"Apenas uma Vez": um musical que encanta pela sua simplicidade e realismo (Bilíngue)

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E aí, galerinha de cinéfilos! Aqui quem fala é o João Pedro, e nesse finalzinho das férias, assisti um filme maravilhoso, dirigido pela mesma pessoa que comandou um dos meus filmes favoritos. É de um dos meus gêneros favoritos (musical), não tem atores famosos, é totalmente independente, teve um orçamento minúsculo, mas, acima de tudo, tem uma trilha sonora fantasticamente linda. Vamos falar sobre a romântica atmosfera de “Apenas uma Vez”, de 2006, dirigido por John Carney.

(What's up, film buffs! João Pedro here, and in this very end of my summer vacation, I came across a wonderful film, directed by the same person who directed one of my favorite movies. It's part of one of my favorite movie genres (musical), it has no famous actors, it's totally independent, it had a micro budget, but, above all things, has a fantastically beautiful soundtrack. Let's talk about the romantic atmosphere of John Carney's “Once”, released in 2006.)

“Apenas uma Vez” tem um roteiro até simples, que conta a história de um cantor de rua irlandês (interpretado por Glen Hansard), que um dia, conhece uma jovem mãe tcheca (interpretada por Markéta Irglová), e eles têm uma conexão através das músicas que os dois compõem. Colocando dessa forma, parece até que vários filmes tiveram o mesmo enredo, mas o trunfo da obra de John Carney não é o enredo, e sim a sua simplicidade na execução dessa história. O filme teve apenas 150 mil dólares de orçamento, uma pechincha comparado com os filmes subsequentes de Carney, que tiveram milhões como orçamento. Foram usadas luzes naturais apenas, duas câmeras de mão, e como equipe, Carney teve amigos e conhecidos para fazer o filme.

(“Once” has a rather simple script, which tells the story of an Irish busker (played by Glen Hansard), who, one day, meets a young Czech mother (played by Markéta Irglová), and they have a connection through the songs they write. When you put it this way, it looks like several films had the same plot, but the wild card in John Carney's opus isn't the plot, but the simplicity in filming the story. It had US$150,000 as a budget, a real bargain compared to Carney's follow-ups, which had millions in their budget. There were only natural lighting, two handicams to use, and as a crew, Carney had friends and people he knew to help him make his movie.)

Se o roteiro é tão simples, as atuações e canções de Hansard e Irglová elevam o potencial de sua profundidade. Os dois formaram uma banda no ano de produção do filme (a dupla de folk The Swell Season), e a dupla de protagonistas se formou quando o diretor John Carney, membro da banda The Frames, da qual Hansard é um dos membros fundadores, convidou seu colega de banda para participar do seu filme, o que fez Hansard chamar Irglová para participar também. Como dito acima, o filme usou apenas duas câmeras de mão para ser feito, e dá pra notar a maneira primitiva, comparado com, por exemplo, Sing Street, de 2016, de se lidar com a câmera. E isso não é ruim. Isso mostra como um musical pode dar uma atmosfera crua e realista sem precisar de números musicais precisamente coreografados, o que o faz parecer com um documentário, como se a história real de Hansard e Irglová estivesse sendo contada ali, e se isso foi feito com esse propósito, foi simplesmente brilhante.

(If the script is so simple, the performances and songs by Hansard and Irglová elevate the potential of its depth. The two started a band in the year the movie was made (folk duo The Swell Season), and the pair of protagonists was formed when director John Carney, member of The Frames, a band which Hansard is one of the founding members, invited his bandmate to be in his movie, which made Hansard call Irglová to be in it too. As said above, the film used two handicams for filming, and the primitive way, compared to 2016's Sing Street, for instance, to deal with the camera can be noted. And that's not bad. It shows how a musical can have a raw, realistic atmosphere with no need of precisely coreographed musical numbers, which made it look like a documentary, as if Hansard and Irglová's true story was being told there, and if it was made with that purpose, it was simply brilliant.)

Como todo bom musical, “Apenas uma Vez” tem uma trilha sonora fantástica. Ela é composta, em sua maioria, de músicas originais escritas por Hansard e Irglová, e as cenas onde as músicas estão inseridas, especialmente as cenas de “Falling Slowly” e “When Your Mind's Made Up”, mostram uma atmosfera mais romântica do que uma cena de amor em qualquer filme de romance por aí, mesmo que a química entre os personagens de Hansard e Irglová não seja nada romântica. Essa atmosfera nas cenas musicais do filme rendeu aos dois o Oscar de Melhor Canção Original em 2008, derrotando gigantes como “Encantada”, da Disney, e “O Som do Coração”, com Freddie Highmore e Robin Williams, pela belíssima “Falling Slowly”, presente acima, responsável por chegar o mais perto possível de uma cena de amor entre os protagonistas. (Risos) A trilha sonora é, em sua maioria, bem melancólica, como conta a história de decepção amorosa entre o personagem de Hansard e sua ex-namorada, mas a química entre Hansard e Irglová impede que o filme seja deprimente, o que irá garantir um sorriso bem aberto no rosto do espectador no final do filme.

(As all good musicals do, “Once” also has a fantastic soundtrack. It is composed, in its majority, by original songs written by Hansard and Irglová, and the scenes where the songs are set, especially the “Falling Slowly” and “When Your Mind's Made Up” scenes, show a much more romantic atmosphere than a love scene in any romance movie around, even if the chemistry between the main characters isn't romantic at all. This atmosphere in the movie's musical scenes led to the pair winning the Oscar for Best Original Song in 2008, beating out giants like Disney's “Enchanted”, and “August Rush”, starring Freddie Highmore and Robin Williams, because of the beautiful “Falling Slowly”, which you can hear in the video above, responsible for coming the closest as possible to a love scene between the protagonists. (LOL) The soundtrack is, in its majority, pretty melancholic, as it tells the heartbreaking story of Hansard's character's relationship with his ex-girl, but the chemistry between Hansard and Irglová stops the film of being a letdown, ensuring that an ear-to-ear grin appears on the viewer's face as the credits roll.)

E, também como todo filme musical de sucesso (Frozen, O Rei Leão, Aladdin, etc.), “Apenas uma Vez”, em 2011, ganhou uma adaptação na Broadway, com o roteiro escrito nas mãos do premiado Enda Walsh, e contando com canções originais de Hansard e Irglová, além das presentes no filme. O musical usava um set minimalista, querendo ser fiel ao orçamento do filme que lhe deu origem, e contou com Steve Kazee (de Shameless) no papel de Hansard e Cristin Milioti (de How I Met Your Mother) no papel de Irglová. O musical rendeu 8 Tony Awards (o Oscar do teatro) em 2012, incluindo o de Melhor Musical, Melhor Ator em um Musical (Steve Kazee) e Melhor Roteiro de Musical (Enda Walsh), trazendo ainda mais reconhecimento para o filme de 2006. O musical teve uma duração de 4 anos na Broadway, encerrando as apresentações em janeiro de 2015.

(And, also as every successful movie musical (Frozen, Lion King, Aladdin, etc.), “Once”, in 2011, was adapted as a Broadway musical, with a script by the award-winning playwright Enda Walsh and original songs by Hansard and Irglová, besides the ones already in the movie. The musical used a minimalist set, wanting to stay faithful to the source movie's budget, and had Steve Kazee (Shameless) as Hansard's character, and Cristin Milioti (How I Met Your Mother) as Irglová's character. The musical ended up winning 8 Tony Awards (the theatre's Oscars) in 2012, including Best Musical, Best Actor in a Musical (Steve Kazee) and Best Book of a Musical (Enda Walsh), bringing even more recognition to the 2006 movie. The musical lasted 4 years on Broadway, ending its performances in January 2015.)

Resumindo, “Apenas uma Vez” é diferente de todo musical que eu já vi. Não tem atores famosos, ou números musicais com coreografia ensaiada, é um filme cru e realista sobre duas pessoas que compartilham sua paixão pela música, e mesmo se musicais não são o seu forte, dê à obra de John Carney uma chance, e eu garanto que vocês irão se surpreender!!

Nota: 10 de 10!!

Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Once” is different from any movie musical I've ever seen. There's no famous actors in it, or well-rehearsed dance-filled musical numbers, it is a raw, realistic film about two people who share their love for music, and even if musicals aren't your strong suit, give John Carney's work a chance, and I ensure you will be amazed!!

I give it a 10 out of 10!!

I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Ilha dos Cachorros": como Wes Anderson usa o futuro para remeter ao passado para comunicar com o presente (Bilíngue) [Leves spoilers]

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E aí, galerinha de cinéfilos! Aqui quem fala é o João Pedro! Como vocês aprenderam no meu último post, o meu diretor favorito é o Wes Anderson, e o filme que eu estive mais esperando para ver nesse ano é o novo filme em stop-motion dirigido por ele, Ilha dos Cachorros. Promovido como um filme de aventura ambientado no futuro, o filme na verdade é uma alegoria à um dos eventos mais importantes e decisivos na história do universo. Então, vamos começar a analisar a nova obra de Wes Anderson.

(What's up, film buffs! João Pedro here! As you learned from my latest post, Wes Anderson is my favorite director, and the film I've been most excited to watch this year is his new stop-motion film, Isle of Dogs. Marketed as an adventure film set in the future, it is actually, an allegory to one of the most important, decisive events in history. So, let's start analyzing Wes Anderson's new opus.)

Pra quem ainda não sabe, o filme conta a história de Atari Kobayashi (Koyu Rankin), um menino de 12 anos que é sobrinho do corrupto Prefeito Kobayashi (Kunichi Nomura), que assina um tratado que diz que todos os cachorros devem ser relocalizados para uma ilha cheia de lixo, para evitar que uma gripe canina, criada pela própria dinastia Kobayashi, se espalhe pela futurística cidade de Megasaki. Atari, então, rouba um jato em miniatura, e parte em busca do seu cachorro Spots (Liev Schreiber), começando uma aventura que irá mudar para sempre a história da cidade.

(In case you missed it, the film tells the story of Atari Kobayashi (Koyu Rankin), a 12-year-old who is nephew to the corrupt Mayor Kobayashi (Kunichi Nomura), who signs a treaty that says all dogs must be relocated to an island full of garbage, to avoid the spreading of a dog flu, created by the Kobayashi dynasty, through the futuristic Megasaki City. Atari then steals a miniature jet and leaves to find his dog Spots (Liev Schreiber), starting an adventure that will change the city's history forever.)

Começando com a crítica em si, o filme é, disparado, o melhor do ano até agora pra mim. O design dos personagens é impecável, e cada detalhe importa, sendo ainda mais rico do que a anterior obra em stop-motion de Anderson, “O Fantástico Sr. Raposo”. A narrativa é fantástica, embora tenham diálogos em japonês que não possuem tradução, mas é possível entender pelos gestos e expressões faciais dos personagens. O elenco é o mais diversificado de Wes Anderson até agora, possuindo nomes como Bryan Cranston, Edward Norton, Frances McDormand e Scarlett Johansson, mas também contando com estrelas orientais, como Kunichi Nomura, Akira Takayama e Yoko Ono (sim, a Yoko Ono). O próprio Wes disse que se inspirou em diretores como Akira Kurosawa e Hayao Miyazaki em seu novo filme e é possível captar as inspirações: pela trilha sonora, pelo tom pacífico de algumas cenas e pela riqueza de detalhes no visual do filme. O filme é um candidato certeiro à Melhor Filme de Animação nos Oscars de 2019, onde enfrentará grandes nomes, como “Os Incríveis 2” e “Detona Ralph 2”, e isso dá uma chance para que, depois de 6 indicações, o Wes finalmente possa ganhar seu Oscar. O filme também possui chances em Melhor Direção de Arte, pela impecável produção dos fantoches e dos cenários, e talvez até Melhor Roteiro Original, pela história criativa e socialmente relevante. Resumindo, Ilha dos Cachorros é um sucesso certeiro.

(Starting with the review itself, it is, without a doubt, the best film of the year for me so far. The characters' design is flawless, and every detail in it matters, being even richer than Anderson's previous stop-motion work, Fantastic Mr. Fox. The narrative is fantastic, although there are some dialogues in Japanese which there aren't any translation, but you can understand them through the characters' gestures and facial expressions. The cast is Wes's more diversified yet, with names like Bryan Cranston, Edward Norton, Frances McDormand and Scarlett Johansson, but also counting on Eastern stars, like Kunichi Nomura, Akira Takayama and Yoko Ono (yes, that Yoko Ono). Wes himself said that he got his inspirations for the film in directors like Akira Kurosawa and Hayao Miyazaki, and it's possible to get these inspirations: through the soundtrack, the peaceful tone in some scenes and through the rich details in the visuals. It is a certain nominee for Best Animated Feature in 2019's Oscars, where it will face big names, like “Incredibles 2” and “Wreck-It Ralph 2”, and there's a chance that, after 6 nominations, Wes finally gets his Oscar. It also has chances in Best Production Design, because of the flawless production of the puppets and the sets, and maybe even Best Original Screenplay, because of the creative yet socially relevant story. In a nutshell, Isle of Dogs is a certain success.)

Indo para a análise, mencionei que o filme é uma alegoria à um evento bem importante da história. Revisemos o enredo: um líder político envia uma minoria para um lugar remoto para morrerem. Conseguem bater com algo? Sim, Ilha dos Cachorros é uma alegoria à Segunda Guerra Mundial. Podem-se notar as influências: o Prefeito Kobayashi seria o equivalente ao líder nazista Adolf Hitler, os cachorros seriam os judeus e as minorias que os nazistas enviavam para os campos de concentração e o Atari seria uma espécie de Oskar Schindler, uma espécie de salvador das minorias. O filme também lida com problemas recentes, como o da imigração, remetendo às políticas do presidente Donald Trump, o que é simplesmente brilhante, como o Wes usa o futuro para remeter ao passado para mudar o presente. Sei que ficou meio confuso, mas é assim que eu sinto em relação a esse filme.

O próprio título em inglês é uma piada interna para os fãs de Wes Anderson. É o seguinte: se o título (Isle of Dogs) for falado bem rápido, seria como se tivesse saído “I Love Dogs” (Eu amo cachorros), o que leva a acreditar que o filme é uma carta de amor e uma apologia do próprio Wes aos cachorros, já que o diretor é conhecido por não deixar os companheiros caninos sobreviverem até o final de seus filmes. Descansem em paz, Buckley (Os Excêntricos Tenenbaums), Cody (A Vida Marinha com Steve Zissou) e Snoopy (Moonrise Kingdom).

(Onward to the analysis, I mentioned that the film is an allegory to an important event in history. Let's look at the plot: a political leader sends a minority to a remote place in order for them to die. Ring any bells? Yes, Isle of Dogs is an allegory to World War II. The influences can be noted: Mayor Kobayashi would be the equivalent to Nazi leader Adolf Hitler, the dogs would be the Jews and other minorities the Nazis sent to concentration camps and Atari would be some kind of Oskar Schindler, a savior of the minorities. The film also deals with recent issues, like immigration, looking back at President Donald Trump's politics, which is simply brilliant, how Wes uses the future to go back to the past in order to change the present. I know it's kind of confusing, but that's how I feel about this movie.

Its own title is an inside joke for Wes Anderson fans. Here's the deal: if Isle of Dogs is spoken really fast, it will sound like “I Love Dogs”, which leads us to believe it is a love letter and an apology from Wes himself to dogs, as he is known for not letting the canine companions survive until the end of his movies. RIP Buckley (The Royal Tenenbaums), Cody (The Life Aquatic with Steve Zissou) and Snoopy (Moonrise Kingdom).)

O filme vem sendo acusado por conter apropriação cultural e por ter o estereótipo do “salvador branco”, na pele da estudante de intercâmbio Tracy Walker (Greta Gerwig). Já que eu quero proteger o filme dessas acusações, vamos por partes:

1. É “apreciação cultural”, não apropriação: quem acompanhou o processo de criação do filme sabe que o Wes adora a cultura japonesa e queria fazer uma singela homenagem a ela com seu novo filme. Só porque o filme contém cenas de lutadores de sumo, instruções pra como fazer sushi, e uma trilha sonora composta apenas por percussão e assobios, quer dizer que o filme é um exemplo de apropriação cultural? O filme é uma HOMENAGEM, e acontece que essas partes são importantes na construção da cultura japonesa. Então, lidem com isso.
2. A Tracy não salvou ninguém: Ok, ela pode ter pego emprestado o soro que curaria a gripe do estoque da Yoko Ono, mas a estudante branca com cabelo afro loiro que usa um pijama com a bandeira dos EUA estampada não é um exemplo do “salvador branco”. Quem verdadeiramente criou o suposto soro foi o candidato oposto ao Prefeito Kobayashi, o Professor Watanabe, do Partido Científico. A Tracy pode ter sido a ponte para a cura, mas está longe de ser a verdadeira heroína do filme. O que eles poderiam ter feito era “orientalizar” a Tracy, dando a ela um quimono ao invés de claramente dizer que ela é americana com um pijama da bandeira dos EUA, traços orientais, e colocando uma atriz japonesa no lugar da Greta Gerwig, o que evitaria, de uma maneira muito eficiente, essas acusações.

(The film has been accused of cultural appropriation and of possessing the stereotype of the “white savior”. As I want to protect this film from these accusations, let's go by parts:

1. It's “cultural appreciation”, not appropriation: those who accompanied the creative process of the film know that Wes loves Japanese culture and wanted to make an homage to it with his new film. Just because the film contains scenes with sumo wrestlers, instructions on how to make sushi, and a soundtrack composed by percussion and whistling, means that the film is an example of cultural appropriation? It is an HOMAGE, and it happens that those parts were important in the construction of the Japanese culture. So, deal with it.
2. Tracy didn't save anyone: Ok, she might have gotten the serum that would cure the Dog Flu from Yoko Ono's stock, but the white student with a blonde afro and pajamas with the USA flag on it is not an example of the “white savior”. Who truly created the serum was the candidate who ran against Mayor Kobayashi, Professor Watanabe, from the Science Party. Tracy might've been the bridge to the cure, but is far from being the film's true hero. What they could have done was make Tracy an Eastern character, giving her a kimono instead of clearly saying she's American by giving her pajamas with the US flag, Eastern facial features, and putting a Japanese actress instead of Greta Gerwig, which would avoid, in a very efficient way, these accusations.)

Resumindo, Ilha dos Cachorros é mais uma obra-prima vinda da pessoa excêntrica que é Wes Anderson, poderá ser o filme que renderá o Oscar para o diretor, uma singela homenagem à cultura japonesa injustamente criticada, e uma alegoria aos problemas do passado e do presente. E no ranking que fiz, o filme ficaria em terceiro lugar, após Moonrise Kingdom e O Fantástico Sr. Raposo.

Nota: 10 de 10!

Abraços e até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, Isle of Dogs is another masterpiece coming from the eccentric person that is Wes Anderson, could be the film that will give him an Oscar, an injustly criticized dazzling homage to Japanese culture, and an allegory to past and present issues. And in that ranking I made, it would be in third place, after Moonrise Kingdom and Fantastic Mr Fox.

I give it a 10 out of 10!

Hugs and see you next time,

João Pedro)

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O Fantástico Sr. Anderson: ranqueando a filmografia do diretor mais excêntrico de todos os tempos (Bilíngue) [ATUALIZADO]

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E aí, galerinha de cinéfilos! Aqui quem fala é o João Pedro! Como vocês bem sabem, eu sou muito fã dos filmes do diretor Wes Anderson. Os filmes dele são caracterizados por ter elencos de primeira linha, direções de fotografia de tirar o fôlego, design de produção em tons pastel, trilhas sonoras nostálgicas, passo acelerado, e por te dar uma vontade de ver os seus filmes de novo, porque todos são ótimos. E para celebrar o lançamento do seu novo filme, Ilha dos Cachorros, que estreará dia 19 de julho, irei fazer um ranking dos filmes desse excêntrico diretor, e irei atualizá-lo quando eu ver seu novo filme. Irei incluir aqui, dentre os curtas dele, apenas Hotel Chevalier, que serve como um prólogo para Viagem à Darjeeling. Então, vamos lá!

(What's up, film buffs! João Pedro here! As you well know, I am a huge fan of Wes Anderson's films. His movies are characterized by its A-list casts, breathtaking cinematography, pastel-colored production design, nostalgia-filled soundtracks, fast pace, and by giving you a huge will to watch them again, because they are all great. And to celebrate the release of his new film, Isle Of Dogs, I will rank the filmography of this eccentric director, and will update it when I see his new film. I will include here, among his short films, only Hotel Chevalier, which serves as a prologue to The Darjeeling Limited. So, let's go!)

10 – VIAGEM À DARJEELING (2007) (THE DARJEELING LIMITED)

Como eu falei acima, todos os filmes do Wes são bons. Viagem à Darjeeling talvez seja o mais estranho que ele já fez. Mas o filme possui muitos pontos fortes: Adrien Brody, Owen Wilson e Jason Schwartzman estão muito bem como três irmãos em conflito que não se encontram há muito tempo, é bem restrito à um ambiente, sendo que a maioria do filme se passa em um trem, a trilha sonora é fantástica, contando com uma das canções mais icônicas dentro dos filmes do Wes (“Strangers”, da banda The Kinks), a fotografia e o design de produção são excelentes. Mas devemos levar em conta que o Wes já tinha lançado sucessos como Os Excêntricos Tenenbaums e Três é Demais antes de Viagem à Darjeeling. O filme é bom, mas não chega aos pés dos filmes pelos quais o Wes foi indicado ao Oscar (Tenenbaums, Moonrise Kingdom, O Fantástico Sr. Raposo e O Grande Hotel Budapeste), por isso coloco esse em décimo lugar.

(As said above, all of Wes' films are great. The Darjeeling Limited may be his weirdest one yet. Although it has several strengths: Adrien Brody, Owen Wilson and Jason Schwartzman are very good as a conflicting trio of brothers that haven't seen each other in a long time, it is very restricted to one setting, as most of it is set in a train, the soundtrack is fantastic, with one of the most iconic song in Wes Anderson films (“Strangers”, by The Kinks), the cinematography and production design are excellent. But we should notice that Wes had already released hits like The Royal Tenenbaums and Rushmore before The Darjeeling Limited. It is good, but it doesn't reach the levels of the films which Wes was Oscar-nominated for (Tenenbaums, Moonrise Kingdom, Fantastic Mr Fox and The Grand Budapest Hotel), that's why I put this one in tenth place.)

9 – PURA ADRENALINA (1996) (BOTTLE ROCKET)

Muitos diretores fazem um tremendo sucesso com seus primeiros filmes: Quentin Tarantino, Hayao Miyazaki, Guillermo del Toro, e por aí vai. O Wes também obteve sucesso com seu primeiro filme, feito em 1996, com seus colegas de faculdade, Owen e Luke Wilson. Feito como um curta primeiramente, digamos que o Wes aqui ainda não tinha se tornado o Wes do Moonrise Kingdom. Era um Wes mais jovem, nas palavras de Dignan, interpretado por Owen Wilson, mais inocente. Feito com apenas 7 milhões de orçamento, o que é bom para um filme independente, Wes já começou grandes parcerias com seu primeiro filme, incluindo com o diretor de fotografia Robert Yeoman, que trabalhou em todos os seus filmes live-action até agora. O roteiro é deveras simples, não possuía aquele passo acelerado presente em Moonrise, Hotel Budapeste e Sr. Raposo, mas mostrava que Wes Anderson era um diretor cuja obra valia a pena acompanhar. O filme possui falas memoráveis (“'Cause I'm fucking innocent.”), um elenco pequeno, mas primoroso, composto pelos irmãos Wilson e James Caan, e um trabalho de câmera muito bem feito. Novamente digo, o filme é bom, mas como disse um pouco acima, o Wes ainda não era o Wes de seus filmes mais recentes, então por isso, nono lugar.

(A lot of directors make a huge success with their first films: Quentin Tarantino, Hayao Miyazaki, Guillermo del Toro, and so it goes. Wes also obtained success with his first film, made in 1996, with his friends from college, Owen and Luke Wilson. Primarily made as a short film, let's say Wes wasn't the Moonrise Kingdom Wes here. He was younger and, in the words of Dignan, portrayed by Owen Wilson, innocent. Made with only 7 million as budget, which is good for an indie, Wes already begun grand partnerships with his first flick, including DoP Robert Yeoman, who worked on all of his live-action films so far. The script is rather simple, it didn't possess that fast pace that Moonrise, Grand Budapest or Mr. Fox had, but it showed that Wes Anderson was a director whose work was worth following. It has memorable lines (“'Cause I'm fucking innocent.”), a small, but promising cast, composed by the Wilson brothers and James Caan, and a well-done camerawork. Saying it again, it's a good movie, but as said above, Wes still wasn't the Wes from his recent films, and because of that, ninth place.)

8 – A VIDA MARINHA COM STEVE ZISSOU (2004) (THE LIFE AQUATIC WITH STEVE ZISSOU)

Talvez o mais subestimado da filmografia de Wes Anderson, esse filme, que conta a história de um explorador que faz documentários sobre suas expedições e que deseja vingança contra uma criatura misteriosa que matou seu melhor amigo, foi o mais detonado pela crítica que o Wes já fez. Contando com um elenco fantástico (Bill Murray, Anjelica Huston, Cate Blanchett, Owen Wilson, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, e por aí vai), esse é um outro filme com uma história meio esquisita. O que me fez impulsionar esse filme para o oitavo lugar consiste em 4 coisas:

1. O Wes já estava amadurecido, tendo feito Três é Demais e Os Excêntricos Tenenbaums;
2. Tem uma carga emocional maior do que os dois filmes citados acima;
3. As criaturas aquáticas criadas para o filme, como o tubarão-jaguar, foram desenhadas por ninguém menos do que Henry Selick, responsável por O Estranho Mundo de Jack e Coraline;
4. Tem uma trilha sonora composta apenas por músicas do enigmático David Bowie, traduzidas para o PORTUGUÊS pelo Seu Jorge, que também atua no filme.

É um Moonrise Kingdom ou um Grande Hotel Budapeste? Não. Mas é inegável o fato que Steve Zissou se tornou um dos personagens mais icônicos da carreira do diretor, ficando, nesse ranking, em oitavo lugar.

(Perhaps the most underrated one in Wes's filmography, this film, which tells the story of an explorer who makes documentaries on his expeditions and who wishes to avenge his best friend, who was killed by a mysterious creature, received the least amount of positive reviews in Wes's career.

With a fantastic cast (Bill Murray, Anjelica Huston, Cate Blanchett, Owen Wilson, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, etc.), this is another film with a kind of weird story.

What made me boost this film into eighth place consists in 4 things:

1. Wes has already matured, having in his filmography hits like Rushmore and The Royal Tenenbaums;
2. It has a bigger emotional charge than the two films above;
3. The aquatic creatures made for the film, like the jaguar shark, were designed by none other than Henry Selick, director of The Nightmare Before Christmas and Coraline;
4. Its soundtrack is composed, in its entirety, by songs from the enigmatic David Bowie, translated for PORTUGUESE by Seu Jorge, who is an actor in the film as well.

Is it like Moonrise Kingdom or Grand Budapest Hotel? No. But it's undeniable that Steve Zissou is one of the most iconic characters in the director's career, placing the film, in this particular ranking, in eighth place.)

7 – HOTEL CHEVALIER (2007)

Como disse na introdução, esse é o único curta que avaliarei do Wes, pelo fato de Hotel Chevalier ser um prólogo de Viagem à Darjeeling. Esse curta de 13 minutos acompanha a estadia de um dos irmãos Whitman, Jack (Jason Schwartzman) em um hotel na França, cujo nome leva o do curta. Do nada, surge Rhett (Natalie Portman), uma ex-namorada de Jack, disposta a retomar o relacionamento. Eu simplesmente adorei esse curta, inclusive, gostei mais dele do que Viagem à Darjeeling. Não é tão cheio quanto o filme que o segue, é curto, preciso, romântico, bem escrito, bem atuado e bem dirigido. Schwartzman e Portman estão ótimos, e o curta é uma boa pedida se aparecerem algumas referências sobre a ex e sobre o hotel em “Darjeeling”. Ele tem uma fantástica direção de arte, com o amarelo dominando o cenário, e possui como trilha sonora uma música que fica na sua cabeça muito tempo depois de assistir ao curta (Where Did You Go To (My Lovely?), de Peter Sardsedt), que inclusive, está na trilha de “Darjeeling”. Contando que tanto Hotel Chevalier quanto Darjeeling são os últimos filmes antes do que eu chamo da “Trilogia de Ouro de Wes Anderson” (O Fantástico Sr Raposo, Moonrise Kingdom, e O Grande Hotel Budapeste), mas não chegam a ser melhores do que os top 5, coloco o curta em sétimo lugar.

(As said in the introduction, this is the only short film of Wes's I'll consider, as Hotel Chevalier is a prologue to The Darjeeling Limited. This 13-minute short film follows the stay of one of the Whitman brothers, Jack (Jason Schwartzman) in a hotel in France, named after the short film. Out of nowhere, Rhett (Natalie Portman), Jack's ex-girlfriend, comes in, willing to continue their relationship. I simply loved this short film, even more than I did with The Darjeeling Limited. It isn't as overstuffed as “Darjeeling”, it's short, concise, romantic, well-written, well-acted, and well-directed. Schwartzman and Portman are great together, and the short is a nice call if there are some references to the ex and the hotel in “Darjeeling”. It has an amazing art direction, with yellow dominating the set, and has, as soundtrack, a song that sticks in your head long after you've seen the short (Where Did You Go To (My Lovely?), by Peter Sardsedt), which is also in the “Darjeeling” soundtrack. Counting that Chevalier and Darjeeling were the last films before what I call the “Wes Anderson's Golden Trilogy” (Fantastic Mr. Fox, Moonrise Kingdom and The Grand Budapest Hotel), but aren't as good as the top 5, I put the short in seventh place.)

6 – OS EXCÊNTRICOS TENENBAUMS (2001) (THE ROYAL TENENBAUMS)

Chegamos ao favorito dos fãs. Sendo o primeiro filme do Wes indicado ao Oscar (Melhor Roteiro Original), Tenenbaums foi um marco na carreira do diretor. Tendo um elenco mais que estelar (Gene Hackman, Anjelica Huston, Ben Stiller, Gwyneth Paltrow, Luke Wilson, Owen Wilson, Danny Glover, Bill Murray, e por aí vai), uma trilha sonora icônica (“Hey Jude”, “Needle in the Hay”, e “Me and Julio Down By The Schoolyard”), e um roteiro pra lá de excêntrico, Tenembaums é uma obra-prima das comédias dos anos 2000, e ainda sendo o terceiro filme do Wes, três anos depois do filme que o lançou ao sucesso indie, “Três é Demais”. Tem falas memoráveis, atuações que provavelmente são algumas das melhores que os atores já fizeram, um trabalho de câmera impecável, com enquadramentos perfeitos, e um desenvolvimento rápido. O roteiro de Wes e Owen Wilson consegue misturar comédia e drama perfeitamente, com momentos que você ri alto, e também possui momentos que você chega a chorar. Sendo um dos 100 melhores filmes do século XXI, de acordo com a BBC, Os Excêntricos Tenenbaums é imperdível e inesquecível, e totalmente recomendo para aqueles que desejam uma comédia diferente.

(We're here with the fan favorite. Being Wes's first Oscar-nominated film (Best Original Screenplay), Tenenbaums was a landmark in the director's career. With a more than stellar cast (Gene Hackman, Anjelica Huston, Ben Stiller, Gwyneth Paltrow, Luke Wilson, Owen Wilson, Danny Glover, Bill Murray, and it goes further), an iconic soundtrack (“Hey Jude”, “Needle in the Hay” and “Me and Julio Down By The Schoolyard”), and one hell of an eccentric script, Tenenbaums is a masterpiece of 2000s comedy, and still being Wes's third film, three years after the film which launched him into indie success, “Rushmore”. It has memorable lines, performances which may be the actors' best ones yet, an impeccable camera work, with perfect framing, and a fast-paced development. The script written by Wes and Owen Wilson can mix comedy with drama perfectly, with laugh-out-loud moments, but also with I'm-going-to-cry moments. Being one of the 100 greatest films in the 21^st century, according to the BBC, The Royal Tenenbaums is an unforgettable must-see, and I totally recommend it to the ones who seek a different kind of comedy.)

5 – TRÊS É DEMAIS (1998) (RUSHMORE)

Foi aqui que Wes estava começando a se tornar o Wes que conhecemos agora. Rushmore começou duas parcerias atemporais com Wes: Bill Murray e Jason Schwartzman, que, de um jeito ou outro, estão presentes nos filmes seguintes dele. O filme é uma comédia de amadurecimento sobre um dramaturgo jovem, Max Fischer (Schwartzman), que estuda em uma escola prestigiada, onde ele se apaixona por uma professora do primário (Olivia Williams), que involuntariamente, também vira alvo das cantadas de Herman Blume (Murray), um homem de negócios. Começa então, um jogo de gato e rato entre Fischer e Blume pelo coração da professora. Max Fischer talvez seja o melhor personagem que o Wes já criou, não sei se é porque eu e ele temos idades similares, mas dos personagens do Wes, a minha identificação fica com uma junção de Max com Sam Shakusky, de Moonrise Kingdom. O filme é deveras tragicômico, ele meio que faz o que Tenenbaums fez tão bem, mistura comédia com um pouquinho de drama, momentos de ira, melancolia, afinal, o normal para um adolescente como Max. As atuações aqui estão fantásticas: Jason Schwartzman (em seu papel de estreia) arrasa como Max, enfrentando todos os clichês de um adolescente com hormônios à flor da pele, mas dando uma leve reviravolta nos eventos; Olivia Williams e Bill Murray também dão um show, tendo papéis melancólicos, onde você meio que sente o que o personagem está sentindo naquele momento. O elenco coadjuvante também tem tempo de mostrar o que tem, com destaque para Brian Cox, Mason Gamble e Seymour Cassel. Estreando algumas das marcas registradas de Wes Anderson, Três é Demais é um dos melhores e mais diferentes filmes sobre amadurecimento que já vi, mas ainda não chega aos pés da Trilogia de Ouro, então, quinto lugar.

(It was here that Wes was starting to become the Wes we know now. Rushmore started two timeless partnerships with Wes: Bill Murray and Jason Schwartzman, who, one way or another, are present in his following films. The film is a coming of age comedy about a young playwright, Max Fischer (Schwartzman), who studies in a prestigious school, where he falls in love with a first grade teacher (Olivia Williams), who, in an involuntary manner, also becomes a target to the wooing of Herman Blume (Murray), a businessman. That starts a cat and mouse game between Fischer and Blume for the teacher's heart. Max Fischer may be the best character Wes has ever created, I don't know if it's because we have similar ages, but of all of his characters, my identification is a junction between Max and Moonrise Kingdom's Sam Shakusky. The film is slightly tragicomic, it kinda does what Tenenbaums did so well, mixing comedy with a little bit of drama, moments of anger, melancholy, after all, the usual for an adolescent like Max. The performances here are fantastic: Jason Schwartzman (in his debut role) crushes it as Max, facing all the clichés a teen with raging hormones has to, but with a slight twist to it; Olivia Williams and Bill Murray also bring unforgettable performances, with melancholic roles, where you kinda feel what the character is feeling at that scene. The supporting cast also has time to show what they got, especially Brian Cox, Mason Gamble and Seymour Cassel. Debuting some of the trademarks of Wes Anderson, Rushmore is one of the best and most different coming of age films I've ever seen, but still not as good as the Golden Trilogy, so, fifth place.)

4 – O GRANDE HOTEL BUDAPESTE (2014) (THE GRAND BUDAPEST HOTEL)

Chegamos a um dos mais recentes filmes do Wes, já fazendo parte da sua Trilogia de Ouro. Vencedor de 4 Oscars, e indicado a 9, incluindo Melhor Filme, O Grande Hotel Budapeste é, provavelmente, o melhor exemplo de direção de arte que eu já vi. Como é um filme com camadas, vamos por partes:

1. Técnica: o trabalho de fotografia aqui é maravilhoso, e deveria ter levado o Oscar, digo o mesmo da direção de arte, que ganhou o Oscar com seus tons em pastel. É impressionante o uso do formato da tela para significar passagem de tempo (4x3 para passado, e 16x9 para presente), representando a melhor parceria do Wes com o diretor de fotografia Robert Yeoman. As maquetes do hotel são muito bem feitas, o interior tem uma decoração impecável, que até me deu vontade de me mudar pra lá (até eu descobrir que diferentes cômodos foram filmados em diferentes locações), e os doces da confeitaria Mendl's me deram aquele desejo que essa confeitaria existisse na vida real.
2. Atuações: Agora o Wes atingiu o pico de “elenco estelar”. Ralph Fiennes, Tilda Swinton, Saoirse Ronan, Adrien Brody, Jeff Goldblum, Willem Dafoe, Léa Seydoux, Bill Murray, Jason Schwartzman, Edward Norton, Owen Wilson, Jude Law, Harvey Keitel, F. Murray Abraham, Mathieu Amalric, Tom Wilkinson e o estreante Tony Revolori dão um tremendo show nas atuações, com destaque para o Ralph Fiennes, que tem um papel que deveria ter sido indicado ao Oscar como o pomposo M. Gustave H. Se você não se sentiu atraído pela história ou pelos aspectos técnicos, você definitivamente iria ficar assistindo pelo elenco. Quem não iria?
3. Roteiro e direção: Até o momento, esse foi o único filme que indicou o Wes ao top 3: Melhor Filme, Direção e Roteiro. E, sinceramente, ele deveria ter levado os 3, por ter uma história original pra contar (Birdman parece ter sido um roteiro adaptado da vida do Michael Keaton), por dirigir sua equipe de uma maneira maravilhosa, praticamente impecável, e por criar um filme que definitivamente, será discutido nos tempos que estão por vir.

Sei que pode causar um pouco de polêmica, mas essa é a MINHA OPINIÃO, e cada um tem a sua. Terminando a Trilogia de Ouro, e abrindo portas para Ilha dos Cachorros, O Grande Hotel Budapeste é uma obra-prima técnica e narrativa perfeitamente construída, e representa Wes Anderson em sua melhor forma.

(We're now in one of Wes's most recent films, already being a part of his Golden Trilogy. A 4-Oscar winner, and nominated for 9, including Best Picture, The Grand Budapest Hotel is, probably, the greatest example of art direction I've ever seen. As it's a film with layers, let's analyze it by parts:

1. Technical: the cinematography work here is wonderful, and should've taken the Oscar, same said about the art direction, which took the Oscar home with its pastel-coloured palette. It's impressive how the format of the screen is used to represent time passing by (4x3 for past, 16x9 for present), representing the best partnership between Wes and director of photography Robert Yeoman. The scale models of the hotel are really well made, the interior is well decorated, and I truly wanted to move to the hotel (until I found out that different rooms were filmed in different locations), and the sweets in the Mendl's bakery made me wish that it really existed.
2. Acting: Now, Wes has reached the pinnacle of “stellar cast”. Ralph Fiennes, Tilda Swinton, Saoirse Ronan, Adrien Brody, Jeff Goldblum, Willem Dafoe, Léa Seydoux, Bill Murray, Jason Schwartzman, Edward Norton, Owen Wilson, Jude Law, Harvey Keitel, F. Murray Abraham, Mathieu Amalric, Tom Wilkinson and debut actor Tony Revolori give one hell of a show, especially Ralph Fiennes, in a role that should've been Oscar-nominated, as the flamboyant M. Gustave H. If you didn't feel attracted by the story or the technical aspects, you definitely would've sit through just for the cast. Who wouldn't?
3. Writing and directing: Right now, Grand Budapest is the only movie that nominated Wes for the Top 3: Best Picture, Director and Screenplay. And, honestly, he should've taken all 3, for having an original story to tell (Birdman looks like an adapted screenplay based on Michael Keaton's life), for directing his team in a wonderful, practically flawless way, and for creating a film that definitely, will be discussed in times to come.

I know it will cause some controversy, but this is MY OPINION, and everyone has their own.

Closing the Golden Trilogy, and opening the doors for Isle of Dogs, The Grand Budapest Hotel is a perfectly built narrative and technical masterpiece, and it represents Wes Anderson in his best form.)

3 - ILHA DOS CACHORROS (2018) (ISLE OF DOGS)

http://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2018/07/ilha-dos-cachorros-como-wes-anderson.html

2 – O FANTÁSTICO SR. RAPOSO (2009) (FANTASTIC MR. FOX)

Começando a Trilogia, temos o filme que é, até o momento, o único que não é original. O Fantástico Sr. Raposo é baseado no livro de Roald Dahl, responsável por Matilda e A Fantástica Fábrica de Chocolate, e conta a história de uma raposa, que, para sustentar sua família, rouba suprimentos e alimentos de um trio de fazendeiros. O que ele não esperava é que os fazendeiros iriam se voltar contra ele. Sendo o primeiro filme de animação do Wes, e o stop-motion não poderia ser uma escolha melhor, aqui foi onde a marca registrada do passo rápido mais se consolidou, pois o filme possui apenas 1h26min de duração, e como meu pai diz, é preciso de várias assistidas para entender o filme por inteiro, ou ver o filme em uma velocidade menor do que o normal, porque passa bem mais rápido do que os filmes live-action do Wes. No elenco, temos pessoas que já estão familiarizadas com o Wes (Jason Schwartzman e Bill Murray, o próprio Wes faz um personagem no filme), com a verdadeira realeza de Hollywood, com George Clooney e Meryl Streep como o Sr. e Sra. Raposo, e eles mandam muito bem. O roteiro é uma maravilha à parte. Sabemos que não é original, mas o Wes trabalha muito bem o material fonte, dando uma nova cara a ele. O filme começa uma nova parceria com o Wes: o compositor Alexandre Desplat, que, inclusive, venceu o Oscar de Melhor Trilha Original por O Grande Hotel Budapeste, fez as trilhas dos filmes da Trilogia e do vindouro Ilha dos Cachorros. Temos aqui um novo diretor de fotografia também, Tristan Oliver, que faz um trabalho lindo demais com o visual do filme, rendendo vários frames dignos de serem papéis de parede, e eu mal posso esperar pra ver o trabalho dele em Ilha dos Cachorros.

Pode-se dizer que o filme é uma das criações mais poéticas do Wes, como o filme é uma análise do comportamento dos animais, particularmente os selvagens, e o filme poderia ter sido feito com personagens humanos e ainda ter dado um efeito, pois seria uma análise de o quão longe um homem iria pra sustentar sua família. O filme possui uma das cenas mais poéticas do cinema que já vi, fica bem pertinho do final, e acho que se você ver, você vai saber qual.

Sendo, provavelmente, um dos melhores filmes de animação que eu já vi, se não o melhor, O Fantástico Sr. Raposo é um filme tecnicamente perfeito, narrativamente cativante e, de fato, fantástico, e totalmente disposto a ser assistido repetidas vezes.

(Starting off the Trilogy, we have the film which is, at the moment, the only one which isn't original. Fantastic Mr. Fox is based on the book written by Roald Dahl, responsible for Matilda and Charlie and The Chocolate Factory, and tells the story of a fox who, in order to sustain his family, steals supplies and food from a trio of farmers. What he didn't expect is that the farmers were going to turn on him. As Wes's first animated film, and stop-motion couldn't be a better choice, it was here that the fast pace trademark was consolidated, as the film is only 1 hour and 26 minutes long, and as my dad says, you need to watch it several times to get it by whole, or watch it in a slower speed than usual, because it goes a lot faster than Wes's live-action films. In the cast, we have people who are already familiar with Wes's work (Jason Schwartzman and Bill Murray, Wes himself voices a character), with real Hollywood royalty, with George Clooney and Meryl Streep as Mr. and Mrs. Fox, and they crush it. The script is a particular wonder. We know it's not original, but Wes works with the book really well, giving it a new identity. The film starts off a new partnership: composer Alexandre Desplat, who won the Oscar for Best Original Score for The Grand Budapest Hotel, scored all of the Trilogy and Isle of Dogs. We have a new director of photography as well, Tristan Oliver, who does a marvelous work with the movie's visuals, and I can't wait to see his work on Isle of Dogs.

It can be said that the film is one of Wes's more poetic works, as it analyzes the behavior of animals, especially wild ones, and it could be easily made with human characters, and still have some effect, as it would be an analysis on how far a man would go to sustain his family. It has one of the most poetic scenes in cinema history for me, it's pretty close to the ending, and I think you'll notice if you watch.

Being, probably, one of the best animated films I've ever seen, if not the best, Fantastic Mr. Fox is a technically perfect, narratively captivating, and, indeed, fantastic film, totally willing to be watched several times.)

1 – MOONRISE KINGDOM (2012)

Vocês esperavam outra coisa? Eu não. (Risos) Quem me conhece sabe que eu AMO Moonrise Kingdom, e considero ele como não só o melhor filme do Wes, mas também como o melhor filme de todos os tempos. Pode ser difícil de entender para vocês, mas por isso, vamos analisar o filme por camadas, me imaginando com 12 anos, na primeira vez que eu assisti:

1. Identificação com personagens principais: Eu disse no “Três é Demais” que minha identificação com um personagem do Wes incluiria o escoteiro Sam Shakusky. Por quê? Pra começar, nós tinhamos a mesma idade. Isso foi primordial pra identificação. Somos românticos, aventureiros, dispostos a fazer qualquer coisa para que tenhamos o amor verdadeiro que tanto merecemos (mas no caso do Sam, ele foi um pouquinho longe demais... kkkkkkk). E agora, temos outra coisa em comum: ambos temos óculos. Pode parecer meio estúpido, mas sim, isso foi um dos motivos.
2. A história: Caso você não saiba, Moonrise Kingdom se passa na década de 1960 e conta a história de dois adolescentes de 12 anos, Sam Shakusky e Suzy Bishop, apaixonados, que fogem de seus respectivos lares para não sofrer as angústias que os adultos passam. O roteiro, inclusive foi indicado ao Oscar, e a história realmente me atraiu quando estava sentado na sala de cinema, vendo o filme, com seus momentos felizes, engraçados, agridoces, tristes, e aquele final super-ultra-mega maravilhoso, cuja trilha sonora vai ficar tocando na minha cabeça toda vez que eu pensar nele (Benjamin Britten é TOP!!).
3. O elenco: Outro elenco massa em filmes do Wes. Bill Murray, Edward Norton, Frances McDormand, Jason Schwartzman, Tilda Swinton, Bruce Willis, e por aí vai. Mas quem rouba a cena é o elenco mirim, encabeçado por Jared Gilman e Kara Hayward, e pelo futuro indicado a Melhor Ator Coadjuvante Lucas Hedges. Por isso, esse é o filme do Wes com o qual eu mais me identifico, pois se concentra mais no elenco infantil do que no adulto, e eu, tanto com 12 quanto com 18 anos, adorei isso.
4. As locações: No meu ponto de vista, cada locação de Moonrise Kingdom (o farol de Nova Penzance, a igreja onde é ambientada a peça, o próprio Reino do Nascer da Lua, o acampamento Ivanhoe, o Fort Lebanon) renderia um cartão-postal, e eu teria o enorme prazer de comprar cada um deles. Outra coisa maravilhosa sobre os filmes do Wes é que tudo que ele faz parece com a realidade, especialmente Tenenbaums, Três é Demais e Moonrise Kingdom.

Resumindo, Moonrise Kingdom é, pra mim, até agora, o melhor filme que o Wes Anderson já fez, e mesmo com Ilha dos Cachorros chegando, acho difícil tirar ele da primeira posição (Risos).

(Did you guys expect something else? Not me. (LOL) Who knows me knows how much I LOVE Moonrise Kingdom, and I consider it to be not only Wes Anderson's greatest film, but also the greatest film of all time. It might be hard to understand for you guys, but, let's analyze the film by layers, picturing a 12-year-old me, when I first watched it:

1. Identification with main characters: As I said in “Rushmore”, my identification with a Wes character would include scout Sam Shakusky. Why? For starters, we had the same age. This was a main thing for me to identify with him. We're both romantic, adventurous, willing to do anything to get the true love we deserve (but in Sam's case, he went a little too far... hahahahahaha). And now, we have another thing in common: we both have glasses. It may seem stupid, but yeah, that was one of the reasons.
2. The story: In case you don't know, Moonrise Kingdom is set in the 60s and tells the story of two 12-year-olds, Sam Shakusky and Suzy Bishop, in love, who run away from their respective homes to avoid suffering the anguishes of adult life. The script was even Oscar-nominated, and the story really attracted me, as I sat down, and watched its happy, funny, bittersweet moments and that super-mega-power terrific ending, and the soundtrack of it will keep playing in my head everytime I think about the ending. (Benjamin Britten, you're the BOSS!)
3. The cast: Another superb cast in Wes's films. Bill Murray, Edward Norton, Frances McDormand, Jason Schwartzman, Tilda Swinton, Bruce Willis, and it goes further. But who really steals the show is the younger cast, headed by Jared Gilman, Kara Hayward and future Best Supporting Actor nominee Lucas Hedges. That's why this is the Wes Anderson movie I most identify with, because it cares more about its youngsters than its elders, and I, being 12 or 18, loved that.
4. The locations: In my point of view, every location in Moonrise Kingdom (the New Penzance lighthouse, the church where the play is set, Moonrise Kingdom itself, Camp Ivanhoe, Fort Lebanon) would be worthy of a postcard, and I would gladly buy every single one of them. Another wonderful thing about Wes's films is that everything he does looks so astonishingly real, especially Tenenbaums, Rushmore and Moonrise Kingdom.

In a nutshell, Moonrise Kingdom is, for me, so far, the best movie Wes Anderson ever made, and, even with Isle of Dogs on its way, I think it's hard to take it out of the first place. (LOL).)

Bom, é isso, pessoal! Espero que vocês tenham gostado de saber um pouco mais sobre os filmes desse diretor que eu tanto admiro!! Se vocês gostam de Wes Anderson, criei uma página no Facebook dedicada à apreciar o trabalho dele, o nome é O Excêntrico Mundo de Wes Anderson e o link é esse: https://www.facebook.com/oexcentricomundodewes/

Até a próxima,

João Pedro

(Well, that's it, guys! I hope you loved to know more about the filmography of this director I admire! If you like Wes Anderson, I created a page on Facebook dedicated to appreciate his work! Here's the link: https://www.facebook.com/oexcentricomundodewes/

See you next time,

João Pedro)

IMO: "IT: A Coisa": uma obra-prima aberta à interpretações [SPOILERS] (Bilíngue)

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(And don't forget to like the blog's Facebook page:)

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E aí, galerinha de cinéfilos! Aqui quem fala é o João Pedro, me desculpem pela demora! Acho que a maioria de vocês já viu, ou pelo menos, ouviu falar de “It: A Coisa”. Sim, aquele filme onde um palhaço metamorfo aterroriza um grupo de adolescentes. Provavelmente, foi uma das melhores adaptações de Stephen King que eu já vi, e o melhor “filme de terror” também. Então, começando esse novo bloco no meu blog, vamos às razões de porque “It: A Coisa” é o melhor “filme de terror” de todos os tempos! Só avisando, esse post será cheio de SPOILERS, então se você nunca viu “It”, veja o filme antes e depois leia esse post. Se não, leia por sua própria conta e risco!

(What's up, film buffs! JP here, apologizing for the delay! I think that most of you have already seen or heard about “It”. Yes, that movie where the shape-shifting clown terrifies a bunch of teens. It is probably one of the best Stephen King adaptations I've ever seen, and also the best “horror film”. So, starting this brand-new block on the blog, let's go to the reasons of why “It” is the best “horror film” of all time! Just a slight warning: this post is going to be filled with SPOILERS, so if you have never seen “It”, watch the movie first and then read this post. If not, read at your own risk!)

Vamos começar com uma declaração polêmica: “IT: A COISA” NÃO É UM FILME DE TERROR! Por isso coloquei as aspas na introdução. Por incrível que pareça, o filme, na verdade, é um drama de amadurecimento com elementos de terror, que se concentra em desenvolver a amizade e camaradagem dos protagonistas, assim como seus demônios interiores, do que mostrar um palhaço assassino comedor de crianças. Claro, o filme tem seus momentos assustadores, como a infame cena de abertura do bueiro, mas mesmo com o Pennywise, o filme não deixa de ser uma versão de “Conta Comigo” (outra brilhante adaptação de Stephen King) com elementos do gênero de terror. Tanto que todas as cenas assustadoras exibidas nos trailers são, praticamente, a quantidade de terror que o filme passa em suas duas horas e quinze minutos de duração. Então, resumindo, mesmo se o marketing promovia “It: A Coisa” como um filme de terror, o filme é um drama sobre amadurecimento.

(Let's start with a controversial declaration: “IT” IS NOT A HORROR FILM! That's why I put the quotations in the intro. As hard as it may seem, the film is, actually, a coming-of-age drama with elements from the horror genre, which focuses on developing the friendship and camaraderie of the main characters, and their inner demons, than showing a kid-eating killer clown. Sure, the film has its scary scenes, like the infamous opening sewer scene, but even with Pennywise, the film never ceases to be a horror-spiced version of “Stand By Me” (another brilliant King adaptation). Also, all the scary scenes shown in the trailers are, basically, the exact quantity of horror that the movie transmits in its 2-hour-and-15-minute running time. So, in a nutshell, even if the marketing campaign promoted “It” as a horror film, it is a coming-of-age drama.)

E é por isso que esse filme é tão brilhante. Sendo um drama sobre amadurecimento, acima de tudo, ele se importa com os personagens antes de assustá-los com o Pennywise. A escolha do diretor certo foi primordial nessa questão. E o Andy Muschietti, que fez uma coisa parecida (importar antes de assustar) no seu filme de estreia “Mama”, comandou a adaptação com maestria, transmitindo exatamente a mesma coisa que fez de “Mama” um sucesso. Uma forma de captar isso é que demora bastante para o Pennywise aparecer da cena do bueiro para a morte de Patrick Hockstetter, o que dá tempo para desenvolver os terrores reais dos protagonistas, principalmente o bullying agressivo que eles sofrem pelas mãos de Henry Bowers e sua gangue e Gretta e seu grupo, que atormentam Beverly no início do filme.

(And that's why this movie is so brilliant. Being, above all things, a coming-of-age drama, it cares about the characters before scaring them with Pennywise. The right director was a primordial choice in this question. And Andy Muschietti, who did something similar (caring before scaring) in his debut movie “Mama”, headlined the adaptation wonderfully, transmitting exactly the same material that made “Mama” a hit. A way to notice that is that it takes long for Pennywise to appear from the sewer scene to Patrick Hockstetter's death, long enough to develop the real horrors that the main characters face, mainly the agressive bullying they suffer by the hands of Henry Bowers and his gang and Gretta and her group, who torment Beverly in the beginning of the film.)

Já que estamos falando de terrores reais, vamos para outra declaração polêmica: As cenas que causam mais angústia são aquelas onde os personagens estão sendo atormentados por coisas ou pessoas reais, não onde eles são atormentados pelo Pennywise. Se alguém falar pra mim que não se sentiu preocupado com o Ben quando o Henry CORTOU UM “H” GIGANTE NA BARRIGA DELE, ou morreu de medo do Henry quando ele ASSASSINOU O PAI DELE A SANGUE-FRIO, ou quando o pai da Beverly quase a ESTUPROU, eu simplesmente falarei “Vocês estão mentindo.”.

Claro, o Pennywise tem suas encarnações que assustam bem mais do que o palhaço (o Leproso, e a Mulher da Pintura), mas sério, o Pennywise não assusta ou causa angústia alguma no espectador perto dos perigos do mundo real que os personagens enfrentaram no filme. De novo, essa é minha opinião, e estou vendo o filme como um drama sobre amadurecimento. Você pode concordar, ou discordar comigo, sem nenhum problema.

(Talking about real horrors, let's go to another controversial declaration: The scenes that cause more anguish to the viewer are those where the characters are being tormented by real things or people, not where they're tormented by Pennywise. If anyone says to me that they didn't feel worried for Ben when Henry CARVED A GIGANTIC “H” ON HIS BELLY, or got scared to hell of Henry when he MURDERED HIS FATHER IN COLD BLOOD, or when Beverly's dad almost RAPED her, I will simply say “You are lying.”. Sure, Pennywise has its incarnations which brings even more chills than the clown (the Leper, and the Woman in the Painting), but really, Pennywise doesn't scare or cause any anguish in the viewer near the real-world dangers that the characters faced in the film. Again, this is my opinion, watching the movie as a coming-of-age drama. You can agree or disagree with me, no problem.)

Eu não sei se fui só eu que percebi, mas o Pennywise fica menos assustador a cada vez que ele aparece. Mas acho que isso tem uma razão para acontecer. “It: A Coisa” é uma história de superação dos medos de uma pessoa, e fala sobre a importância da coragem e a força da amizade verdadeira. Então, a cada medida que o Pennywise aparece no filme, os protagonistas estão cada vez mais perto de superar seus medos, tanto que no final, eles metem a porrada no Pennywise sem piedade, mesmo com ele incorporando os maiores medos que eles tinham (Bill = medo de o Georgie estar morto; Mike = medo de viver com a culpa de não ter salvado seus pais; Richie = medo de palhaços; Stan = medo da mulher da pintura; Eddie = medo de doenças; Beverly = medo do pai dela; Ben = medo de múmias e do passado de Derry), ou seja, eles não têm mais medo do que aterrorizava eles no começo do filme. Se isso for verdade, foi uma jogada brilhante dos roteiristas e dos diretores de fotografia!

(I don't know if I was the only one who noticed this, but Pennywise gets less scary each time he appears. But I think that has a reason to happen. “It” is a story about overcoming one's fears, and talks about the importance of bravery and the strength of true friendship. So, each time Pennywise appears to the Losers in the film, they are one step closer to overcoming their fears, because in the end, they beat the crap out of Pennywise, with him shape-shifting into their biggest fears at the time (Bill = scared of Georgie being dead; Mike = scared of living with the guilt of not saving his parents; Richie = scared of clowns; Stan = scared of the woman in the painting; Eddie = scared of diseases; Beverly = scared of her dad; Ben = scared of mummies and Derry's past), meaning, they aren't scared of what terrified them at the beginning of the film anymore. If that's true, it was a brilliant move by the screenwriters and directors of photography!)

E, para finalizar essa análise-teoria da conspiração, percebi quando (re)vi o filme ontem, que, se olharmos pelo ponto de vista de Bill, podemos ver que ele pode estar enfrentando as 5 etapas do luto de Elisabeth Kubler-Ross, mesmo que não seja na ordem cronológica no filme. Elas são:

1. Negação (Bill, até atirar em um Pennywise fantasiado de Georgie, sempre negou que seu irmãozinho estava morto, chegando até a construir um equipamento feito de tubos de hamster para explicar o percurso de Georgie pelo esgoto)
2. Raiva (Ao ouvir Richie dizer que Georgie estava morto, Bill dá um soco na cara dele, ainda acreditando que ele estava apenas desaparecido)
3. Barganha (O que chegaria mais perto disso seria quando o Bill encontra o “Georgie” tanto no porão quanto no esgoto, quando o “Georgie” tenta convencer o Bill que ele realmente é o irmãozinho desaparecido)
4. Depressão (Uma representação dessa parte seria o discurso do Bill para levar os outros à entrar na casa da rua Neibolt, para encontrar seu irmão supostamente desaparecido; outra parte seria quando o Bill estava sozinho na cozinha, comendo cereal e olhando em direção à uma fotografia de Georgie)
5. Aceitação (Depois do embate final contra o Palhaço Dançarino, Bill encontra a capa de chuva que Georgie vestia quando encontrou Pennywise no bueiro, e, sendo confortado pelos seus amigos, chora, aceitando que seu irmão morreu.)

Pois é, seria isso, eu acho. Então, da próxima vez que você ver “It: A Coisa”, uma obra-prima aberta a interpretações, como vocês podem ver (risos), tente ver sob esses pontos de vista. É simplesmente revigorante como um filme feito para as massas possa ter vários significados ocultos. E é por isso que eu adoro “It: A Coisa”!

Abraços quentinhos para todos vocês,

João Pedro

(And, to close this analysis-conspiracy theory, I noticed when (re)watching the film last night that, if we look through Bill's point of view, we can see that he might have been facing Elisabeth Kubler-Ross' 5 stages of grief throughout the film, even if it's not in chronological order. And they are:

1. Denial (Bill, until he shot Pennywise disguised as Georgie, always denied that his little brother was dead, getting to the point of building an equipment made of hamster tubes to describe Georgie's journey through the sewers)
2. Anger (By hearing Richie say that Georgie was dead, Bill punches him in the face, still believing that he was just missing)
3. Bargain (What would come the closest to that would be Bill's encounters with “Georgie” both in the basement and in the sewers, when “Georgie” tries to convince Bill that he's really his missing brother)
4. Depression (A representation of this part would be Bill's speech to lead the others to enter the house on Neibolt St. with him, in order to find his missing brother; other part would be when Bill was sitting alone in the kitchen, eating cereal and looking towards a picture of Georgie)
5. Acceptance (After the final showdown against the Dancing Clown, Bill finds the raincoat Georgie was wearing when he found Pennywise in the sewers, and, being conforted by his friends, he cries, accepting that his brother is gone.)

Yeah, that would be it, I guess. So, the next time you see “It”, a masterpiece open to interpretations, as you can see (LOL), try to see it under these points of view. It's simply reinvigorating how a movie made to the big public can have several hidden meanings. And that's why I love “It”!!

Warm hugs for all of you,

João Pedro)