da Estrela”, lançado em 2007, que teve seu roteiro escrito pelo próprio Gaiman, baseado em seu romance de mesmo nome. Faz tanto tempo que vi esse filme que não lembro de como me senti. Por isso, sempre atribuo o meu primeiro contato com a obra do autor à espetacular animação de 2009 “Coraline e o Mundo Secreto”, que foi o primeiro filme que assisti em 3D nos cinemas. Lembro que fiquei maravilhado e assustado em doses idênticas, e ciente de que era baseado em um livro, baixei o e-book de “Coraline” para ler (o livro também foi o primeiro e-book que li na vida), e acabei sentindo as mesmas coisas que senti ao assistir à adaptação, de uma forma até mais intensa.

Avançando para 2016, graças à um grupo dedicado à uma das minhas séries de livro favoritas, tive a sorte de conhecer uma amiga online que, entre muitos outros, tinha Gaiman como um dos seus autores prediletos. E desde então, por causa das conversas que tivemos envolvendo a obra do autor e as adaptações para o cinema, sempre fui curioso para começar a ler “Sandman”. Pelas capas das edições lançadas no Brasil, sempre tive a impressão que eram livros de terror, e eram sempre bem caras, então nunca as comprei. Mas, no Natal de 2020, tive a oportunidade de pedir um box comemorando os 30 anos da série com todas as edições como presente de Natal e aniversário para o meu avô. Terminei de ler todos os volumes recentemente, e eu acho que qualquer coisa que eu colocar nessa resenha vai ser um eufemismo, em comparação com a obra.

Mas eu fico muito feliz em dizer que ler “Sandman” foi uma das melhores experiências que tive durante a pandemia, e a série é, de longe, a melhor e mais rica obra de ficção que eu já tive o prazer de ler nos meus 21 anos de vida. Ok, com isso dito, vamos falar sobre a trama de “Sandman”, elaborada inteiramente por Gaiman. Antes de mergulhar na complexidade dos temas abordados na série e na completa vastidão deste universo fictício, queria falar um pouco sobre a qualidade geral do roteiro. Se comparadas com o tom ambicioso de “Sandman”, todas as outras obras de Gaiman que li antes destes quadrinhos foram só a ponta do iceberg.

Cada capítulo de aproximadamente 24 páginas presente nos 13 volumes da série é repleto de fantasia e magia, com uma construção de mundo fascinante que ganha vida na página. Cada evento retratado nas páginas captura a atenção do leitor, resultando numa leitura extremamente viciante, cheia de reviravoltas, e sempre contendo um gancho ao final de cada edição contínua, o que eu achei incrível. A série foi uma das únicas graphic novels ao estar na lista de best-sellers do New York Times com razão.

Em teoria, “Sandman” é uma história sobre histórias, então várias histórias (reais ou fictícias) são contadas ou recontadas aqui, contando com a presença de personagens da Bíblia (Caim, Abel, Eva, Lúcifer), figuras da mitologia grega e nórdica (Odin, Thor, Loki, as Musas e a tragédia de Orfeu e Eurídice), personalidades icônicas como William Shakespeare e personagens fictícios do Universo da DC, como a Liga da Justiça para complementar a trama principal e tornar o já vasto elenco de personagens da série ainda maior. E o mais interessante sobre este enorme número de personagens é que nenhum deles aparece somente uma vez. Ao longo da trama principal, revisitamos estes personagens várias vezes para ver como eles evoluíram (ou não), e alguns deles até possuem um papel central em certos volumes.

Outro aspecto bem curioso que gostei em “Sandman” foi o tom. Claro, o gênero principal aqui é fantasia, mas Gaiman mostra uma flexibilidade implacável como escritor ao levar sua história para gêneros drasticamente diferentes da fantasia, como o terror, o drama, a tragédia, o romance e o mistério com sucesso. E, mesmo com esse teor eclético dos vários gêneros, Gaiman consegue manter um tom uniformemente sombrio. Já digo de passagem que “Sandman” é uma obra estritamente para adultos, contendo uma quantidade generosa de sexo e nudez explícita e uma porção ainda maior de violência gráfica. Mas, felizmente, o autor usa estes artifícios ao seu favor, para dizer algo sobre os personagens, ao invés de distribuí-los de forma gratuita ao longo das páginas, para somente ser alvo de controvérsia.

Uma das melhores coisas que percebi ao ler “Sandman” é como cada volume é, ao mesmo tempo, uma história contida e um complemento para um universo em constante expansão. Cada linha narrativa nos 13 volumes tem um início, um meio e um fim muito bem definidos, de modo que nenhum volume acaba em um gancho ou um suspense para o próximo. O leitor pode muito bem parar quando preferir, mas poderá estar perdendo ótimas histórias no decorrer da série. E ainda falando sobre os volumes, Gaiman faz transições constantes e bem-sucedidas entre histórias essencialmente contínuas, onde o próximo capítulo é uma sequência direta do anterior, e antologias, onde cada edição conta uma história diferente da anterior.

O autor faz um ótimo trabalho ao tentar individualizar algumas das edições, que conseguem ser completamente compreensíveis por conta própria. Há uma edição em particular na segunda metade do primeiro volume que é ambientada ao longo de 24 horas em uma lanchonete. É uma exploração aterrorizante e animalesca da natureza humana e é, de longe, uma das coisas mais assustadoras que eu já li. O protagonista da série mal aparece, e o melhor é que nós nem sentimos a falta dele, tamanha a eficácia da prosa de Gaiman. Eu, em particular, mal posso esperar para ver como a Netflix vai adaptar essa edição, mas enquanto isso, há um fanfilm espetacularmente bem feito que irá satisfazer minha vontade até lá (você pode assisti-lo aqui: https://www.youtube.com/watch?v=5kIP70LAIBI).

Mas talvez o maior trunfo de Gaiman ao elaborar a trama de “Sandman” seja a maneira que o autor mistura realidade com fantasia. Aspectos fantásticos adentram o mundo real e vice-versa, e é uma mistura tão orgânica que é quase impossível distinguir os dois. Isso permite que, além de ser uma fantasia épica da maior qualidade, a série também seja uma história profundamente humana. Há um volume em particular que usa certos aspectos fantásticos para tratar de temas sérios e relevantes nos dias de hoje, que até poderiam ser taxados como tabu na época de lançamento.

E, falando de temas, eu adorei como Gaiman abordou a temática da mudança, em especial para desenvolver o seu protagonista. Ao contrário de grande parte dos Perpétuos, Morpheus não muda em quase nenhum aspecto. Seja na aparência ou no jeito em que ele conversa, ele se mantém firme em seus preceitos, mas certos eventos ocorridos ao longo da trama forçam ele a mudar de atitude, e Gaiman faz um ótimo trabalho em abordar essas mudanças a partir das relações que o protagonista tem com aqueles ao seu redor. Há uma frase dita em um dos meus episódios favoritos de “Doctor Who” que encaixa perfeitamente com os Perpétuos: “Nós todos mudamos, quando você para pra pensar. Somos todos pessoas diferentes ao longo de nossas vidas. E tudo bem, isso é bom, você precisa continuar mudando, contanto que lembre das pessoas que você costumava ser.”

A última coisa que gostaria de destacar sobre o roteiro é a continuidade, que é impecável. Referências à volumes anteriores, aparições de personagens familiares, tramas focadas em personagens secundários que recebem um papel mais central em uma linha narrativa em particular, questões em aberto que são abordadas e respondidas em próximos volumes. Gaiman não deixa nenhum buraco ou questão não-respondida no roteiro de “Sandman”, resultando em uma leitura completa e extremamente satisfatória que irá manter a atenção do leitor até a última página.

(The first contact I remember having with Neil Gaiman's work was through the movie “Stardust”, released in 2007, which had its screenplay written by the author himself, based on his novel of the same name. It's been a long, long time since I first watched it, so I can't properly remember how I felt. Because of that, I always attribute my first contact with the author's work to the spectacular 2009 animated film “Coraline”, which was the first 3D film I saw in theaters. I remember being wonderstruck and terrified in equal measure, and aware it was based on a book, I downloaded the “Coraline” e-book, (it was also the very first e-book I've ever read), and upon reading it, I felt the exact same things I did when watching the adaptation, in an even more intense way.

Fast-forward to 2016, thanks to a group dedicated to one of my all-time favorite book series, I had the lucky chance of meeting an online friend who, among many others, had Gaiman as one of her favorite authors. And since then, because of the conversations we've had over the author's work and their movie or TV adaptations, I was very curious towards reading “Sandman”. Through the covers of the editions released in Brazil, I always had the impression that they were horror stories, and they were always pretty expensive, so I never bought them. But, last Christmas, I had the opportunity of asking my grandfather for a boxset celebrating the series's 30^th anniversary with every single issue as a Christmas and birthday present. I finished reading all the volumes recently, and I think that everything I say here will be a massive understatement, in comparison with the actual work.

But I am really glad to say that reading “Sandman” was one of the greatest experiences I've had during the pandemic, and the series is, by far, the best and richest work of fiction I've ever had the pleasure of reading in my 21 years of life. Okay, with that said, let's talk about the story of “Sandman”, entirely elaborated by Gaiman. Before I dive into the complexity of its approached themes and the vastness of this fictional universe, I'd like to talk about the general quality of the text. If compared to the ambitious tone of “Sandman”, every other work by Gaiman I read before these comics was just the tip of the iceberg.

Each 24-page (approximately) chapter contained in the series's 13 volumes is filled with fantasy and magic, with a fascinating world-building that gains life in the page. Each event portrayed in the pages captures the viewer's attention, resulting in an extremely addictive read, filled with plot twists, and always containing a cliffhanger at the end of every continuous issue, which I thought it was amazing. The series rightfully earned its honorable place as one of the only graphic novels to be on the New York Times's Bestsellers list.

In theory, “Sandman” is a story about stories, so several stories (both real and fictional) are told or retold here, relying on the presence of characters from the Bible (Cain, Abel, Eve and Lucifer), figures from Greek and Norse mythology (Odin, Thor, Loki, the Muses and the tragedy of Orpheus and Eurydice), iconic personalities such as William Shakespeare and fictional characters from the DC Universe, such as the Justice League in order to complement the main plot and make the already vast cast of characters even bigger. And the most interesting thing about this huge number of characters is that none of them appears only one single time. Throughout the main plot, we revisit these characters multiple times, to see how they evolved (or not), and some of them even have a more central role in certain volumes.

Another really curious aspect I enjoyed in “Sandman” was the tone. Sure, the main genre here is indeed fantasy, but Gaiman displays a relentless flexibility as a writer when successfully leading his story into genres that are drastically different from fantasy, such as horror, drama, tragedy, romance and mystery. And, even with this eclectic tone with the several genres, Gaiman manages to maintain an uniformly dark tone throughout the series. I'll already leave a warning here that “The Sandman” is something that's strictly directed towards adults, containing a generous quantity of sex and explicit nudity and an even bigger portion of graphic violence. But, fortunately, the author uses all these devices to his favor, to say something about the characters, instead of just distributing them gratuitously, just to attract controversy.

One of the best things I've realized when reading “Sandman” is how every volume, at the same time, is a self-contained story and a complement to a universe that's constantly expanding. Each narrative storyline in all 13 volumes has a very well defined beginning, middle and ending, in a way that no volume ends with a suspense or a cliffhanger to the next one. The reader can freely stop reading at any volume they finished last, but they will be missing some seriously great stories due to that decision. And while we're on the volumes, Gaiman constantly and successfully transitions between essentially continuous storylines, where every chapter is a direct sequel to the previous one, and anthologies, where every issue tells a story that's different from the previous one.

The author does a great job in trying to individualize certain issues, in a way you are able to fully comprehend them on their own. There's a particular issue in the second half of the first volume that is set during 24 hours in a 24-hour diner. It's a terrifying, animal-like exploration of human nature and it is, by far, one of the scariest things I've ever read. The series's protagonist barely makes an appearance, and the best thing is we don't even miss him, due to the efficiency of Gaiman's text. I, particularly, can't wait to see how Netflix adapts this issue, but meanwhile, there's a spectacularly well-made fanfilm that will quench my thirst until then (you can watch it here: https://www.youtube.com/watch?v=5kIP70LAIBI).

But perhaps, what ends up being Gaiman's greatest strength when elaborating the plot for “Sandman” is the way the author blends reality with fantasy. Fantastic aspects enter the real world and vice-versa, and it's such an organic mix that it's almost impossible to tell them apart. This allows, even if it's essentially a fantasy work of the highest quality, “Sandman” to become a deeply human story. There's a particular volume that uses fantastical aspects to deal with serious and relevant themes for today's time, which could be even considered taboo at its time of release.

And, speaking of themes, I loved how Gaiman worked with the theme of change, specially when developing his protagonist. Unlike many of the Endless, Morpheus doesn't change in almost any aspect. Whether it's in his appearance or the way he talks to people, he stands firmly by his preconceptions, but certain moments force him into changing his attitude, and Gaiman does a great job in dealing with those changes from the protagonist's relationship with those around him. There's a quote in one of my favorite episodes of “Doctor Who” that perfectly fits with the Endless: “We all change, when you think about it. We're all different people all through our lives. And that's okay, that's good, you got to keep moving, as long as you remember all the people that you used to be.”

The last thing I'd like to highlight about the text is its continuity, which is flawless. References to previous volumes, appearances by familiar characters, plots focused on secondary characters who gain a more central role in a particular storyline, open questions that are dealt with and answered in posterior volumes. Gaiman leaves no plot hole or unanswered question in the story of “Sandman”, resulting in a complete and extremely satisfying read that will keep the reader's attention until the very last page.)

Como dito anteriormente, há um enorme elenco de personagens em “Sandman”, então vamos começar pelos protagonistas, os Perpétuos (Sonho, Morte, Desejo, Desespero, Destino, Delírio e Destruição). Todos eles são muito bem desenvolvidos, inclusive a partir das relações que eles têm uns com os outros. O Sonho (ou Morpheus), como o protagonista, é o mais bem desenvolvido dos sete, e eu particularmente amei a relação dele com a Morte e a Delírio. Ele é um personagem muito misterioso e moralmente ambíguo, e nós, como leitores, ficamos cada vez mais fascinados com as informações que, lentamente, são reveladas sobre ele. O arco narrativo dele é fechado de maneira fantástica na conclusão do último volume.

A Morte é, de longe, a personagem mais descolada da série. Ela tem uma personalidade descontraída por fora, mas ela esconde uma faceta mais melancólica por dentro, o que eu achei sensacional. A Delírio é a Perpétua mais emocionalmente destruída, em relação aos irmãos. Sem spoilers aqui, mas há um evento em particular que engatilha uma mudança radical na personalidade da personagem. E, por mais surreal que o enredo, em sua essência, possa ser, essa motivação é enraizada em um aspecto extremamente realista da psique humana. Eu tive vontade de pegar ela e guardar num potinho, só pra mim.

A Desejo e a Desespero são meio que as “antagonistas” dos Perpétuos, e as cenas que as duas compartilham são essenciais para o decorrer da história e do desenvolvimento do protagonista. A Desejo é maliciosa, tentadora e muito inteligente, enquanto a Desespero esconde uma sensibilidade atrás da superfície ameaçadora. O Destino é o mais rígido em relação às suas responsabilidades, e é incrível ver a reação dele quando algo que ele não previa acaba acontecendo. O Destruição só tem um papel central em um volume em particular, mas a partir de pequenas aparições em capítulos anteriores, o leitor vai juntando as peças do porquê ele só aparece nos volumes posteriores.

Os personagens (humanos e fantásticos) originais da série são muito bem desenvolvidos, com muitos deles fazendo várias aparições principais ao longo da série. Há certos personagens humanos que estão conectados a outros em volumes diferentes, e é muito legal ir ligando os pontos e ver a história em geral fazendo sentido. Também há um grande uso de personagens e personalidades já estabelecidas na consciência do público. Um destaque que gostaria de fazer é a relação entre o protagonista e William Shakespeare. Há dois capítulos em particular que abordam a dinâmica entre os dois, e a relação que o protagonista tem com alguns dos trabalhos do autor, como “Sonho de uma Noite de Verão” e “A Tempestade”. Shakespeare foi só uma de várias figuras da vida real retratadas em “Sandman”, e foi o meu favorito.

(As previously stated, there is a huge cast of characters in “Sandman”, so let's start with the protagonists, the Endless (Dream, Death, Desire, Despair, Destiny, Delirium and Destruction). All of them are very well developed, especially when it comes to their relationships with each other. Dream (or Morpheus), as the protagonist, is the most well developed of the seven, and I particularly loved his relationship with Death and Delirium. He's a very mysterious, morally ambiguous character, and we, as readers, become more and more fascinated at every bit of information that we slowly learn about him. His narrative arc is closed in a fantastic way in the last volume's conclusion.

Death is, by far, the coolest character in the series. She has an uncompromising personality on the outside, yet she conceals a more melancholic side to her inside, and I thought that was outstanding. Delirium is the most emotionally crushed Endless, if compared to her siblings. No spoilers here, but there's a particular event that triggers a radical change in the character's personality. And, as surreal as the plot, in its essence, may be, that motivation is rooted in an extremely realistic aspect of the human psyche. I wanted to take her and keep her in a nice little pot, just for me.

Desire and Despair are kind of the “antagonists” of the Endless, and the scenes they share are essential for the story and the protagonist's development. Desire is malicious, tempting and very clever, while Despair hides a sensibility behind her threatening surface. Destiny is the one that's most strict with his responsibilities, and it's amazing to see his reaction when something he didn't predict actually happened. Destruction only has a central role in a particular volume, but from small appearances in previous chapters, the reader puts the pieces together on why he only appears in posterior volumes.

The series' (human and fantastical) original characters are very well developed, with many of them making several appearances throughout the series. There are certain human characters who are connected to others in previous volumes, and it's really nice to connect the dots and to see the story, in general, making sense. There's also a great use of characters and personalities already established in the reader's consciousness. One highlight I'd like to make is the relationship between the protagonist and William Shakespeare. There are two particular chapters that deal with their dynamic, and the protagonist's connection with some of the author's work, such as “A Midsummer's Night Dream” and “The Tempest”. Shakespeare was only one of several real-life figures portrayed in “Sandman”, and was, by far, my favorite.)

E, por último, temos o aspecto que diferencia as histórias em quadrinhos de um livro em prosa: o visual de “Sandman”. Como dito anteriormente, há uma construção de mundo fascinante aqui. A arte no visual dos cenários fantásticos é surreal, da melhor maneira. Mas talvez, o visual se destaca ainda mais quando aspectos fantásticos se encontram no mundo real. Isso acaba por dar um tom mais sombrio e ameaçador para o que está sendo mostrado na página, especialmente quando tais cenas incluem a violência brutal pela qual a série é conhecida. Há algumas partes aqui que me deixaram bastante curioso para ver como a Netflix irá trazê-las para a tela.

Gostei de como o visual foi utilizado para injetar personalidade nos personagens. Cada Perpétuo tem seu próprio balão de falas particular (ex.: o do Sonho é preto com letras brancas, o da Delírio é colorido e assimétrico, e por aí vai) e seu reino particular, que diz muito sobre cada um deles. Enquanto o reino da Delírio é uma imensidão surreal sem fim, o da Desejo é um ser humano com o coração como centro, o da Desespero é uma série de retratos de pessoas desesperadas, o do Destino é um labirinto, entre outros. Mal posso esperar para ver esses cenários na adaptação!

Assim como Gaiman demonstrou uma flexibilidade incrível ao transitar a trama da série entre vários gêneros e subgêneros, os artistas de “Sandman” fazem um trabalho maravilhoso de trabalhar os diferentes estilos artísticos e estéticos de se fazer uma história em quadrinhos. A maioria das histórias segue o padrão de vários quadros em uma só página, já alguns possuem páginas que o leitor pode abrir em duas para acompanhar o decorrer da história. Há um contraste bem interessante na direção das letras, que nem sempre é da esquerda para a direita. E, por último, há uma diversidade no formato das histórias. Há aquele formato clássico que se espera de uma HQ, mas também há alguns mais abstratos, que dão mais prioridade ao visual do que ao narrativo, o que eu achei fascinante.

(And, at last, we have the aspect that tells comic book stories apart from a book in prose: the visuals of “Sandman”. As previously stated, there's a fascinating amount of world-building here. The art in the visuals of the fantasy scenarios is surreal, in the best way. But perhaps, the visuals stand out even better when fantastic aspects find themselves in the real world. This ends up giving a darker, more ominous tone to what's being shown on the page, especially when such scenes include the brutal violence for which the series is known. There are some parts here that left me pretty curious to see how Netflix will bring them to the screen.

I enjoyed how the visuals were used to inject personality into the characters. Each one of the Endless has their own particular speech balloon (ex.: Dream's is black with white lettering, Delirium's is colorful and asymmetrical, and it goes further) and also their particular kingdom, which ends up saying a lot about each of them. While Delirium's real is an endless surreal vast, Desire's is a human being with its heart as its center, Despair's a series of portraits of desperate people, Destiny's a maze, and so on. I can't wait to see how these scenarios will look like in the adaptation.

Just like Gaiman demonstrated an incredible flexibility when transitioning the series's plot between several genres and subgenres, the artists of “Sandman” do a wonderful job of working with the different artistic and aesthetic styles of making a comic book story. Most stories follow the pattern of several frames per page, yet some have pages the reader can open into two in order to follow the story's development. There's a very interesting contrast in the direction of the lettering, which isn't always left to right. And, finally, there's a diversity when it comes to the stories' format. There's that classic format that people have come to expect from a comic book, but there are also some more abstract ones, which prioritize the visual aspect over the narrative one, and I thought that was fascinating.)

Resumindo, “Sandman” é uma obra-prima. Sendo composto de uma história ambiciosa e fascinante, habitada por um elenco extenso de personagens incrivelmente humanos e trazida à vida pelo fantástico grupo de artistas, que diversifica na maneira de fazer uma história em quadrinhos, o trabalho mais denso da carreira de Neil Gaiman é a melhor e mais rica obra literária de ficção que eu já li na vida, e é uma leitura obrigatória para quem se diz fã de quadrinhos.

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “The Sandman” is a masterpiece. Composed by an ambitious, fascinating storyline, which is inhabited by an extensive cast of incredibly human characters and brought to life by its fantastic group of artists, which diversifies in the way of making a comic book story, the most dense work in Neil Gaiman's career is the best and richest literary work of fiction I've ever read in my life, and it's mandatory reading to those who claim themselves to be comic book fans.

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)