"The Last of Us Parte II": uma sequência mais ambiciosa, mais brutal e altamente reflexiva (Bilíngue)

E não se esqueçam de curtir e seguir o blog nas redes sociais:

(And don't forget to like and follow the blog in social medias:)

Facebook: https://www.facebook.com/NoCinemaComJoaoPedroBlog/

Twitter: @nocinemacomjp2

Instagram: @nocinemacomjp

E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para falar sobre uma das experiências mais esperadas do ano para mim. Sendo uma sequência do melhor videogame de todos os tempos (na minha opinião), o videogame em questão dobra na brutalidade da jogabilidade e na qualidade dos gráficos, enquanto conta uma história emocionalmente aterradora que lida com temas bem interessantes. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “The Last of Us Parte II”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to talk about one of my most anticipated experiences of the year. As a sequel to the greatest video game of all time (in my opinion), the game I'm about to review doubles on its gameplay's brutality and on the details of its graphics, while telling an emotionally devastating story which deals with some very interesting themes. So, without further ado, let's talk about “The Last of Us Part II”. Let's go!)

Ambientado 4 anos após os acontecimentos de “The Last of Us”, a sequência acompanha Ellie (Ashley Johnson), agora com 19 anos, que, após um evento brutal que abala toda a cidade de Jackson, parte em uma jornada para Seattle para se vingar daqueles que tiraram a paz que ela tanto desejava.

(Set 4 years after the events of “The Last of Us”, the sequel follows Ellie (Ashley Johnson), now 19 years old, who, after a brutal event terrifies the entire city of Jackson, sets off on a journey towards Seattle to seek revenge against those who kept her from the peace she desired for a long time.)

Se eu fosse dedicar algumas linhas para expressar o quanto eu estava animado para esse jogo, provavelmente, ia demorar bastante para falar do roteiro. Eu já comprei meu PS4 com o objetivo de quando essa sequência chegasse, eu pudesse jogar, e o primeiro jogo que comprei para ele foi o primeiro “The Last of Us”, justamente para me preparar para a Parte II. Eu baseei minhas expectativas somente pelo material promocional divulgado pela Sony e pela Naughty Dog, tentando evitar qualquer tipo de spoiler. Sofri em cada adiamento que esse jogo sofreu, mas quando o lançamento se consolidou no dia 19 de junho, minhas expectativas só foram aumentando. E que campanha de marketing absolutamente genial que esse jogo teve! A começar pelo trailer de anúncio lançado em 2016, que trouxe Ellie e Joel de volta para o delírio do público. Depois, veio o trailer da Paris Games Week de 2017, introduzindo novos personagens e novas ameaças, e já causando polêmicas pelo retrato da violência que seria usada no jogo. Em 2018, veio o primeiro trailer de gameplay, que mostrava alguns detalhes inéditos da jogabilidade, em meio às técnicas replicadas do primeiro game. Em 2019 e 2020, foram lançados trailers de cinemáticas que revelaram mais detalhes da trama. Mas absolutamente ninguém esperava o que os roteiristas Neil Druckmann e Halley Gross tinham planejado para o resultado final do enredo. Os trailers não cobrem nem um quarto da narrativa de “The Last of Us Parte II”, que, diga-se de passagem, é enorme. Se for levado em comparação o padrão de horas gastas para zerar os dois jogos, a Parte II levaria quatro vezes o tempo gasto para zerar o primeiro jogo. Como o jogo mais ambicioso da Naughty Dog, a narrativa da sequência de “The Last of Us” também é lotada de ambição. É uma história densa, longa, emocionante, e altamente reflexiva. Algo bem interessante que os roteiristas aplicaram no roteiro e, consequentemente, na jogabilidade é a ambiguidade moral dos personagens jogáveis. Há decisões difíceis que o jogador precisa fazer que testarão suas convicções morais, e tais decisões podem fazê-lo se sentir “sujo”, uma vez tomadas. Uma coisa que várias pessoas vêm criticando em “The Last of Us Parte II” foram algumas das escolhas que os roteiristas tiveram ao elaborar a narrativa, resultando em uma abordagem nada convencional em que não existem mocinhos e vilões. Todos os personagens, inclusive os principais, são puramente humanos, com muitas falhas, e podem sofrer consequências que qualquer pessoa poderia sofrer. Todos eles “estão no mesmo barco”. Nesse sentido, a sequência já alcançou uma profundidade até filosófica que não foi vista no primeiro jogo. A história faz um uso constante e eficiente de flashbacks que conseguem preencher as lacunas deixadas pelo jogo anterior com sucesso. Em comparação com o antecessor, “The Last of Us Parte II” é extraordinariamente mais violento, fazendo uso da violência para enfatizar a brutalidade e o senso de adrenalina e sobrevivência que permeia o universo fictício do game. Mas, assim como no game original, há alguns momentos tocantes de calma e paz para que o jogador “descanse” um pouco de tantos eventos que seriam traumatizantes na vida real. A melhor coisa que a história desse jogo faz é permitir que o jogador veja (e controle) os dois lados da moeda, pois isso o levará a perceber que não há quase nada que diferencie um lado do outro. Eu fiquei positivamente surpreso por causa desse aspecto. A trama se movimenta sem nenhuma pressa, fazendo de “The Last of Us Parte II” uma experiência para se saborear. Cada cinemática, cada canto do ambiente, cada possibilidade. É um verdadeiro presente para quem é fã de um bom jogo e de uma história bem contada. À respeito do final, eu fico dividido: ao mesmo tempo que acho que a Parte II encerrou a narrativa e os arcos dos protagonistas de forma quase perfeita, parte de mim acha que a história pode ser continuada. Talvez não por meio de um game completo, mas por meio de uma DLC, igual a do primeiro jogo (Left Behind), ou por meio de outro veículo, como os quadrinhos ou por meio de animações.

(If I dedicated some lines to fully express how excited I was for this game, it would take forever to talk about the script. I'd already bought my PS4 with the objective of playing it when it launched, and the first game I ever bought for it was the first “The Last of Us”, in order to prepare myself for Part II. I've based my expectations only on the promo material officially released by Sony and Naughty Dog, attempting to avoid every possible spoiler. I suffered with every delay that this game suffered, but when the launch date was confirmed to June 19, my expectations were only growing. And what an absolutely genius marketing campaign this game had! Starting off with the announcement trailer in 2016, which brought Ellie and Joel back to the delight of the audience. Then, came the Paris Games Week trailer in 2017, introducing new characters and threats, and already being the target of controversy for the portrayal of violence that would be used in the game. In 2018, the first gameplay trailer came out, which showed new and unexpected details in its techniques, while recycling some from its predecessor. In 2019 and 2020, cinematic trailers which showed more details on the plot were released. But absolutely no one would've expected what writers Neil Druckmann and Halley Gross had in store for the plot's final form. The trailers don't cover a fourth of the sequel's narrative, which is huge, by the way. If one compares the pattern of hours took to finish each of the two games, Part II would be 4 times longer to finish. As Naughty Dog's more ambitious game, its plot is also loaded with ambition. It's a dense, long, emotionally shattering and thought-provoking story. Something quite interesting that the writers applied to the script, and consequently, to the gameplay is the playable characters' moral ambiguity. There are hard decisions the player has to make which will test his moral convictions, and such decisions might make him feel “dirty”, once they're made. One thing most people have been criticizing in “The Last of Us Part II” are the choices the writers had while elaborating its narrative, resulting in a totally unconventional approach in which there are no good or bad guys. Every character, including the main ones, is purely human, deeply flawed, and may suffer consequences that anyone could suffer. They are all “in the same boat”. In that sense, the sequel already reached an impressive philosophical depth that wasn't seen in the original game. The story makes a constant and efficient use of flashbacks in order to fill in the gaps left in the first game successfully. In comparison with its predecessor, “The Last of Us Part II” is extraordinarily more violent, and it uses violence to enhance the brutality and the sense of adrenaline and survival that are very much present in the atmosphere of the game's fictional universe. But, just like in the original game, there are touching moments of calm and peace which lead the player to “rest” after facing events that would make people traumatized in real life. The best thing that this game's narrative does is allowing the viewer to see (and control) the two sides of the coin, as this will lead him to see that there is actually no difference between them. I was positively surprised by this aspect. The plot moves forward without any kind of rush, making “The Last of Us Part II” an experience to savor. Every cinematic, every corner of the environment, every possibility. It is a true gift for those who enjoy a good game and a story well-told. As for the ending, I am divided over it: at the same time I think Part II closed the narrative and its characters' story arcs almost perfectly, part of me thinks that the story could be continued. Maybe not through a full game, but through a DLC, like the one in the first game (Left Behind), or through another media, like comics or an animated series.)

O desenvolvimento dos personagens é feito de forma perfeita. Vemos uma performance bem mais amadurecida da Ashley Johnson como a Ellie. As técnicas avançadas de captura de movimento foram capazes de captar expressões inéditas e cada vez mais humanas no rosto dela. A raiva, o ódio, o senso animalesco de vingança que domina a personagem ao longo da narrativa. Mais uma vez, Ashley Johnson arrasou como Ellie, que encontra duas âncoras emocionais por meio de Joel, interpretado mais uma vez por Troy Baker, e Dina (introduzida no trailer de 2018), interpretada por Shannon Woodward. Os pequenos momentos que Ellie compartilha com esses dois personagens aprofundam cada vez mais o desenvolvimento da protagonista, tornando ela cada vez mais humana. O quanto menos eu falar da personagem da Laura Bailey (introduzida no trailer de 2017), melhor. Por enquanto, só direi que ela é a melhor personagem introduzida na sequência, para não entrar em território de spoiler. Bailey tem uma boa química com os personagens interpretados pelo Ian Alexander, que tem um desenvolvimento surpreendente na trama, e pela Victoria Grace. Outras performances memoráveis que aprofundam o desenvolvimento dos protagonistas e o senso de ambiguidade moral presente na história incluem as de Patrick Fugit, Ashly Burch, Stephen Chang, e o retorno de Jeffrey Pierce e Ashley Scott como Tommy e Maria. Novamente, reforço o esforço que a equipe da Naughty Dog fez para tornar os personagens de seus jogos cada vez mais humanos, seja por meio das expressões ou daquilo que eles precisam fazer para que a história siga em frente. É algo verdadeiramente impressionante.

(The development of its characters is done in a perfect way. We see a way more mature performance by Ashley Johnson as Ellie. The advanced techniques of motion capture were able to capture new and even more human expressions on her face. Her anger, her hate, her primal sense of vengeance which dominates her throughout the narrative. Once again, Ashley Johnson nails it as Ellie, who finds two emotional anchors through Joel, portrayed once again by Troy Baker, and Dina (introduced in the 2018 trailer), portrayed by Shannon Woodward. The little moments that Ellie shares with these characters give its protagonist even more depth, making her more and more human. The less I talk about Laura Bailey's character (introduced in the 2017 trailer), the better. For now, I'll just say she's the best new character introduced in the sequel, so that I don't enter into spoiler territory. Bailey has a good chemistry with the characters portrayed by Ian Alexander, who has a surprising development throughout the plot, and Victoria Grace. Other memorable performances which give the protagonists more depth and deepen the story's sense of moral ambiguity include the ones by Patrick Fugit, Ashly Burch, Stephen Chang, and the return of Jeffrey Pierce and Ashley Scott as Tommy and Maria. Again, I reinforce the effort the Naughty Dog team made to make their games's characters more and more human, through their expressions or what they need to do for the story to move forward. It's something truly impressive.)

Tecnicamente, “The Last of Us Parte II” é um jogo impecável. Só para terem uma ideia, foram 7 anos desde o lançamento do primeiro jogo no PS3 para o lançamento da sequência no PS4, e a Naughty Dog passou 6 anos desenvolvendo este jogo. E quando você vê o resultado final, claramente verá que valeu cada segundo. Assim como disse na resenha do primeiro jogo, os ambientes visitados na trama evocam uma personalidade mais sombria, com destroços para todo lado, carros abandonados, pontes que caíram pela metade; mas ao mesmo tempo, é um ambiente muito bonito de se ver, quase todo dominado pela natureza. Os ambientes exteriores são muito bem detalhados, as cidades reais retratadas no jogo são extremamente fiéis à vida real. Os avanços nas técnicas de captura de movimento são bem evidentes, tanto nos personagens humanos quanto nos temidos Infectados, que ficaram ainda mais sinistros, se comparado ao jogo original. O movimento deles ficou bem mais fluido e dinâmico. Para vocês verem o número de pessoas envolvidas em um só jogo, vejam os créditos finais. Tem cada função específica que eu nem imaginava que existia! As cinemáticas (ou, dizendo de forma bem tosca, os “filminhos”) entre as sequências de jogabilidade são absolutamente extraordinárias, ao ponto do jogador quase nem conseguir diferenciar aquilo de pessoas de verdade. A trilha sonora do Gustavo Santaolalla, mais uma vez, é simplesmente sensacional, ditando a atmosfera de cada ponto da história com maestria. Ou seja, conforme o esperado, “The Last of Us Parte II” é tecnicamente perfeito. Não tenho nada a reclamar.

(Technically, “The Last of Us Part II” is a flawless game. Just for your information, there were 7 years between the original game's release on the PS3 and the sequel's release on the PS4, and Naughty Dog spent 6 years developing this game. And when you see the final result, you'll clearly see it was worth every damn second. As I said in the review of the first game, the environments visited throughout the plot evoke a darker personality, with debris everywhere, abandoned cars, bridges torn in half; but at the same time, they're something really beautiful to behold, as it's almost entirely dominated by nature. The exterior environments are very well detailed, the real cities portrayed in the game are extremely faithful to real life. The advances in the motion capture techniques are really evident, both in the human characters and the feared Infected, who are even more sinister, if compared to the original game. Their movements are way more fluid and dynamic. For you to see the number of people involved in one single game, check out the ending credits sequence. There are some strangely specific functions that I didn't even know they existed! The cinematics (or, in a primitive way, the “movie clips”) in-between the gameplay sequences are absolutely extraordinary, to the point where the player almost can't tell the difference between that and real people. Gustavo Santaolalla's score is, once again, simply sensational, masterfully dictating the atmosphere of every point in the story. In a nutshell, as expected, “The Last of Us Part II” is technically perfect. Nothing to complain about here.)

A jogabilidade é bem mais avançada, se comparada com a do primeiro jogo. Como agora controlamos a Ellie ao invés do Joel, as sequências de combate são bem mais frenéticas, tanto que o jogador precisa prestar bastante atenção em seus movimentos, porque eles podem ajudá-lo a sobreviver. As ameaças aumentaram exponencialmente, com 3 facções humanas de inimigos, cada uma com suas particularidades; e 6 estágios de Infectados, cada um mais complicado de derrotar do que o outro. É possível dizer que é um jogo mais difícil do que o primeiro, tanto em termos de tecnologia quanto em termos de moralidade. Aí vai um exemplo sem spoilers: uma das facções de inimigos humanos faz uso de cães farejadores para rastrear os movimentos anteriores do jogador. De acordo com o diretor Neil Druckmann, é possível zerar o jogo sem machucar os coitados dos doguinhos. Infelizmente, isso foi algo que eu não consegui fazer, tanto que se o John Wick soubesse quantos cachorros eu matei nesse jogo, eu já estava morto faz tempo... (Risos) Há algumas novidades da jogabilidade que encaixam na fisicalidade que a Ellie oferece como personagem jogável, como pular, quebrar janelas, e usar cordas para subir ou descer de um lugar; assim como há algumas atualizações interessantes no arsenal de armas fabricáveis do jogo, incluindo silenciadores e munição explosiva. Assim como no primeiro jogo, senti quase toda emoção que é possível sentir ao jogar “The Last of Us Parte II”: alegria, tristeza, raiva, compaixão, adrenalina, tensão, ódio, mais raiva... (Risos) Tanto que não tenho vergonha em dizer que precisei da nobre ajuda do meu irmão (que entende BEM mais de jogos do que eu) para passar uma fase em que eu morri mais de 10 vezes tentando passar, e ele passou numa tacada só. Mas, ei, pelo menos foi uma fase a menos que eu precisei da ajuda dele, se comparado ao primeiro jogo. Assim como no game original, reforço que é importante explorar cada canto dos ambientes, para coletar suprimentos, armas escondidas e artefatos que contam mini-histórias de personagens que nem aparecem no jogo, mas que já chamam sua atenção. Como dito anteriormente, não é um jogo para os fracos ou menores de 18 anos. Além dos Infectados, há algumas partes aqui bem explícitas e chocantes, que não são gratuitas de maneira alguma. Pelo contrário, eles usam a violência para explorar a similaridade entre os dois lados da moeda de modo genial.

(The gameplay is way more advance, if compared to the original game. As we now control Ellie, instead of Joel, the combat sequences are more frenetic, and the player needs to pay attention to his moves, as they may help him survive. The threats are exponentially enhanced, with 3 different factions of human enemies, each one with their own peculiarities; and 6 stages of Infected, each one more complicated to defeat than the other. It's possible to say that it's a harder game, both technologically and morally. Here's a spoiler-free example: one of the human enemy factions uses tracking dogs to pick up the player's scent and follow his previous moves. According to director Neil Druckmann, it's possible to finish the game and not hurt the poor doggies. Unfortunately, that wasn't my case, as if John Wick found out how many dogs I killed in this game, I would already be dead... (LOL) There are some new details in the gameplay that fit the physicality that Ellie offers as a playable character, such as jumping, breaking windows, and using ropes to climb up and down places; just as there are also some interesting upgrades to the arsenal of buildable weaponry, such as silencers and explosive ammo. Just like in the first game, I felt every emotion I was capable to feel while playing “The Last of Us Part II”: happiness, sadness, anger, compassion, adrenaline, tension, hatred, more anger... (LOL) And I am not ashamed to say I required the noble help of my brother (who is a WAY better gamer than me) to pass a level in which I died over 10 times trying to overcome, and he passes it in one go. But, hey, at least it was just this once rather than two in the original game. Just like in the original game, I reinforce that it's important to explore every corner in the environment, to collect supplies, hidden weapons, and artefacts that tell mini-stories of characters that don't even appear in the game, but that already catch your attention. As previously said, it's not a game for the weak of heart or those under 18 years old. Besides the Infected, there are some explicit, shocking parts here, which aren't gratuitous at all. On the contrary, they use violence to explore the similarity between both sides of the coin brilliantly.)

Resumindo, “The Last of Us Parte II” é uma obra-prima. Com 6 anos de desenvolvimento, a Naughty Dog faz o uso de uma história densa, engajante, e emocionalmente aterradora; performances dedicadas de seu elenco; personagens muito bem desenvolvidos; tecnologias impecáveis, e uma jogabilidade frenética para explorar o ciclo da violência e suas consequências em uma sequência que se equipara ao original em todos os sentidos possíveis. Uma das melhores experiências que tive nesse ano até agora.

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “The Last of Us Part II” is a masterpiece. With 6 years of development, Naughty Dog uses a dense, engaging and emotionally shattering story; committed performances by its cast; very well developed characters; flawless technology and frenetic gameplay to explore the cycle of violence and its consequences in a sequel that lives up to its predecessor in every possible way. One of the best experiences I've had this year so far.

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

Especial Nolan - "Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge": a conclusão perfeita para a trilogia do Cavaleiro das Trevas (Bilíngue)

E não se esqueçam de curtir e seguir o blog nas redes sociais:

(And don't forget to like and follow the blog in social medias:)

Facebook: https://www.facebook.com/NoCinemaComJoaoPedroBlog/

Twitter: @nocinemacomjp2

Instagram: @nocinemacomjp

E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para dar continuidade à nossa postagem especial sobre o trabalho de Christopher Nolan. Após o revolucionário “A Origem”, Nolan retorna à Gotham City para concluir a trilogia do Cavaleiro das Trevas em um filme tenso, engajante, e com uma carga emocional surpreendentemente forte. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to continue with our special post on the work of Christopher Nolan. After the revolutionary “Inception”, Nolan returns to Gotham City to bring the Dark Knight trilogy to a close in a tense, engaging film with a surprisingly large emotional baggage. So, without further ado, let's talk about “The Dark Knight Rises”. Let's go!)

Oito anos após os acontecimentos de “Batman: O Cavaleiro das Trevas”, Gotham City se vê ameaçada mais uma vez quando um terrorista, Bane (Tom Hardy) começa a instaurar o caos na cidade. Disposto a livrar Gotham da ameaça de Bane, Bruce Wayne (Christian Bale) decide assumir mais uma vez o manto de Batman, mesmo depois de ter sido falsamente acusado de assassinar Harvey Dent.

(Eight years after the events of “The Dark Knight”, Gotham City sees itself threatened once again when a terrorist, Bane (Tom Hardy) starts installing chaos in the city. Willing to relieve Gotham of Bane's menace, Bruce Wayne (Christian Bale) decides to don the identity of the Batman once again, even after being falsely accused of murdering Harvey Dent.)

Para falar a verdade, esse é o primeiro filme da trilogia do Cavaleiro das Trevas que lembro ter visto. Como eu não tinha visto “Batman Begins” ou “Batman: O Cavaleiro das Trevas”, confesso que, na primeira vez que assisti à parte final da trilogia, fiquei um pouco perdido. Mas agora, após ter assistido aos filmes anteriores, como parte dessa postagem especial sobre o trabalho de Christopher Nolan, posso tranquilamente colocar a trilogia do Cavaleiro das Trevas na minha lista de melhores trilogias da história do cinema. Trilogias de blockbuster normalmente começam com um filme normal, com nada fora dos eixos ou das fórmulas típicas presentes nesse tipo de filme; elevam o nível com o segundo filme, que oferece algumas mudanças significativas à fórmula citada; e no terceiro filme, é onde a ambição reina em seu maior poder. É exatamente isso que acontece com essa trilogia: em “Batman Begins”, temos um filme que introduz seus personagens e atmosfera, para que, em “Batman: O Cavaleiro das Trevas”, haja uma completa reinvenção da fórmula do primeiro filme. E agora, em “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge”, temos uma conclusão ambiciosa, que fecha o ciclo começado em “Batman Begins”, e que amarra todas as pontas soltas que poderiam ter sido deixadas nos filmes anteriores. Assim como no segundo filme da trilogia, o roteiro de “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge” é escrito pelos irmãos Christopher e Jonathan Nolan, com uma história elaborada pelo diretor e por David S. Goyer, que co-roteirizou “Batman Begins”. É um roteiro bem robusto, sendo o filme mais longo da franquia, com 2 horas e 45 minutos de duração, que passam bem rápido, graças ao passo bem calculado da história. Cada momento nesse filme é tão engajante, que o espectador simplesmente não consegue tirar os olhos da tela. A primeira cena de “O Cavaleiro das Trevas Ressurge” já introduz o vilão de forma espetacular, assim como aconteceu no filme anterior com o Coringa. É um momento carregado de tensão, e já prepara o terreno para o que iremos assistir em seguida. O desenvolvimento dos personagens presentes na trilogia inteira, como Bruce Wayne, Alfred, Comissário Gordon e Lucius Fox, é feito e concluído de forma perfeita e até emocionante. Os diálogos entre o protagonista e seu mordomo são carregados de um teor emocional que não foi visto nos dois filmes anteriores. Foi algo realmente impressionante para mim. Os vilões do filme são apresentados quase que da mesma maneira que “Batman Begins” estabeleceu: isto é, um vilão leva a outro vilão, que por sua vez, leva ao chefão final, normalmente revelado através de uma reviravolta. E essa fórmula funciona de uma maneira até melhor e mais surpreendente aqui do que no filme que a estabeleceu. Eu simplesmente adorei o jeito que o Nolan trata um tema, um valor em cada filme dessa trilogia: em “Batman Begins”, há uma exploração do medo em sua forma mais pura, através de seu protagonista e um de seus vilões; em “Batman: O Cavaleiro das Trevas”, a identidade de herói é explorada através da dualidade entre o protagonista e Harvey Dent; e, em “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge”, temos uma história de superação dos medos explorados no primeiro filme, e a redenção de seu protagonista perante os eventos do segundo filme. E o melhor é que o capítulo final da trilogia não serve somente para redimir Bruce Wayne; há vários outros personagens que também encontram sua redenção ao longo da trama. E isso foi simplesmente genial, porque aí o espectador não vê o filme somente pelos olhos de seu protagonista, mas também pelos olhos de vários personagens. O final é algo bem parecido com o que “A Origem” fez, deixando-o aberto à interpretação do espectador. Resumindo, o roteiro de “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge” é ambicioso, tenso, e altamente engajante, resultando em uma história que conclui uma das melhores trilogias de filmes de forma extremamente satisfatória.

(To tell you the truth, this is the first film in the Dark Knight trilogy that I remember to have watched. As I didn't watch “Batman Begins” or “The Dark Knight”, I confess that, by the first time I watched the final part of the trilogy, I couldn't help but feel a little lost. But now, after watching the previous films, as a part of this special post on the work of Christopher Nolan, I can safely put the Dark Knight trilogy in my list of best film trilogies of all time. Blockbuster trilogies usually start off with a normal film, which doesn't walk the extra line or make any changes to its established formula; the stakes become higher on the second film, which offers some significant changes to said formula; and in the third film, that's where ambition reigns supreme. That's exactly what happens in this trilogy: in “Batman Begins”, we have a film that introduces its characters and atmosphere, so that, in “The Dark Knight”, there is a complete reinvention of the formula established in the first film. And now, in “The Dark Knight Rises”, we have an ambitious conclusion, which closes the cycle that “Batman Begins” started, and that ties up all loose ends that previous films might have left untied. Just like in its second film, the script for “The Dark Knight Rises” is written by brothers Christopher and Jonathan Nolan, with a story by its director and David S. Goyer, who co-wrote the screenplay for “Batman Begins”. It's a pretty robust script, with the longest running time in the trilogy, clocking in at 2 hours and 45 minutes, which go by really quick, thanks to the story's well-calculated pace. Every single moment in this film is so engaging, that the viewer simply can't take his eyes off the screen. The first scene in “The Dark Knight Rises” already introduces its villain in a spectacular way, just like it happened in the second film with the Joker. It's a moment loaded with tension, which prepares the ground for what comes next. The development of the characters that were in all 3 films, such as Bruce Wayne, Alfred, Commissioner Gordon and Lucius Fox, is done and concluded in a perfect and even emotional way. The scenes of dialogue between the protagonist and his butler are filled with an emotional strength that wasn't seen in the previous 2 movies. It was something really impressive for me. Its villains are presented almost in the same way they were in “Batman Begins”: which is, a villain that leads to another villain, which in turn leads to the final boss, usually revealed through a plot twist. And that formula works in an even better way here than in the film that established it. I simply loved the way Nolan explored a theme, a value in every film in this trilogy: in “Batman Begins”, there is an exploration of fear in its purest form, through its protagonist and one of its villains; in “The Dark Knight”, the identity of a hero through the duality between the protagonist and Harvey Dent; and, in “The Dark Knight Rises”, we have a story that leads its protagonist into overcoming his fears established in the first film, and redeeming himself in face of the second film's events. And the best thing is that the film isn't there only to redeem Bruce Wayne; there are several other characters that also get their redemption throughout the plot. And that move was simply genius, because the viewer doesn't watch the film only through the main character's point of view; but also from the point of view of other characters. The ending is something very much alike what happened with “Inception”, leaving it open to the viewer's interpretation. In a nutshell, the script for “The Dark Knight Rises” is ambitious, tense and highly engaging, resulting in a story that concludes one of the best film trilogies of all time in an extremely satisfying way.)

Reprisando seus papéis na trilogia, temos o retorno de Christian Bale como o Homem-Morcego, Michael Caine como Alfred, Gary Oldman como o Comissário Gordon e Morgan Freeman como Lucius Fox. Eu simplesmente adorei como Bale e Oldman lidaram com as consequências dos eventos do segundo filme em suas performances. Há uma perceptível sensação de culpa que é explorada de maneira perfeita na atuação dos dois. Essa é, definitivamente a melhor atuação do Michael Caine como o Alfred. Depois dos dois filmes anteriores, nós sentimos uma preocupação maior dele em respeito ao seu patrão, e é algo extremamente comovente. Ele devia ter sido indicado a Melhor Ator Coadjuvante. Novas adições no elenco incluem Tom Hardy, Anne Hathaway, Marion Cotillard e Joseph Gordon-Levitt. Começando pelo Tom Hardy, que é simplesmente o Bane perfeito. Eu amei como os roteiristas apresentaram ele quase que da mesma maneira do que o Coringa do Heath Ledger, como um vilão já na ativa, extremamente realista e nada cartunesco. A fisicalidade, a voz, a força bruta do personagem. Hardy acerta tudo em cheio aqui. A Anne Hathaway cumpre todos os requisitos de uma boa Mulher-Gato: a manipulação das emoções, a flexibilidade, a química evidente com o protagonista. Ela é a melhor Mulher-Gato desde a Michelle Pfeiffer. A Marion Cotillard tem um dos desenvolvimentos mais interessantes do filme, começando como um interesse amoroso para o protagonista, e depois virando alguém completamente diferente, que fecha algumas pontas e faz algumas referências ao primeiro filme. E o Joseph Gordon-Levitt faz um policial que faz parceria com o Comissário Gordon, e o desenvolvimento de seu personagem tem uma conclusão que fará os fãs do Homem-Morcego gritarem de emoção.

(Reprising their roles in the trilogy, we have the return of Christian Bale as Batman, Michael Caine as Alfred, Gary Oldman as Commissioner Gordon and Morgan Freeman as Lucius Fox. I simply loved how Bale and Oldman dealt with the consequences of the second film's events in their performances. There's a perceptible sense of guilt which is explored perfectly in both performances. This is, definitely, the best performance by Michael Caine as Alfred. After the two previous films, we feel a bigger concern in him towards his master, and it's something extremely moving. He should've been nominated for Best Supporting Actor. New additions to the cast include Tom Hardy, Anne Hathaway, Marion Cotillard and Joseph Gordon-Levitt. Starting off with Tom Hardy, who is simply the perfect Bane. I loved how the screenwriters introduced him almost like in the same way as Heath Ledger's Joker, as an already active villain, who's extremely realistic and not cartoonish at all. His physicality, his voice, the character's brute strength. Hardy gets everything right here. Anne Hathaway fulfills every demand of a good Catwoman: her manipulation of emotions, her flexibility, her evident chemistry with the main character. She's the best Catwoman since Michelle Pfeiffer. Marion Cotillard has one of the most interesting character developments in the film, starting off as a love interest for the protagonist, and then turning into someone completely different, which ties some ends and makes a few references to the first film. And Joseph Gordon-Levitt plays a cop who partners up with Commissioner Gordon, and the development of his character has a conclusion that will make Batman fans squeal in delight.)

Assim como nos filmes anteriores da trilogia, os aspectos técnicos de “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge” elevam o filme à novas alturas. A direção de fotografia do Wally Pfister ajuda a construir uma atmosfera mais sombria para esse último filme, em parceria com a direção de arte, que aproveita cenários antigos e introduz cenários novos em circunstâncias inéditas para a trilogia. A montagem do Lee Smith é mais uma vez fantástica, especialmente quando ela expressa a passagem de tempo, através de coisas bem simples, ao invés de um aviso enorme avisando quanto tempo passou desde tal cena. A trilha sonora do Hans Zimmer é espetacular, como de costume. E esse filme tem o maior uso de efeitos visuais, tanto práticos quanto em CGI, na trilogia inteira. E por incrível que pareça, esses efeitos não estragam o filme. Claro, eles podem dar um aspecto mais cartunesco, se comparado a seus antecessores, mas é apenas um instrumento usado para aumentar a tensão estabelecida no roteiro. E para esse fim, a abundância de efeitos visuais usada em “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge” é mais que bem-vinda.

(Just like it happened in previous films in the trilogy, the technical aspects of “The Dark Knight Rises” elevate it to new heights. Wally Pfister's cinematography helps building a more somber atmosphere for this last film, along with the art direction, which re-uses old scenarios and introduces new ones under first-time circumstances in the trilogy. Lee Smith's editing is once again fantastic, especially when it expresses the passage of time, through very simple things, rather than an enormous title card that tells viewers how much time has passed since the previous scene. Hans Zimmer's score is spectacular, as usual. And this film has the biggest use of visual effects, both practical and CGI, in the entire trilogy. And as hard as it may seem, they don't ruin the film. Of course, they can give it a more cartoonish feel, if compared to its predecessors, but it is only an instrument used to build up the tension established by the script. And to that end, the abundance of visual effects in “The Dark Knight Rises” is more than welcome.)

Resumindo, “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge” é uma parte final extremamente satisfatória para a já icônica trilogia de Christopher Nolan, contando com um roteiro tenso, performances engajantes de seu elenco, e aspectos técnicos ambiciosos, para concluir o desenvolvimento de seus personagens principais de forma bem-sucedida e até comovente.

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “The Dark Knight Rises” is an extremely satisfying final chapter to Christopher Nolan's already iconic film trilogy, relying on a tense script, engaging performances by its cast, and ambitious technical aspects, in order to bring its characters' development to a close, in a successful and even moving way.

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Hamilton": um brinde à diversidade cultural existente nos EUA atualmente (Bilíngue)

E não se esqueçam de curtir e seguir o blog nas redes sociais:

(And don't forget to like and follow the blog in social medias:)

Facebook: https://www.facebook.com/NoCinemaComJoaoPedroBlog/

Twitter: @nocinemacomjp2

Instagram: @nocinemacomjp

E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, mas não para continuar com a nossa postagem especial sobre o trabalho de Christopher Nolan. Estou aqui para falar de um musical de enorme sucesso, vencedor de 11 Tonys (o Oscar do teatro), que acabou de ganhar sua versão filmada neste mês. É uma celebração do legado de uma das figuras mais importantes na história dos EUA, ao mesmo tempo que é um brinde à diversidade cultural existente no país atualmente. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Hamilton”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, but not to continue with our special post on the work of Christopher Nolan. I'm here to talk about a groundbreaking musical that won 11 Tonys (the Oscar of theatre), and that just got its filmed version released this month. It is a celebration of the legacy of one of the most important figures in US history, as it also is a love letter to the existing cultural diversity in the country nowadays. So, without further ado, let's talk about “Hamilton”. Let's go!)

O musical “Hamilton” conta a história de Alexander Hamilton (Lin-Manuel Miranda), e acompanha todos os passos de sua jornada pela história dos EUA: sua participação na Guerra de Independência do país; sua posição como o primeiro Secretário do Tesouro estadunidense sob o comando de George Washington (Christopher Jackson); sua conturbada relação com o futuro vice-presidente Aaron Burr (Leslie Odom Jr.); e seu casamento com Elizabeth Schuyler (Phillipa Soo).

(The musical “Hamilton” tells the story of Alexander Hamilton (Lin-Manuel Miranda), and follows all of the steps taken in his journey throughout US history: his participation in the American Revolutionary War; his position as the first American Treasury Secretary under the command of George Washington (Christopher Jackson); his troubled relationship with future vice-president Aaron Burr (Leslie Odom Jr.); and his marriage to Elizabeth Schuyler (Phillipa Soo).)

Antes de começar a falar sobre a performance filmada em si, vou dedicar algumas linhas para falar sobre a minha relação com o musical antes dessa performance ser lançada. Eu conheci o trabalho de Lin-Manuel Miranda através do filme “Moana”, no qual ele ajudou a compor a trilha sonora original. Depois de “Moana”, dei de cara com ele novamente em “O Retorno de Mary Poppins” e em “His Dark Materials”. Quando o trailer de “Em Um Bairro de Nova York”, baseado em um outro musical de Miranda, saiu, as seguintes palavras foram exibidas em um de seus frames: “do criador de Hamilton”. Curioso para saber do que se tratava, dei algumas pesquisadas no Google. Já sabia que “Hamilton” era um musical muito premiado e querido na Broadway, mas nunca tinha dado a chance de escutar à trilha sonora ou saber um pouco mais sobre a história. E meu amor por “Hamilton” começou por meio de uma compilação de animações das músicas da trilha sonora. Através desse vídeo, aprendi sobre a história do musical, e tive a chance de escutar cada uma das 46 músicas presentes na trilha. Fiz uma legenda em português do zero para introduzir o musical à minha família, com sucesso. E quando essa performance filmada saiu, é claro que nós assistimos juntos. É bem difícil saber por onde começar ao falar de “Hamilton”, então começarei dizendo que é um musical revolucionário, só pelo conceito que Miranda teve ao concebê-lo: “a história da América de outrora representada pela América de atualmente”. Porque se esse musical fosse mesmo verossímil, todos os personagens seriam representados por pessoas brancas, mas Miranda oferece uma chance à pessoas de outras etnias de representarem os papéis principais, abrindo oportunidades para o elenco ter uma certa diversidade, o que é simplesmente maravilhoso. Outra sacada genial que Miranda teve ao conceber o musical é a presença de gêneros musicais improváveis, à primeira vista, de combinarem com a época retratada, como rap, hip-hop, R&B, e jazz. E isso é um ganho enorme porque: pessoas que se identificam com esses gêneros irão se sentir atraídas ao teatro, e, consequentemente, à História dos EUA; e pessoas que já se sentiam atraídas pelo teatro irão ficar impressionadas com a incrível amálgama de gêneros musicais presentes na trilha sonora. O roteiro, escrito por Miranda, consegue compilar os acontecimentos mais importantes na vida de seu protagonista em uma duração bem enxugada e concisa de 2 horas e 40 minutos. E ele faz tudo através da música, sendo um musical completamente cantado, algo que é pouco presente na maioria dos musicais de palco hoje em dia. Outro trunfo do roteiro de Miranda é que o enredo não é visto apenas pelos olhos de Alexander Hamilton, há vários pontos de vista expostos ao longo da trama, através de canções e solos extraordinários. E pra mim, um dos melhores aspectos de “Hamilton” é que ele torna coisas que não seriam divertidas de se ver em algo extremamente agradável, como, por exemplo, as reuniões de gabinete, que são transformadas em verdadeiras batalhas de rap. Tem um passo muito bem calculado, evitando que o espectador se sinta entediado ou cansado, e tornando quase impossível a chance de alguém simplesmente não gostar do musical. Resumindo, “Hamilton” conta com uma proposta revolucionária e um roteiro conciso para contar uma história extraordinária através de gêneros musicais inesperados.

(Before I start talking about the filmed performance itself, I'd like to dedicate some lines to talk about my relationship with the musical before the performance's release. I've come to know Lin-Manuel Miranda's work through “Moana”, which he composed original songs for. After “Moana”, I bumped into him once again in “Mary Poppins Returns” and “His Dark Materials”. When the trailer for “In the Heights”, based on another musical by Miranda, was released, the following words were shown in one of its frames: “from the creator of Hamilton”. Feeling curious to know what was it about, I Googled it. I already knew it was a highly successful musical that was cherished by the Broadway audience, but I never saw a chance to learn a bit about its story or listen to its soundtrack. And my love for “Hamilton” began when I saw a compilation of animatics containing the songs from the soundtrack. Through that video, I learned a lot about its story and managed to listen to all 46 songs in the soundtrack. I made a Portuguese subtitle for it from scratch to introduce it to my family, which I did successfully. And when this filmed performance was released, of course we had to watch it together. It's pretty hard to know where to begin talking about “Hamilton”, so I'll start off by saying it's a revolutionary musical, because of the concept Miranda had while conceiving it: “the story of America then told by America now”. Because if this musical was truly accurate, every character would be played by a white person; but Miranda gives the opportunity to people of different ethnical roots to play the main roles, opening opportunities for the cast to have a certain diversity, which is simply marvelous. Another genius move made by Miranda while conceiving the musical is the presence of musical genres that are unlikely, at a first point of view, to fit with the time it is set in, like rap, hip-hop, R&B and jazz. And that's an enormous win, because: people that identify with these genres will become attracted to theatre, and consequently, to US History; and people that already felt attracted to theatre will be extremely impressed by the incredible mixture of musical genres in its soundtrack. The book, written by Miranda, manages to compile every important point in its protagonist's history into a well-earned, concise running time of 2 hours and 40 minutes. And he does everything through music, being a sung-through musical, something that isn't that much present in musical theatre nowadays. Another triumph in Miranda's book is that the plot isn't seen only through Alexander Hamilton's point of view; there are several points of view exposed here, through extraordinary songs and solos. And, for me, one of the best aspects in “Hamilton” is that it turns things that wouldn't be fun at all to see into something extremely enjoyable, as an example, the cabinet meetings, which are turned into real rap battles. It has a very well calculated pace, which avoids the viewer from feeling bored or tired, and making the probability of someone simply not liking the musical almost impossible. In a nutshell, “Hamilton” counts on a revolutionary proposal and a concise book to tell an extraordinary story through unexpected musical genres.)

O elenco da performance, filmada em junho de 2016, é o elenco original da Broadway, que foi altamente premiado nos Tonys do mesmo ano. Todo mundo dá um verdadeiro show aqui, tanto no aspecto musical, quanto no controle emocional de cada um, tornando a escolha do melhor intérprete quase impossível. A começar pelo criador do musical, Lin-Manuel Miranda, que interpreta o protagonista, Alexander Hamilton. Eu fiquei altamente impressionado com a performance dele. É ao mesmo tempo, hilária, engajante e comovente. Acho que ninguém vai interpretar o Hamilton melhor do que ele. O Leslie Odom Jr. interpreta o Aaron Burr com maestria. Mesmo com o público já sabendo o que ele fará, nós temos simpatia e entendemos as motivações de seu personagem. O ator entrega tudo de si, tornando sua vitória no Tony extremamente merecida. A Phillipa Soo virou meu crush com razão (Risos), interpretando uma das melhores personagens do musical. A dualidade de emoções que a Eliza precisa passar é bem difícil de transitar e a atriz faz isso perfeitamente. A Renée Elise Goldsberry dá um verdadeiro show em cada cena que sua personagem aparece, soltando a voz e ganhando a simpatia do público, o que rendeu à atriz o Tony de Melhor Atriz Coadjuvante em um Musical. O Christopher Jackson interpreta o George Washington com uma nuance extraordinária e comovente, sendo uma das melhores vozes masculinas do elenco. E o Jonathan Groff rouba a cena como o Rei George III, que conta com canções altamente sarcásticas para lembrar o público do “amor” que seu personagem tem pelos EUA. Algo impressionante no elenco é que alguns atores interpretam dois papéis no musical: um no primeiro ato e outro no segundo. Nessa categoria, temos performances extraordinárias de Daveed Diggs (que ganhou o Tony de Melhor Ator Coadjuvante em um Musical) como Lafayette e Thomas Jefferson; Okieriete Onaodowan como Hercules Mulligan e James Madison; Anthony Ramos como John Laurens e Philip Hamilton; e Jasmine Cephas-Jones como Peggy Schuyler e Maria Reynolds. O alcance vocal desses 4 intérpretes é algo tão impressionante que, ouvindo a trilha sonora, você pode jurar que é outra pessoa que está cantando no segundo ato, especialmente no caso de Onaodowan e Cephas-Jones.

(The cast of this performance, filmed in June 2016, is the original Broadway cast, which was highly awarded at the Tonys earlier in that year. Everyone puts one hell of a show here, both in the musical aspect and in the emotional control of each, making the choice of picking the MVP almost impossible. Starting off with the musical's creator, Lin-Manuel Miranda, who plays the main character, Alexander Hamilton. I was highly impressed with his performance. It's at the same time hilarious, engaging, and moving. I think no one will play Hamilton better than him. Leslie Odom Jr. portrays Aaron Burr masterfully. Even with the audience knowing what he's going to do, we have sympathy for him and understand his character's motivations. He delivers every little bit of himself, making his Tony win extremely deserving. Phillipa Soo is now my crush (LOL) and rightfully so, as she plays one of the musical's best characters. The duality of emotions Eliza needs to go through is very hard to transition to and she does that perfectly. Renée Elise Goldsberry gives one hell of a show in every scene she's in, making the best out of her voice and winning the audience's sympathy, which led her to win the Tony for Best Featured Actress in a Musical. Christopher Jackson plays George Washington with an extraordinary, moving nuance, being one of the best male voices in the cast. And Jonathan Groff steals the scene as King George III, who relies on highly sarcastic songs to remind the audience of his character's “love” for America. Something that's impressive about the cast is that some performers play two roles in the musical: one in the first act, and another in the second. In that category, we have extraordinary performances by Daveed Diggs (who won the Tony for Best Featured Actor in a Musical) as Lafayette and Thomas Jefferson; Okieriete Onaodowan as Hercules Mulligan and James Madison; Anthony Ramos as John Laurens and Philip Hamilton; and Jasmine Cephas-Jones as Peggy Schuyler and Maria Reynolds. The vocal extent of these 4 performers is something so impressive that, by listening to the soundtrack, you could swear that there's another person singing in the second act, especially when it comes to Onaodowan and Cephas-Jones.)

Nos aspectos técnicos, temos algumas coisas que elevam “Hamilton” a um nível maior do que outras performances gravadas de musicais de palco. A começar pela direção do Thomas Kail, que, em parceria com a direção de fotografia de Declan Quinn, consegue captar expressões faciais significativas de seus atores que seriam impossíveis de perceber no teatro. A montagem é bem fluida, transitando entre tomadas abertas e close-ups com maestria. A direção de arte é bem rústica e até experimental, o que acaba combinando bastante com a época em que o musical é ambientado. Mas a melhor coisa técnica sobre “Hamilton”, sem dúvida, é a coreografia. É algo extremamente impressionante. A dança é tão crucial para o musical quanto a trilha sonora, e há algumas referências geniais que são expostas através da coreografia, então, é melhor ficar de olho. Eu simplesmente não entendo porque algumas pessoas têm falado mal dessa performance pelo fato de ser uma apresentação filmada do musical ao invés de uma adaptação propriamente dita. Era uma performance filmada desde o anúncio de que a Disney tinha comprado os direitos de exibição dela por US$75 milhões, então não devia ter nenhuma surpresa por parte da crítica. Tanto que algumas coisas, como as cenas de batalha, por exemplo, nunca funcionariam no cinema da mesma forma que funcionam no palco, o que é algo simplesmente lindo de se ver. Mesmo sendo uma apresentação filmada em um teatro, essa performance de “Hamilton” dá um teor cinematográfico à produção, graças à direção cuidadosa de Thomas Kail.

(In the technical aspects, we have some things that elevate “Hamilton” to a higher level than other filmed stage musical performances. Starting with Thomas Kail's direction, which, in partnership with Declan Quinn's cinematography, manages to capture significant facial expressions from its actors that would've been impossible to notice in the theatre. The editing is really fluid, transitioning between open shots and close-ups masterfully. The art direction is really rustic and experimental even, which ends up matching with the time the musical is set in. But the best technical thing about “Hamilton”, without a doubt, is the choreography. It's something extremely impressive. Dancing is as vital to this musical as its songs, and there are some genius references exposed through the choreography, so, you better keep your eyes peeled. I simply don't understand why some people have been bashing this performance because it's a filmed presentation of the musical rather than a proper film adaptation. It was a filmed performance ever since Disney announced it had bought its showing rights for US$75 million, so there wasn't supposed to be any surprise for the critics. And also, some things, like the battle scenes, for example, would never work in the movies in the same way it works on stage, which is something really beautiful to behold. Even though it's a filmed presentation in a theatre, this performance of “Hamilton” gives the production a cinematic feel, thanks to Thomas Kail's careful direction.)

E por último, mas não menos importante, temos o aspecto que faz um musical ser um musical: a trilha sonora. Composta por 46 músicas, a trilha sonora de “Hamilton” foi escrita inteiramente por Lin-Manuel Miranda, responsável pelo roteiro e por interpretar o personagem-título. Como dito anteriormente, a trilha sonora é uma verdadeira mistura de gêneros musicais que exploram a diversidade cultural nos EUA de hoje em dia: rap, hip-hop, R&B, jazz, e a clássica show tune, característica de musicais da Broadway. Posso dizer que, literalmente, nenhuma música nessa trilha sonora é ruim. Quando qualquer música de “Hamilton” chega na minha playlist, eu não sinto vontade nenhuma de pular a música. É simplesmente impressionante como uma pessoa (UMA PESSOA!!) consegue compor 46 músicas em gêneros musicais diversos que se misturam tão bem à uma época tão antiga. E, como um musical completamente cantado, a trilha sonora é o aspecto chave para os atores contarem a história de seus personagens, tanto que, se você ouvir a trilha sonora inteira na sequência (que tem mais de 2 horas de duração), você basicamente ouviu o musical inteiro sem ter um componente visual. Você pode ouvir esse verdadeiro hinário de canções no vídeo abaixo:

(And, at last, but not least, we have the aspect that makes a musical a musical: the soundtrack. Composed by 46 songs, the soundtrack for “Hamilton” was written entirely by Lin-Manuel Miranda, who also wrote the book and originated the title character's role. As previously said, the soundtrack is a real mixture of musical genres that explore the cultural diversity in the US today: rap, hip-hop, R&B, jazz, and the classic show tune, characteristic to Broadway musicals. I can say that, literally, not one song in this soundtrack is bad. When any “Hamilton” song pops in my playlist, I do not dare to skip it. It's simply impressive how one person (ONE PERSON!!) manages to write 46 songs in different musical genres that fit so well to a time that old. And, as a sung-through musical, the soundtrack is the key aspect for the actors to tell their characters' story, so that, if you listen to the entire soundtrack (which is over 2 hours long), you basically heard the entire musical without a visual component. You can listen to this brilliant juggernaut of songs in the video below:)

Resumindo, a performance gravada de “Hamilton” é a melhor coisa que eu assisti em 2020 até agora. É uma verdadeira aula de História sobre o legado de seu personagem-título, uma celebração da diversidade cultural nos EUA atualmente, e mais uma prova da genialidade de seu criador, Lin-Manuel Miranda. A direção de Thomas Kail dá um teor cinematográfico inimitável à produção, o que pode abrir portas para mais performances filmadas de musicais no futuro.

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, the filmed performance of “Hamilton” is the best thing I watched in 2020 so far. It's a true History lesson on the legacy of its title character, a celebration of the cultural diversity in the US today, and one more proof of the genius of its creator, Lin-Manuel Miranda. Thomas Kail's direction gives the production an inimitable cinematic feel, which can open doors for more filmed performances of stage musicals in the future.

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

Especial Nolan - "A Origem": um dos filmes mais marcantes e revolucionários da década passada (Bilíngue)

E não se esqueçam de curtir e seguir o blog nas redes sociais:

(And don't forget to like and follow the blog in social medias:)

Facebook: https://www.facebook.com/NoCinemaComJoaoPedroBlog/

Twitter: @nocinemacomjp2

Instagram: @nocinemacomjp

E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para trazer a próxima parte da nossa postagem especial sobre o trabalho de Christopher Nolan. Dois anos após o lançamento do revolucionário “Batman: O Cavaleiro das Trevas”, o sétimo filme de Nolan junta tudo o que definiu o estilo característico do diretor para criar algo original, inteligente, e acima de tudo, único. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “A Origem”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to bring the next part in our special post on the work of Christopher Nolan. Two years after the release of the revolutionary “The Dark Knight”, Nolan's seventh film assembles everything that defined his characteristic cinematic style to create something original, clever, and above all, unique. So, without further ado, let's talk about “Inception”. Let's go!)

O filme conta a história de Dom Cobb (Leonardo DiCaprio), um ladrão com a rara habilidade de roubar segredos do inconsciente, obtidos durante o estado de sono. Impedido de retornar para sua família, ele recebe a oportunidade de se redimir ao realizar uma tarefa aparentemente impossível: plantar uma ideia na mente do herdeiro de um império (Cillian Murphy). Para realizar o crime perfeito, ele conta com a ajuda do parceiro Arthur (Joseph Gordon-Levitt), o discreto Eames (Tom Hardy) e a arquiteta de sonhos Ariadne (Ellen Page). Juntos, eles correm contra o tempo para que o inimigo não antecipe seus passos.

(The film tells the story of Dom Cobb (Leonardo DiCaprio), a thief with the rare ability of stealing secrets from the unconscious, obtained during a dream state. Unable to return to his family, he receives the opportunity to redeem himself by performing an apparently impossible task: plant an idea in the mind of the heir of an empire (Cillian Murphy). In order to perform the perfect crime, he relies on his partner Arthur (Joseph Gordon-Levitt), identity thief Eames (Tom Hardy) and dream architect Ariadne (Ellen Page). Together, they race against time with the objective of overcoming the enemy's obstacles.)

Antes de começar a falar sobre o roteiro, queria dedicar algumas palavras falando sobre o que eu já achava desse filme. Assim como todo filme dirigido pelo Christopher Nolan, acredito que “A Origem” é algo feito para ser visto no cinema, onde nenhuma coisa iria distrair o espectador do que está ocorrendo na tela, especialmente por três razões: é um filme longo, com quase 2h30 de duração; se a atenção do espectador não estiver concentrada na tela, ele se perderá muito facilmente; e pela proeza técnica do filme, que é algo que eu nunca tinha visto em nenhum filme na primeira vez que o assisti. Agora, “A Origem” está completando 10 anos, e continua sendo simplesmente impressionante. O roteiro é o primeiro escrito somente pelo diretor desde “Amnésia”, seu segundo filme, mas não ficarei impressionado se o irmão dele, Jonathan (co-roteirista de “O Grande Truque” e “Batman: O Cavaleiro das Trevas”), deu uma mãozinha no roteiro final. Acho que nem é preciso dizer que o roteiro do filme é simplesmente sensacional. Como disse na introdução, acredito que “A Origem” seja o filme definitivo de Christopher Nolan, pois ele junta tudo que definiu o estilo característico do diretor em termos de enredo: passo mais lento; a não-linearidade da narrativa; personagens muito bem desenvolvidos; reviravoltas chocantes; e um final que ainda dá dor de cabeça pra muita gente. É algo completamente original (dizem as más línguas que Nolan pegou algumas partes emprestadas do anime “Paprika”, dirigido por Satoshi Kon, que também explora a temática do sonho, mas são só rumores) e que nos primeiros minutos, já captura a sua atenção. O primeiro ato do filme faz um trabalho sensacional em apresentar seus protagonistas e o que eles fazem, da maneira mais tecnicamente impecável possível. No segundo ato, alguns obstáculos e reviravoltas surgem, resultando em um desenvolvimento mais profundo de alguns de seus personagens. E no terceiro ato, há uma reviravolta de cair o queixo. A proposta de um filme ambientado nos sonhos de uma pessoa pode deixar muitos espectadores confusos sobre o que é realidade e o que é sonho, mas o filme explica a diferença entre esses dois mundos de uma maneira muito inteligente e, principalmente, clara. E um dos maiores trunfos do roteiro de Nolan é que ele te dá a convicção que “A Origem” é verdadeiramente algo único, porque uma pessoa simplesmente não pode falar que viu vários filmes sobre ladrões que se infiltram em sonhos para roubar informações sigilosas. Essa é uma das razões do porquê alguns filmes do diretor podem ser considerados únicos, inventivos, revolucionários. Eles podem apresentar um conceito normal, mas é o que Nolan faz com esse conceito que transforma o filme em algo que você desejaria apagar da sua memória só para vê-lo novamente pela primeira vez. Sinceramente, acho meio exagerado existirem vários vídeos explicando o final desse filme na Internet, porque não é necessariamente confuso. “A Origem” é complexo, isso eu posso admitir, mas o roteiro entrega todas as respostas para todas as perguntas que o enredo propõe, e transita entre várias narrativas de maneira bem orgânica e fluida, tornando a possibilidade do espectador não entender o filme quase impossível. Novamente, reforço, como toda obra de Christopher Nolan, este é um filme que será melhor aproveitado sem nenhum tipo de distração, e aqueles que seguirem essa regra serão ricamente recompensados com uma história original, inventiva, e que realmente tem algo a dizer sobre temas muito interessantes como memória e culpa. Resumindo, o roteiro de “A Origem” e só mais uma prova de que Christopher Nolan é um dos cineastas mais originais, criativos e talentosos no cinema contemporâneo.

(Before I start talking about the script, I'd like to dedicate some lines to say what I already thought of this movie in particular. Just like every other film directed by Christopher Nolan, I believe that “Inception” is something that demands to be seen in a movie theater, where nothing would distract the viewer from what's happening on-screen, especially for three reasons: it's a long film, with almost 2 hours and 30 minutes of running time; if the viewer's attention isn't entirely focused on the screen, he or she would easily get lost; and for the film's technical feat, which is something I didn't see in any other movie at the time I first watched it. Now, “Inception” is 10 years old, and it's still incredibly impressive. The script is the first one written solely by the director since “Memento”, his second film, but I would not be impressed if his brother, Jonathan (co-writer of “The Prestige” and “The Dark Knight”), ended up giving him a helping hand on the final shooting script. I think I don't even have to say that this screenplay is mind-blowing and sensational. As I said in the intro, I believe that “Inception” is the definitive Christopher Nolan film, as it assembles everything that defined his characteristic cinematic style so far, in terms of plot: the slower pace; the non-linear narrative; very well-developed characters; shocking plot twists, and an ending that still gives a headache to lots of people. It is something completely original (rumors say that Nolan took some ideas from the anime film “Paprika”, directed by Satoshi Kon, which also explores the thematic of dreaming, but again, it's just rumors) and that already gets your attention from the very first minutes in its running time. The film's first act does a marvelous job in introducing its main characters and what they all do, in the most technically flawless way possible. In the second act, some obstacles come into the light, resulting in a deeper development from some of its characters. And in the third and final act, there's a jaw-dropping twist. The proposal of a film set in a person's dreams may leave several viewers confused on what's reality and what's the dream, but the movie explains the difference between these two worlds in a very clever and, especially, clear way. And one of the biggest triumphs in Nolan's screenplay is that it gives you the absolute conviction that “Inception” is truly something unique, as one can't say he or she has watched several films about thieves that go into people's dreams to steal valuable information. That is one of the reasons why some of his films can be considered unique, inventive and revolutionary. They may present a simple concept, but it's what Nolan does to that concept that transforms the film into something you'd like to erase from your memory, just to watch it for the first time again. Honestly, I think it's a bit too much that there are several videos explaining this film's ending out there, because it's not necessarily confusing. “Inception” is a complex movie, that I can admit, but the script delivers all the answers for all the questions the plot proposes, and transitions between several narratives in a fluid, organic way, turning the possibility of the viewer to simply not understand it into something that's almost impossible. Once again, I'd like to reinforce, as with everything Nolan-directed, this is a film that will be better enjoyed without any kind of distraction, and those who follow by that rule will be richly rewarded with an original and inventive story that deals with interesting themes like memory and guilt. In a nutshell, the screenplay for “Inception” is just another reason why Christopher Nolan is one of the most original, creative, and talented filmmakers in contemporary cinema.)

O elenco desse filme (assim como quase todo elenco de um filme de Christopher Nolan) é mais uma razão do porquê uma categoria de Melhor Elenco no Oscar deveria existir. Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Tom Hardy, Cillian Murphy, Ken Watanabe, Dileep Rao e o Tom Berenger trabalham muito bem tanto quando estão juntos em tela quanto individualmente. Os diálogos expostos e complementados por cada um dos personagens nos ajudam cada vez mais a achar uma explicação para o que está acontecendo na tela. E o mais legal é que cada personagem tem uma “função”: DiCaprio é a mente criminosa cheia de segredos; Gordon-Levitt é o músculo; Page é a construtora de sonhos; Hardy é um ladrão de identidades; Rao é um químico que providencia sedativos pesados para a missão do grupo; e a relação entre Watanabe, Murphy e Berenger é essencial para que tal missão seja cumprida. Além do grupo principal, temos uma performance sensacional da Marion Cotillard, que está incrivelmente ameaçadora; e breves aparições significativas de Michael Caine, que já virou colaborador recorrente de Nolan. Eu realmente acredito que o Leonardo DiCaprio poderia ter sido indicado a Melhor Ator, assim como Cotillard a Melhor Atriz Coadjuvante, já que eles interpretam os dois personagens mais desenvolvidos do filme, e pela evidente química compartilhada pelos atores quando juntos em tela.

(This film's cast (as well as basically every other cast in a Christopher Nolan film) is yet another reason why a Best Ensemble Cast category should exist in the Oscars. Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Tom Hardy, Cillian Murphy, Ken Watanabe, Dileep Rao and Tom Berenger work really well when they're together or apart. The dialogue exposed and complemented by each of the characters never fail to help us understand what's happening on-screen. And the coolest thing is every character has a “function”: DiCaprio is the secret-filled mastermind; Gordon-Levitt is the muscle; Page is the dream builder; Hardy is an identity thief; Rao is a chemist that provides heavy sedatives for the group's mission; and the relationship between Watanabe, Murphy and Berenger is essential for the accomplishment of said mission. Besides the main group, we have a sensational performance by Marion Cotillard, who is incredibly menacing; and brief significant appearances by Michael Caine, who's already become a recurring collaborator of Nolan's. I truly think that Leonardo DiCaprio could've been nominated for Best Actor, as well as Cotillard for Best Supporting Actress, as they portray the most developed characters in the film, and because of the evident chemistry the actors share when together on-screen.)

Sobre o marketing do filme, um fato é inegável: o visual foi provavelmente o que chamou mais atenção. E com razão. É o melhor trabalho de fotografia do Wally Pfister (que trabalha com o diretor desde “Amnésia”), que encontra seu maior triunfo nas cenas de ação dinâmicas e cheias de energia. Oscar de Melhor Fotografia merecidíssimo. A montagem do Lee Smith transita entre os vários estados de sonho e realidade com muita fluidez, evitando que o espectador se perca no processo. Eu simplesmente não sei porque essa montagem nem foi indicada ao Oscar, é um trabalho estupendo. O trabalho do Hans Zimmer na trilha sonora é épico em todos os sentidos da palavra. Se não fosse pela espetacular trilha de Trent Reznor e Atticus Ross para “A Rede Social”, tenho quase certeza que esse Oscar iria para o Hans Zimmer. E por último, mas não menos importante, temos os efeitos visuais, que, na minha opinião, foram revolucionários. Posso até dizer que foram influentes para filmes que usariam um conceito parecido, com uma vibe mais psicodélica, como, por exemplo, “Doutor Estranho”. As cidades dobrando ao meio, as cenas em câmera lenta, as cenas de ação em zero-gravidade... Foram tantas coisas que marcaram o visual de “A Origem”, que demoraria um século para listar todas. Mais um Oscar merecidíssimo para o filme. Como disse anteriormente, um dos destaques do filme são os aspectos técnicos, em especial a fotografia e os efeitos visuais, que representam mais uma razão que transforma “A Origem” em algo único e revolucionário. Não é de se impressionar que esse é o filme de Nolan que ganhou mais Oscars até o momento.

(About this film's marketing campaign, one fact is undeniable: the visuals were probably at the center of attention. And rightfully so. It's the best cinematography work by Wally Pfister (who has been working with the director since “Memento”), who finds his greatest triumph in the dynamic and energy-filled action scenes. A very deserving Oscar win for Best Cinematography. Lee Smith's editing transitions between several dream states and reality with so much fluidity, it avoids the viewer from losing his train of thought in the process. I honestly don't know why this editing wasn't even nominated, it's simply amazing. Hans Zimmer's work on the score is epic in every sense of the word. If it wasn't for Trent Reznor and Atticus Ross's incredible score for “The Social Network”, I'm pretty sure that Oscar would've gone to Hans Zimmer. And at last, but definitely not least, we have the visual effects, which, in my opinion, were revolutionary. I can even say they've been influent for later films that followed a similar proposal, with a more psychedelic vibe, like, for example, “Doctor Strange”. The cities bending in half, the slow-mo scenes, the zero-gravity action scenes... So many things marked the visuals for “Inception”, it would take ages to list all of them. Another well-deserved Oscar for it. As I said before, one of the film's main highlights are the technical aspects, especially the cinematography and the visual effects, which represent one more reason that transforms “Inception” into something unique and revolutionary. It's not surprising at all that this was the most awarded Christopher Nolan film in the Oscars so far.)

Resumindo, “A Origem” continua sendo o mesmo filme genial, original e inventivo que era na época de seu lançamento, há 10 anos. Ele junta todos os aspectos que marcaram o estilo cinematográfico de Christopher Nolan para entregar um dos filmes mais marcantes e revolucionários da década passada, com o auxílio de um roteiro inteligente, um elenco extraordinariamente talentoso, e aspectos técnicos que tornam o filme único.

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Inception” remains being the same genius, original and inventive film it was back at the time of its release, 10 years ago. It assembles every aspect that marked Christopher Nolan's cinematic style to deliver one of the most groundbreaking, revolutionary films of the past decade, with the help of a clever script, an extraordinarily talented cast, and technical aspects that make it unique.

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

Especial Nolan - "Batman: O Cavaleiro das Trevas": o ponto de virada para filmes baseados em quadrinhos (Bilíngue)

E não se esqueçam de curtir e seguir o blog nas redes sociais:

(And don't forget to like and follow the blog in social medias:)

Facebook: https://www.facebook.com/NoCinemaComJoaoPedroBlog/

Twitter: @nocinemacomjp2

Instagram: @nocinemacomjp

E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para continuar com a nossa postagem especial sobre o trabalho de Christopher Nolan. Em seu sexto filme, Nolan retorna ao universo do Homem-Morcego para contar uma história ainda mais realista que seu antecessor, e como resultado, entrega o filme de super-herói mais marcante do séc. XXI até agora. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Batman: O Cavaleiro das Trevas”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to continue with our special post on the work of Christopher Nolan. In his sixth film, Nolan returns to Batman's universe in order to tell a story that's even more realistic than its predecessor, and as a result, he delivers the most influential superhero film in the 21^st century so far. So, without further ado, let's talk about “The Dark Knight”. Let's go!)

Dois anos após o surgimento do Batman, Bruce Wayne (Christian Bale) conta com a ajuda do tenente James Gordon (Gary Oldman) e do promotor público Harvey Dent (Aaron Eckhart) para combater o crime organizado em Gotham City. Tendo seu domínio ameaçado pelo Homem-Morcego, os chefes do crime organizado contratam o Coringa (Heath Ledger) para instaurar um verdadeiro caos na cidade, o que acaba transformando sua rivalidade com o Batman em algo bem pessoal, testando Wayne psicologicamente e fisicamente de uma maneira que nunca fora testado antes.

(Two years after the rise of Batman, Bruce Wayne (Christian Bale) relies on the aid of Lt. James Gordon (Gary Oldman) and prosecutor Harvey Dent (Aaron Eckhart) in order to fight organized crime in Gotham City. Having their dominion threatened by the vigilante, the organized crime bosses hire the Joker (Heath Ledger) to ignite a full-on chaos in the city, which ends up transforming his rivalry with Batman into something really personal, testing Wayne both psychologically and physically in a way he had never been tested before.)

Me lembro que já tinha visto esse filme uma vez, mas foi há um bom tempo, na época que o DVD tinha lançado. Agora, mais de 10 anos depois, decidi assisti-lo de novo, tanto pela fama que ele ainda tem nos dias de hoje, quanto pelo suspense enorme que “Batman Begins” deixou em aberto na sua cena final. E acho que nem preciso dizer que valeu cada segundo das suas 2 horas e meia de duração. Assim como em seu filme anterior, “O Grande Truque”, o roteiro de “Batman: O Cavaleiro das Trevas” é co-escrito por Nolan e seu irmão Jonathan, e a aposta dos dois aqui é apresentar algo ainda mais realista do que o filme anterior da trilogia. A começar pela extremamente tensa cena inicial, que retrata um roubo de banco, algo bem real e bem presente fora dos quadrinhos. Essa cena já nos apresenta o nosso vilão de forma perfeita, bem antes do personagem-título dar as caras. Creio que um dos maiores trunfos do roteiro dos irmãos Nolan é a verdadeira investida em algo mais realista, pois em “Batman Begins”, ainda existiam alguns aspectos cartunescos e fora da nossa realidade. Mas na sequência, nós nos sentimos realmente assustados pelas coisas que acontecem na tela, pois os roteiristas nos fazem acreditar de maneira bem convincente que aquilo pode ser bem possível de acontecer na vida real. E essa investida em algo mais pé no chão ajudou “Batman: O Cavaleiro das Trevas” a tornar a linha entre “filme de super-heróis” e “filme (no ponto de vista do Scorsese)” um pouquinho mais tênue, preparando o terreno para vários outros filmes que, algum tempo depois, investiriam em um enredo mais realista, como “Watchmen” e “Logan”. Outro aspecto que os dois roteiristas acertaram em cheio é a construção de seu vilão. Porque, quando se pensa no Coringa, a primeira coisa que nos vem à mente é sua clássica história de origem, onde ele cai em um barril de produtos químicos tóxicos e isso leva ele a perder sua sanidade. Mas aqui, os irmãos Nolan constroem um Coringa bem humano, que inventa várias “histórias de origem” (que é uma referência tremenda à clássica fala do vilão em “A Piada Mortal”: “Se eu vou ter um passado, prefiro que ele seja de múltipla escolha.”) somente para chegar ao ponto que ele é um agente do caos, que ele somente quer, nas palavras de Alfred Pennyworth, “ver o circo pegar fogo”. E algo que esse filme investe mais ainda do que em seu antecessor é o teor psicológico do enredo. Enquanto em “Batman Begins”, esse teor se concentrava nas alucinações causadas pelo Espantalho; na sequência, ele é focado em decisões da vida real, especialmente nas famosas “escolhas de Sofia”, na qual há duas opções e você tem que quebrar a cabeça, porque precisa escolher apenas uma. Isso ajuda bastante a desenvolver o seu protagonista de uma maneira bem mais profunda, e essas decisões acabam por abalá-lo emocionalmente, com ele ainda ficando com as cicatrizes das consequências de suas escolhas. E isso foi simplesmente revolucionário para o gênero dos filmes baseados em quadrinhos na época. Além de entregar uma história bem engajante, o roteiro também lida com algumas questões bem interessantes, como problemas de identidade, e como certas decisões ajudam a destruir essa identidade e construir outra, sendo essa nova identidade corrupta; a dualidade entre ordem e caos; o impacto do terrorismo na vida das pessoas e como isso ajuda a criar novos vilões (fazendo um paralelo extraordinário com o 11 de setembro), e muito mais. Resumindo, os irmãos Nolan, através do roteiro magnífico de “Batman: O Cavaleiro das Trevas”, nos ajudam a compreender que filmes de quadrinhos não servem somente para entreter, mas também para lidar com questões importantes que nos auxiliam a entender a nossa realidade.

(I remember having seen this movie once, but it was quite a long time ago, when the DVD was released. Now, more than a decade later, I decided to watch it again, both for the fame it clearly still has, and for the enormous cliffhanger that “Batman Begins” left us on in its final scene. And I think I don't even have to say it was worth every second of its 2-hour-and-a-half running time. As it happened with his previous movie, “The Prestige”, the screenplay for “The Dark Knight” is co-written by Nolan himself and his brother Jonathan, and their proposition here is to present something even more realistic than the previous film in the trilogy. Starting off with the extraordinary opening sequence, which depicts a bank robbery, something pretty real and really present outside the comics. This scene already perfectly introduces us to our villain, way before the title character's first appearance. I believe that one of the biggest pros in the Nolan brothers' screenplay is the decision to fully invest in something more realistic, because, in “Batman Begins”, there were still some cartoonish aspects that were outside of our reality. But in the sequel, we actually feel terrified by the events onscreen, as the screenwriters make us believe, in an extremely convincing way, that this could happen in real life. And that decision of a down-to-earth superhero film helped “The Dark Knight” make the line between “superhero film” and “film (in Scorsese's point of view)” a little bit thinner, preparing the ground for several other movies that, sometime later, would invest in more realistic stories, such as “Watchmen” and “Logan”. Another aspect that the screenwriters are extremely good at is constructing its villain. Because, when you think of the Joker, the first thing that comes to mind is his classic origin story, where he falls into a vat of toxic chemicals and that leads him to lose his sanity. But here, the Nolan brothers manage to build a more human Joker, who comes up with several “origin stories” (which is a tremendous reference to the villain's classic line in “The Killing Joke”: “If I'm going to have a past, I prefer it to be multiple choice.”) only to get to the point that he is an agent of chaos, that he only wants, in the words of Alfred Pennyworth, “to watch the world burn”. And something that this film invests even more in than its predecessor is the plot's psychological content. While, in “Batman Begins”, that content was focused on the hallucinations caused by the Scarecrow; in the sequel, it is focused on real-life decisions, especially on those known as “Sophie's choices”, where you have two options, and you have to think really hard, as you have to choose only one of them. This helps a lot in developing its protagonist in a deeper way, and these decisions end up making an emotional impact on him, with him still bearing the scars of the consequences of his choices. And that was simply revolutionary for comic book movies back then. Besides delivering a really engaging story, the script also deals with some interesting themes, such as identity problems, and how some decisions can destroy one's identity and build another corrupt one; the duality between order and chaos; the impact of terrorism in people's lives and how it can help build new villains (which makes an extraordinary parallel with 9-11), and much, much more. In a nutshell, the Nolan brothers, through the magnificent screenplay for “The Dark Knight”, help us understand that comic book movies are not there only to entertain, but also to deal with important questions that may help us understand our own reality.)

Boa parte do elenco de “Batman Begins” retorna na sequência, mais notavelmente Christian Bale como o personagem-título; Michael Caine como Alfred; Gary Oldman como o Comissário Gordon; e Morgan Freeman como Lucius Fox. Bale leva o personagem-título a uma profundidade não vista no primeiro filme; Caine continua sendo o Alfred perfeito, contando histórias e conselhos sábios e motivadores para seu patrão; Oldman se vê enfrentando novos riscos, se comparado com o antecessor; e Freeman novamente ajuda o protagonista em suas missões. Novas e interessantes adições ao elenco incluem Aaron Eckhart como Harvey Dent, e é extremamente incrível ver a desconstrução de sua persona política, e o declínio de sua sanidade, o que o leva à construção do clássico vilão Duas-Caras; e Maggie Gyllenhaal como Rachel Dawes, anteriormente interpretada por Katie Holmes, que tem vital importância tanto para o desenvolvimento do protagonista quanto para o de Dent. Mas a verdadeira estrela aqui é o falecido Heath Ledger como o Coringa. Ao tornar sua personalidade e sua história de origem bem maleáveis, Ledger já diferencia sua versão do Príncipe Palhaço do Crime de encarnações anteriores do personagem. Ele é realmente ameaçador, tem um senso de humor bem sádico e sarcástico, e junto com o Joaquin Phoenix, em “Coringa”, a performance de Ledger é uma das versões mais humanas e realistas do supervilão. É uma atuação tão marcante, que quando ele sai de tela, você mal pode esperar pela próxima aparição dele. Oscar de Melhor Ator Coadjuvante merecido.

(A good part of the cast for “Batman Begins” makes its return in the sequel, most notably Christian Bale as the title character; Michael Caine as Alfred; Gary Oldman as Commissioner Gordon; and Morgan Freeman as Lucius Fox. Bale takes the title character to a depth not seen in the first film; Caine keeps on being the perfect Alfred, telling wise and motivational stories and advice for his boss; Oldman sees himself facing new risks, if compared to the predecessor; and Freeman, once again helps the main character on his missions. New and interesting additions to the cast include Aaron Eckhart as Harvey Dent, and it's extremely amazing to see the de-construction of his political persona, and the decline of his sanity, which leads him to build the classic villain Two-Face; and Maggie Gyllenhaal as Rachel Dawes, previously portrayed by Katie Holmes, who is of vital importance to both the main character's development and Dent's. But the real star here is the late Heath Ledger as Joker. By making his personality and his origin story fluid, Ledger already makes his version of the Clown Prince of Crime different from previous incarnations of the character. He is truly threatening, has a really sadistic, sarcastic sense of humor, and along with Joaquin Phoenix in “Joker”, Ledger's performance is one of the most human and realistic portrayals of the supervillain. It's such a good performance, that when he walks out of the scene, you can't wait for his next appearace. He earned that Oscar for Best Supporting Actor.)

Novamente, os aspectos técnicos funcionam em harmonia com o roteiro e com os atores para somente aperfeiçoar o filme. A direção de fotografia do Wally Pfister fica cada vez mais cinematográfica, se diferenciando dos filmes normais de super-heróis e apostando em movimentos e truques de câmera que se aproximam mais de filmes propriamente ditos, de acordo com Martin Scorsese. (Risos.) As cenas de ação são extremamente bem coreografadas; a montagem é incrivelmente eficiente; a trilha sonora do Hans Zimmer e do James Newton Howard é de tirar o fôlego, apesar que parte de mim queria que a trilha sonora impecável da Hildur Gudnadóttir para “Coringa” fosse reeditada para as cenas específicas do Coringa, porque, na minha opinião, ela combina tanto com a versão do Phoenix quanto com a versão do Ledger. Me impressiona como esse filme ganhou poucos Oscars. De 8 indicações, entre elas Melhor Fotografia, Maquiagem e Penteado (por aquela maquiagem assustadoramente realista do Coringa), e Melhores Efeitos Visuais (pela transformação aterrorizante do Harvey Dent em Duas-Caras), o filme apenas levou o de Melhor Ator Coadjuvante para Heath Ledger e de Melhor Edição de Som. Mais um exemplo de oportunidades perdidas da Academia. Se tivessem indicado esse filme ao prêmio principal, tenho quase certeza que o resultado ia ser diferente.

(Once again, the technical aspects work in harmony with the screenplay and the actors to enhance the film's impact. Wally Pfister's cinematography just keeps on being more and more cinematic, standing out among normal superhero films and relying on camera movements and tricks that are closer to proper films, according to Martin Scorsese. (LOL.) The action scenes are extremely well-choreographed; the editing is incredibly effective; Hans Zimmer and James Newton Howard's score is breathtaking, although part of me wished that Hildur Gudnadóttir's flawless score for “Joker” was re-edited for the Joker scenes, as, in my opinion, it fits with both Phoenix's and Ledger's versions of the character. I was impressed at this film's performance in the Oscars. Out of 8 nominations, among them Best Cinematography, Makeup and Hairstyling (because of that harrowingly realistic Joker make-up), and Best Visual Effects (because of Harvey Dent's terrifying transformation into Two-Face), it only took home the awards for Best Supporting Actor for Heath Ledger and Best Sound Editing. And here we have one more example of the Academy's missed opportunities. If they had nominated this film to the main category, I'm pretty sure the results would be different.)

Resumindo, “Batman: O Cavaleiro das Trevas” é um filme revolucionário. O roteiro tornou os filmes de super-heróis em algo mais sério e realista; conta com uma das melhores atuações vencedoras do Oscar por meio de Heath Ledger; e explora o lado psicológico de seu protagonista de uma maneira bem mais profunda. Um verdadeiro ponto de virada para os filmes baseados em quadrinhos.

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “The Dark Knight” is a revolutionary film. The script turned superhero films into something more serious and realistic; it relies on one of the best Oscar-winning performances through Heath Ledger; and explores the psychological side of its main character in a much deeper way. A true turning point for comic book movies.

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)