"Amor e Monstros": uma comédia pós-apocalíptica com um coração pulsante (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para falar sobre um dos lançamentos mais recentes no catálogo original da Netflix! Munido de uma performance altamente carismática de seu protagonista, o filme em questão é uma comédia pós-apocalíptica com um coração pulsante, que, se analisada mais a fundo, revela paralelos realmente surpreendentes com o período em que vivemos hoje. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Amor e Monstros”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to talk about one of the most recent releases in Netflix's original catalog (or VOD, if you live in the US)! Armed with a highly charismatic performance by its protagonist, the film I'm about to analyze is a post-apocalyptic comedy with a beating heart, which, if analyzed on a deeper level, reveals really surprising parallels with the period we're living in today. So, without further ado, let's talk about “Love and Monsters”. Let's go!)

Ambientado sete anos após o surgimento de monstros apocalípticos a partir de uma emissão acidental de compostos químicos, o filme segue Joel (Dylan O'Brien), um jovem azarado e levemente covarde que se encontra deslocado no bunker subterrâneo onde vive. Quando ele descobre que sua namorada, Aimee (Jessica Henwick), está em uma colônia à 135km de distância, Joel pega os suprimentos necessários e embarca em uma jornada perigosa de sete dias para reencontrar seu amor.

(Set seven years after the rising of apocalyptic monsters from an accidental emission by chemical compounds, the film follows Joel (Dylan O'Brien), an unlucky, slightly cowardly young man who finds himself out of place in the underground bunker where he lives in. When he finds out that his girlfriend, Aimee (Jessica Henwick), is in a colony that's 85 miles away, Joel takes all the necessary supplies and embarks on a dangerous seven-day journey in order to reunite with his high-school sweetheart.)

Eu já tinha assistido à “Amor e Monstros” quando foi originalmente lançado nos EUA em 2020, mas decidi fazer a resenha agora pelo fato de ter sido lançado para um público maior (literalmente todo outro país além dos EUA) através da Netflix. Eu lembro ter gostado bastante. É uma comédia muito agradável e aconchegante, que tem como sua maior força a performance do Dylan O'Brien, mas que não tem medo de abordar temas sérios. Mas quando assisti ao filme novamente ontem com meu pai, uma gama enorme de possibilidades e aspectos que eu não tinha percebido na primeira vez se abriu para mim. Com isso dito, vamos falar do roteiro. Escrito por Brian Duffield, responsável pelo roteiro de “A Babá” e por escrever e dirigir o maravilhoso “Spontaneous” (ainda inédito no Brasil), e Matthew Robinson, o enredo de “Amor e Monstros” já tem um ponto positivo nos primeiros minutos de projeção. Contendo uma narração do protagonista, que explica como o mundo foi parar na situação onde os personagens se encontram, os roteiristas acertam por apostarem em uma alternativa realmente plausível como a razão de tudo “ir pro brejo”. Essa razão acaba por dar uma profundidade inesperada para o texto, mas abordarei esses aspectos mais para a frente. Falando de aspectos mais “superficiais”, é um filme levemente descompromissado, e funciona por causa disso. Se eu fosse comparar com outras obras, “Amor e Monstros” seria “Cidades de Papel”, adicionando o senso de humor de “Zumbilândia” e a ambientação de “The Last of Us”. Uma das principais razões do funcionamento do roteiro é o desenvolvimento do seu protagonista, que encaixa perfeitamente no arquétipo do “pateta adorável”, normalmente encontrado em filmes do tipo. O percurso do Joel ao longo da história segue de forma bem fiel o conceito de jornada do herói, estabelecido por Joseph Campbell e Christopher Vogler, onde um protagonista com o qual o público se identifica aprende, através de provações e “empurrãozinhos”, a enfrentar seus medos e ajudar as pessoas próximas a ele, de acordo com todo o conhecimento obtido ao longo da jornada. Por seguir essa estrutura bem básica, o filme funciona de forma eficiente como puro entretenimento. É um filme engraçado, com piadas recorrentes, personagens cativantes, e cenas de ação muito bem elaboradas. Há um uso constante de narrações em voice-over, feito pelo protagonista, com o objetivo de inteirar o espectador sobre o que está passando pela cabeça dele naquele momento. Mas, além dos monstros, da jornada do herói e do carisma dos personagens, há um aspecto que realmente me impressionou no roteiro, me pegando até de surpresa. Mesmo tendo um ar mais leve e frenético por causa do entretenimento que o filme propõe, “Amor e Monstros” faz um uso perfeitamente estratégico de flashbacks, para lentamente permitir que o espectador saiba de toda a história nos momentos certos. Com isso, somos apresentados à uma nova camada do roteiro, que sempre estava lá desde o início. Assim como várias obras ambientadas em um cenário pós-apocalíptico, é uma história sobre perda, luto, sobrevivência, e o roteiro não tem medo de aprofundar nesses temas, adicionando uma carga emocional necessária para o enredo. Esse aprofundamento temático permite que nós, como espectadores, possamos nos aproximar mais dos personagens, que passaram pelas mesmas coisas que nós iremos passar um dia. Há algo que eu sempre espero quando vou ver um filme ambientado em um cenário pós-apocalíptico ou distópico: ao longo da trama, há sempre um momento onde o roteiro aperta o freio no percurso narrativo e investe em uma sequência mais contemplativa, para que o espectador, assim como o próprio protagonista, aprecie a beleza escondida daquela ambientação que, até aquele ponto, só se mostrava como altamente perigosa. E o roteiro de “Amor e Monstros” acerta em cheio nesse momento, que é um dos mais cativantes do filme. Além dos temas abordados e da beleza da ambientação, existe aqui uma metáfora brilhante que faz um paralelo surpreendente com o período em que vivemos atualmente. (Obrigado, papai, por ter esclarecido isso para mim.) Vamos olhar pelo enredo em geral: um cara vive trancado (e aparentemente seguro) em um bunker subterrâneo, para se proteger de monstros. Mas não demora muito para ele perceber que, mesmo em um abrigo, ele está exposto à essas criaturas, talvez tão exposto quanto ele estaria lá fora. Motivado pela vontade de reencontrar uma pessoa que ele não via há muito tempo, ele sai do abrigo, disposto a evitar e lutar contra todos os monstros para finalmente chegar ao seu destino. Ao estar lá fora, ele percebe que o exterior não era tão perigoso como faziam ele parecer, e que era possível sobreviver naquele ambiente, se todos os protocolos e regras fossem seguidos. Parece familiar? Olhando por esse lado, “Amor e Monstros” foi um filme que chegou na hora certa, e que faz um paralelo bem melhor com o período em que estamos vivendo através da metáfora dos monstros, ao contrário de outras obras que abordaram a pandemia do COVID-19 de uma forma mais direta. Resumindo, o roteiro de “Amor e Monstros” funciona perfeitamente como uma fonte de puro entretenimento, mas encontra suas maiores forças em uma profundidade temática impressionante e em um paralelo brilhante com a época em que vivemos atualmente.

(I had already watched “Love and Monsters” when it was originally released in the US in 2020, but I've decided to write the review now, as it is available for a much wider audience (literally every other country) through Netflix. I remember enjoying it a lot. It's a very crowd-pleasing, cozy comedy, which has Dylan O'Brien's performance as its biggest strength, but that also doesn't flinch when dealing with more serious themes. But when I watched the film again yesterday with my father, a whole new array of possibilities and narrative aspects I didn't notice the first time around opened itself for me. With that out of our way, let's talk about the screenplay. Written by Brian Duffield, who's responsible for Netflix's “The Babysitter” and for writing and directing the wonderful “Spontaneous”, and Matthew Robinson, the plot of “Love and Monsters” already has a positive point in its first minutes. Containing a voice-over narration by the protagonist, who explains how the world ended up in the situation the characters find themselves in, the screenwriters already have the upper hand for coming up with an actually plausible alternative as the reason why everything went wrong. This reason ends up giving the text an unexpected amount of depth, but I'll deal with these aspects later on. Talking about more “superficial” aspects, it's a slightly uncompromised film, which works because of its apparent lack of compromise. If I were to compare it to other similar works, “Love and Monsters” would be “Paper Towns”, adding the sense of humor from “Zombieland” and the setting for “The Last of Us”. One of the main reasons why the screenplay works is the development of its main character, who perfectly fits the “adorable goofball” archetype, which is common in films with the same vibe. Joel's journey throughout the plot faithfully follows the concept of the hero's journey, established by Joseph Campbell and Christopher Vogler, where a relatable main character learns, through several trials and “little pushes” by other people, to face their fears and help those who are close to them, according to all the knowledge obtained throughout the journey. Because it follows this very basic structure, the film efficiently works as pure entertainment. It's a funny film, with recurring gags, captivating characters and well-elaborate action scenes. There's a constant use of voice-over narrations, made by the protagonist, with the objective of keeping the viewer up to date with what's happening inside his head at the moment. But, besides the monsters, the hero's journey and the charismatic characters, there's an aspect that really impressed me about the screenplay, and even caught me by surprise. Even though it has a slightly light and fast-paced tone because of the entertainment it offers, “Love and Monsters” makes a perfectly strategic use of flashbacks, in order to slowly allow the viewer to see the entire picture at the right moments. With that, we are introduced to a whole new layer of the plot, which was already there the entire time. As it happens with several other works of fiction set in post-apocalyptic scenarios, it's a story about grief, loss, survival, and the screenplay isn't afraid to deal with these themes on a deeper level, adding a necessary amount of emotional weight to the plot. This thematic depth allows us, as viewers, to get closer to these characters, who went through the same things we will, one day. There's something I've always come to expect when I watch a film set in a post-apocalyptic or dystopian scenario: throughout the plot, there's always one moment in which the screenplay pulls its narrative forces to a full stop, and invests in a more contemplative sequence, in order for the viewer, as well as the protagonist, to enjoy the hidden beauty in that setting which, until that point, only showed itself as highly dangerous. And the screenplay for “Love and Monsters” nails it in that scene, which is one of the film's best. Besides the themes it deals with and the beauty of its setting, there's a brilliant metaphor here that makes a surprising parallel comparison with the time we're currently living in. (Thanks, Dad, for clarifying that to me.) Let's look at the general plot: a guy lives locked up (and apparently safe) in an underground bunker, to protect himself from monsters. It doesn't take long for him to realize that, even in a shelter, he's still exposed to these creatures, maybe as exposed as he would be out there. Motivated by the will to reunite with someone he doesn't see in a long time, he comes out of the shelter, willing to fight and avoid the monsters in order to reach his final destination. By being outside, he ends realizing that the outer world isn't as dangerous as everyone else made it look like, and that it is highly possible to survive outside, if all the rules and protocols are followed. Sounds familiar? Looking through that lens, “Love and Monsters” was a film that arrived at the right time, and that makes a much better connection with the time we're currently living in through the monster metaphor, unlike other works of fiction that dealt with the COVID-19 pandemic in a more straightforward manner. To sum it up, the screenplay for “Love and Monsters” works perfectly as a source of pure entertainment, but it finds its biggest strengths in an impressive thematic depth and in a brilliant parallel connection with the time we're currently living in.)

Grande parte do combustível que faz “Amor e Monstros” funcionar vem do carisma do elenco, que faz um trabalho excelente com o texto, injetando uma vida e personalidade diferenciadas de obras que seguem o mesmo rumo. A primeira menção, claramente, fica com o Dylan O'Brien. Ele interpreta aqui uma mistura entre o Q de “Cidades de Papel” e o Columbus de “Zumbilândia”. Para falar a verdade, quase todo personagem “principal” nesse filme segue um dos quatro arquétipos dos protagonistas de “Zumbilândia”, mas vou falar disso mais tarde. É impossível não sentir simpatia pelo personagem de O'Brien, ele é um daqueles protagonistas que conquista o espectador nos primeiros momentos em tela, especialmente por causa da personalidade dele. Assim como o Columbus, o protagonista de “Amor e Monstros” se direciona ao público através de narrações em voice-over, as quais são descontraídas e eficientes. O personagem de O'Brien tem uma química incrível com um cachorro, uma dinâmica que me lembrou muito de “Eu Sou A Lenda”, que é muito cativante. A personagem da Jessica Henwick, de modo similar, é uma mistura entre a Margo de “Cidades de Papel” e a Wichita de “Zumbilândia”, ou seja, ela é forte e independente, ao mesmo tempo que aparece muito pouco em tela, e mesmo assim, a atriz consegue exalar uma aura de mistério e importância, que acaba motivando o protagonista em seguir em frente com sua jornada. Os personagens do Michael Rooker e da Ariana Greenblatt são, de longe, os melhores do filme. Seguindo os mesmos passos de Tallahassee e Little Rock de “Zumbilândia”, os dois roubam todas as cenas em que aparecem, ao mesmo tempo que fazem boas adições à carga emocional do roteiro. O personagem do Dan Ewing me lembrou muito dos irmãos Hemsworth (Chris, Luke e Liam), principalmente pelo fato que os quatro são australianos. Ele me deixou pensando se um dos três irmãos teria um desempenho melhor no papel. Interpretando papéis mais secundários, temos aparições competentes de Ellen Hollman, Tre Hale, Pacharo Mzembe, Senie Priti, Amali Golden, Te Kohe Tuhaka, Tasneem Roc, Thomas Campbell e Melanie Zanetti, com esta última interpretando a voz de uma das melhores personagens do filme. Eu gostei tanto dos personagens desse filme que adoraria ver uma sequência ou um spin-off ambientado no mesmo universo fictício. E considerando que o filme terá uma maior visibilidade na Netflix, não desconsideraria uma possível franquia baseada em “Amor e Monstros”.

(A great part of the fuel that keeps “Love and Monsters” running comes from the charisma of the cast, which does a terrific job with the text, injecting life and personality into these characters in order to make the film different from other similar works of fiction. The first mention, clearly, goes to Dylan O'Brien. He plays here a mix between Q from “Paper Towns” and Columbus from “Zombieland”. To tell the truth, almost every “main” character in this movie follows one of the archetypes from the four protagonists of “Zombieland”, but more about that later on. It's impossible not to feel sympathy for O'Brien's character, he's one of those main characters who catch the viewer's attention from their first moments onscreen, mainly because of his personality. Just like Columbus, the protagonist of “Love and Monsters” addresses the audience through voice-over narrations, which are uncompromised yet efficient. O'Brien's character has an amazing chemistry with a dog, a dynamic that reminded me a lot of “I Am Legend”, which is really captivating. Jessica Henwick's character, likewise, is a mix between Margo from “Paper Towns” and Wichita from “Zombieland”, meaning that she's strong and independent, at the same time she appears for a short amount of screen time, and even so, the actress manages to exhale an aura of mystery and importance, which ends up motivating the main character towards continuing his journey. Michael Rooker and Ariana Greenblatt's characters are, by far, the best ones in the film. Following in the same footsteps as Tallahassee and Little Rock from “Zombieland”, the duo steals every scene they're in, at the same time they make good additions to the screenplay's emotional weight. Dan Ewing's character reminded me a lot of the Hemsworth brothers (Chris, Luke and Liam), mainly because of the fact all four of them are Australians. He made me wonder if one of the three brothers would play the role a little more convincingly. In more secondary parts, we have competent performances by Ellen Hollman, Tre Hale, Pacharo Mzembe, Senie Priti, Amali Golden, Te Kohe Tuhaka, Tasneem Roc, Thomas Campbell and Melanie Zanetti, with the latter also lending her voice to one of the film's best characters. I liked all of the film's characters so much, that I wouldn't mind seeing them again in a sequel or a spin-off set in the same fictional universe. And considering that the film will have a bigger visibility on Netflix, I wouldn't rule out a possible franchise based off “Love and Monsters”.)

Contando com um orçamento de apenas US$30 milhões, o que é uma pechincha, se comparado aos blockbusters da Marvel, fiquei impressionado com a sofisticação dos aspectos técnicos de “Amor e Monstros”. Grande parte disso deve vir do envolvimento do Shawn Levy, responsável por filmes como “Uma Noite no Museu”, “Gigantes de Aço” e séries como “Stranger Things”. Ele sabe como fazer um conceito ser visualmente agradável, e consegue adicionar um certo frenesi à uma proposta narrativa que pode ser enfadonha. A direção de fotografia do Lachlan Milne, conhecido pelo seu trabalho em “Minari” e na terceira temporada de “Stranger Things”, encontra seus melhores momentos ao focar no ambiente que cerca os personagens, que é inegavelmente lindo. É um trabalho bem dinâmico em cenas com um passo mais apressado, mas também consegue ser mais contemplativo em sequências mais lentas. A direção de arte faz um trabalho extremamente criativo no design dos monstros. Certas criaturas são desenhadas com o propósito de serem assustadoras, já outras possuem o aspecto “fofura” de alguns personagens monstruosos recentes, como os trolls de “Caçadores de Trolls”. A trilha sonora original do Marco Beltrami e do Marcus Trumpp segue as mesmas batidas de filmes como “Zumbilândia”, investindo em sons que expressam uma maior intensidade nas cenas de ação. Os efeitos visuais indicados ao Oscar são maravilhosos, adicionando uma textura quase realista para os monstros titulares, e trazendo um tom realmente vistoso e agradável para um ambiente que, na teoria, seria tudo menos isso.

(Relying on a budget of only US$30 million, which is a real bargain, if you compare it to Marvel-level blockbusters, I was impressed with how sophisticated the technical aspects for “Love and Monsters” are. A great part of that must come from Shawn Levy's involvement, who's best known for his work in films like “Night at the Museum”, “Real Steel” and TV shows like “Stranger Things”. He knows how to make a concept something visually appealing, and manages to add a fast pace to a likely tiresome narrative proposal. The cinematography by Lachlan Milne, known for his work in “Minari” and in season 3 of “Stranger Things”, finds its best moments when focusing in the environment that surrounds the characters, which is undeniably beautiful. It's a pretty dynamic work in scenes with a faster pace, but it also manages to be more contemplative in scenes that are slower-paced. The art direction does an extremely creative job when designing the monsters. Some creatures are drawn with the main objective of being scary, yet others have the “cute” aspect of some recent monstruous characters, such as the trolls from “Trollhunters”. Marco Beltrami and Marcus Trumpp's original score follows the same beats as in films such as “Zombieland”, investing in sounds that express a larger intensity in the action scenes. The Oscar-nominated visual effects are marvelous, adding an almost-realistic texture to the titular monsters, and bringing a really sumptuous, pleasant tone to an environment that, theoretically, would be anything but that.)

Resumindo, “Amor e Monstros” é uma comédia pós-apocalíptica com um coração pulsante. Funcionando como puro entretenimento, mas também abrindo portas para interpretações brilhantes, o filme encontra suas maiores forças na profundidade temática e no teor metafórico da história, além de contar com um elenco mega carismático e aspectos técnicos extremamente sofisticados. Realmente espero que a Netflix e a Paramount se reúnam pra transformar esse filme em uma franquia!

Nota: 9,5 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Love and Monsters” is a post-apocalyptic comedy with a beating heart. Working as a source of pure entertainment, but also opening doors for brilliant interpretations, the film finds its biggest strengths in the story's thematic depth and metaphorical tone, and it also relies on a cast that overflows with charisma and highly sophisticated technical aspects. I really hope that Netflix and Paramount consider turning this film into a full-fledged franchise!

I give it a 9,5 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

Oscar 2021: Os indicados a Melhor Filme, ranqueados (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para trazer para vocês o meu ranking anual dos indicados ao Oscar de Melhor Filme! Desde 2018, marcado como o primeiro ano em que consegui assistir a todos os indicados à categoria principal da premiação mais importante do mercado cinematográfico, estive fazendo estes rankings, e este ano, temos um diferencial significativo, já que todos os filmes indicados têm sua própria resenha no blog! Então, sem mais delongas, vamos falar sobre os indicados a Melhor Filme no Oscar 2021! Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to bring you my annual ranking of the nominees for the Oscar for Best Picture! Since 2018, marked as the first year I've managed to watch every nominee to the main category in the most important award ceremony for the filmmaking market, I've been writing these rankings, and this year, we have a significant turning point, as every film nominated has its own review right here, in the blog! So, without further ado, let's talk about the nominees for Best Picture at the 93^rd Academy Awards! Let's go!)

Bom, para começo de conversa, na minha opinião, todos os filmes indicados este ano são, no mínimo, bons. Não há nenhum que eu completamente descartaria aqui. O grande destaque nessa edição em particular é que a grande maioria dos indicados foi lançada em serviços de streaming nos EUA, como “Nomadland” (Hulu) e “Judas e o Messias Negro” (HBO Max), juntamente com os filmes já originais de serviços como Netflix e Amazon Prime Video. No geral, acho que foi uma categoria bem justa. Há algo pra todo mundo aqui. E, como cada filme indicado tem sua própria resenha no blog, deixarei o link abaixo de cada comentário que fizer. Claro, houveram grandes filmes esse ano que nem foram indicados à categoria principal. Então, após o ranking propriamente dito, farei uma seção de filmes que deveriam ter sido indicados, com o objetivo de preencher a cota máxima de 10 longas-metragens concorrendo à categoria de Melhor Filme. Então, vamos começar!

(Well, for starters, in my opinion, all the nominated films this year are, at least, good. There isn't any film here I'd completely discard. The big highlight in this particular edition is that the great majority of the nominees was released in streaming services in the US, such as “Nomadland” (Hulu) and “Judas and the Black Messiah” (HBO Max), along with the original programming films from services such as Netflix and Amazon Prime Video. Generally, I think it was a very fair category. There's something for everyone here. And, as every nominated film has its own review on the blog, I'll leave the link below every comment I make. Sure, there were great films this year that didn't even get nominated to the main category. So, after the ranking itself, I'll make an extra section containing films that should've been nominated, in order to fill the maximum quota of 10 features running against each other for the Best Picture category. So, let's begin!)

8. “MANK” (2020), dirigido por David Fincher – Original Netflix – Indicado a 10 Oscars

   (“MANK” (2020), directed by David Fincher – Netflix Original Film – Nominated for 10 Oscars)

Não me entendam errado, eu adorei o novo filme de David Fincher. Há muito do que gostar aqui. O compromisso técnico que o cineasta mostrou para recriar a época que ele queria retratar é altamente admirável. As granulações na fotografia em preto-e-branco, a direção de arte extremamente fiel à Hollywood dos anos 1930, o design de som feito em mono ao invés de estéreo, a trilha sonora de Trent Reznor e Atticus Ross usando apenas instrumentos disponíveis na época retratada. Já de cara, posso dizer com tranquilidade que “Mank” é o principal concorrente em grande parte das categorias técnicas, como Melhor Direção de Arte, Fotografia e Som. Foi uma indicação merecida à Melhor Direção para David Fincher. Esse compromisso é complementado por primorosas performances de Gary Oldman e Amanda Seyfried, ambos indicados a Melhor Ator e Atriz Coadjuvante, respectivamente. Com isso dito, “Mank” é o filme menos acessível indicado na categoria principal. O espectador precisa cumprir certos pré-requisitos para mergulhar fundo na odisseia que o cineasta criou, sendo o principal desses pré-requisitos um conhecimento ao menos básico de “Cidadão Kane”, filme de 1941 que é um ponto narrativo principal no enredo de “Mank”. É um filme bem lento para o espectador comum, e pode testar a sua paciência. Mas, para aqueles que adoraram a obra-prima de Orson Welles, há um estudo fascinante sobre a mente inspirada de um roteirista na composição de sua melhor obra aqui, complementada por comparações fantásticas entre eventos da vida real e o decorrer da narrativa de “Cidadão Kane”.

Link para a resenha: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2020/12/mank-uma-viagem-fascinante-pela-mente.html

(Don't get me wrong, I loved David Fincher's new film. There's a lot to like here. The technical commitment the filmmaker showed in order to recreate the time he wanted to portray is highly admirable. The little granulations in its black-and-white cinematography, the extremely faithful production design to 1930s Hollywood, the sound design made in mono instead of stereo, Trent Reznor and Atticus Ross's score using only instruments that were available at the time the film's set in. Right off the bat, I can safely say that “Mank” is the film to beat in a great part of the technical categories, such as Best Production Design, Cinematography and Sound. David Fincher earned a worthy nomination for Best Director. This commitment is complemented by wonderful performances by Gary Oldman and Amanda Seyfried, both nominated for Best Actor and Supporting Actress, respectively. With that said, “Mank” is the least accessible film nominated in the main category. The viewer needs to fulfill certain requirements to dive deeper into the odyssey the filmmaker has created, the main of them being a superficial, basic knowledge of “Citizen Kane”, a 1941 film that plays a major narrative part in the plot of “Mank”. It's a really slow-paced film for the average viewer, and it may test your patience. But, to those who adored Orson Welles's masterpiece, there's a fascinating study on the inspired mind of a screenwriter while composing his finest work here, complemented by fantastic comparisons between real-life events and the unraveling of the narrative of “Citizen Kane”.

Link for the review: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2020/12/mank-uma-viagem-fascinante-pela-mente.html)

7. “OS 7 DE CHICAGO” (2020), dirigido por Aaron Sorkin – Original Netflix – Indicado a 6 Oscars

   (“THE TRIAL OF THE CHICAGO 7” (2020), directed by Aaron Sorkin – Netflix Original Film – Nominated for 6 Oscars)

Não tem como: a Academia AMA Aaron Sorkin. E como não amar? Os diálogos surpreendentemente dinâmicos, afiados e cativantes, o desenvolvimento primoroso de seus personagens, o passo friamente calculado de suas histórias. Se não fosse por um filme que irei mencionar posteriormente, tranquilamente daria o Oscar de Melhor Roteiro Original para Sorkin. Liderado por um dos melhores elencos conjuntos dos últimos anos, o qual inclui nomes como Sacha Baron Cohen, Joseph Gordon-Levitt, Frank Langella, Michael Keaton e Eddie Redmayne, “Os 7 de Chicago” funciona perfeitamente como um “filme-protesto”, fazendo uso eficiente de eventos reais do passado para se comunicar com temas ainda presentes nos tempos atuais. Mesmo que não tenha a urgência de outro indicado a Melhor Filme, o roteiro de Sorkin resulta em um filme pesado, relevante e necessário para os dias atuais. Também acho que “Os 7 de Chicago” não irá sair de mãos vazias, sendo o principal concorrente à Melhor Montagem, a qual é absolutamente necessária para o filme funcionar, levando em conta o teor dinâmico do roteiro de Sorkin. Assistam ao filme. Garanto que não irão se decepcionar.

Link para a resenha: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2020/10/os-7-de-chicago-usando-o-passado-para.html

(There's no excuse: the Academy LOVES Aaron Sorkin. And what's not to love? His surprisingly dynamic, razor-sharp, captivating dialogues, the wonderful development of his characters, the coldly calculated pacing of his stories. If it wasn't for a film I'll discuss a little further, I'd easily hand the Oscar for Best Original Screenplay to Sorkin. Led by one of the best ensemble casts in recent memory, which includes names such as Sacha Baron Cohen, Joseph Gordon-Levitt, Frank Langella, Michael Keaton and Eddie Redmayne, “The Trial of the Chicago 7” works perfectly as a “protest movie”, making an effective use of past real-life events to communicate with themes that are still present in our days. Even if it doesn't have the urgency of another Best Picture-nominee, Sorkin's screenplay results in a heavy, relevant and necessary film for today's times. I also think that “The Trial of the Chicago 7” won't leave the ceremony empty-handed, being the main contender for Best Film Editing, which is absolutely necessary for the film to work, due to the dynamic tone of Sorkin's screenplay. Watch this movie. I guarantee you won't be disappointed.

Link for the review: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2020/10/os-7-de-chicago-usando-o-passado-para.html)

6. “BELA VINGANÇA” (2020), dirigido por Emerald Fennell – 09 de abril nos cinemas – Indicado a 5 Oscars

   (“PROMISING YOUNG WOMAN” (2020), directed by Emerald Fennell – Available on VOD and Blu-ray – Nominated for 5 Oscars)

O mais próximo que teremos de um “filme de gênero” na categoria esse ano, “Bela Vingança” é um suspense tenso, realista e, principalmente, relevante para os dias atuais. Um trabalho autoral primoroso da diretora estreante Emerald Fennell, que fez história como uma das duas mulheres indicadas ao prêmio de Melhor Direção, o roteiro investe em uma veia mais original na fórmula dos thrillers de vingança, injetando uma dose ácida de humor negro e fazendo uma escolha crucial que diferencia o modus operandi de sua protagonista do resto das personagens principais de filmes que seguem o mesmo enredo. Por causa dessa escolha, Fennell consegue criar uma aura sufocante de tensão, fazendo o espectador roer as unhas e, ao mesmo tempo, refletir sobre a situação que motiva a protagonista. É um roteiro afiado, relevante, original e reflexivo, que certamente começará discussões necessárias, e por isso, acho que “Bela Vingança” é o principal concorrente ao Oscar de Melhor Roteiro Original. Além da engenhosidade do roteiro, temos aqui a melhor performance da Carey Mulligan, que concorre com grandes nomes como Viola Davis e Frances McDormand ao prêmio de Melhor Atriz. Ela consegue misturar perfeitamente o aspecto vingativo e frio que a personalidade da personagem dela requer com uma sensibilidade fantástica, a qual permite que o espectador crie empatia com a protagonista. Foi uma das melhores performances do ano passado, e mesmo concorrendo com grandes nomes, não descartaria a vitória de Mulligan na categoria.

Link para a resenha: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2021/01/bela-vinganca-um-suspense-tenso-e.html

(The closest we'll be of having a “genre film” being nominated this year, “Promising Young Woman” is a tense, realistic and, mainly, relevant thriller for today's times. A wonderful authoral work by debut writer-director Emerald Fennell, who made history as one of the two women nominated for Best Director, the screenplay invests in a more original twist in the revenge thriller formula, injecting an acid dose of dark humor and making a crucial choice that differs its protagonist's modus operandi from the rest of main characters of movies that follow the same script pages. Because of that choice, Fennell manages to create a suffocating aura of tension, making the viewer bite their nails and, at the same time, reflect on the situation that motivates the protagonist. It's a razor-sharp, relevant, original and thought-provoking screenplay, which will certainly spark some necessary discussions, and because of that, I think that “Promising Young Woman” is the main contender for the Oscar for Best Original Screenplay. Besides the screenplay's ingenious nature, we have the best performance from Carey Mulligan here, who competes with big names such as Viola Davis and Frances McDormand for the Best Actress award. She manages to perfectly mix the cold, vindictive aspect that her character's personality requires with a fantastic sensibility, which allows the viewer to create empathy for the protagonist. It was one of the best performances from last year, and even though she's running with big names, I wouldn't discard Mulligan's win in this category.

Link for the review: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2021/01/bela-vinganca-um-suspense-tenso-e.html)

5. “O SOM DO SILÊNCIO” (2020), dirigido por Darius Marder – Original Amazon Prime Video – Indicado a 6 Oscars

   (“SOUND OF METAL” (2020), directed by Darius Marder – Amazon Prime Video Original Film – Nominated for 6 Oscars)

Eu sinceramente me arrependi de não ter visto esse filme na época de lançamento. Provavelmente o melhor filme original do catálogo da Amazon Prime Video, “O Som do Silêncio” é um tremendo estudo de personagem. O roteirista e diretor Darius Marder consegue nos inserir dentro da cabeça de seu protagonista com primor, com o espectador vendo a história através dos olhos dele. Esse estudo é liderado por performances fantásticas de Riz Ahmed e Paul Raci, ambos merecedores de suas indicações à Melhor Ator e Melhor Ator Coadjuvante, respectivamente. Mas o real destaque em “O Som do Silêncio” fica, ironicamente (ou não), no design de som, o qual é maravilhoso. Como o filme conta a história de um baterista que fica gradualmente surdo, o som interpreta um papel de grande importância no enredo de Marder. O contraste que é feito entre os primeiros minutos, que propositalmente são os mais barulhentos do longa, e o que vem depois é perfeito. É literalmente coisa de gênio. E a jornada de auto-aceitação e adaptação a essa nova realidade que seguimos juntamente com o protagonista é altamente cativante. Há uma troca de diálogos feita entre os personagens de Ahmed e Raci que diz muito sobre a situação que as pessoas com problemas auditivos enfrentam diariamente, enxergando sua surdez não como uma deficiência, mas um novo modo de ver o mundo. E eu amei isso. Com isso dito, acho que “O Som do Silêncio” certamente leva o Oscar de Melhor Som (unificando Edição e Mixagem de Som em uma só categoria), e que não descartaria as vitórias de Ahmed e Raci em suas respectivas categorias, mesmo com uma competição pesada.

Link para a resenha: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2021/02/o-som-do-silencio-uma-experiencia.html

(I honestly regretted not watching this film when it was released. Probably the greatest original film in Amazon Prime Video's catalog, “Sound of Metal” is a tremendous character study. Writer-director Darius Marder manages to successfully put us inside his protagonist's head, with the viewer seeing the entire story through his eyes. That study is led to greater heights by fantastic performances by Riz Ahmed and Paul Raci, both earning their nominations for Best Actor and Supporting Actor, respectively. But the real highlight in “Sound of Metal” relies, ironically (or not), in the sound design, which is wonderful. As the film tells the story of a drummer that gradually becomes deaf, sound plays a major, important role in Marder's plot. The contrast made between the first minutes, which are purposefully the most noisy ones in the film, and what comes next is perfect. It's literally genius stuff. And the journey of self-acceptance and adaptation to a new reality that we follow along with the protagonist is highly captivating. There's an exchange of dialogue between Ahmed and Raci's characters that says a lot about the situation that people with hearing issues face on a daily basis, seeing their deafness not as a disability, but as a new way to see the world. And I loved that. With that said, I think “Sound of Metal” will certainly take home the Oscar for Best Sound (which puts Sound Editing and Mixing in a single category), and that I wouldn't fully discard Ahmed and Raci's wins in their respective categories, even if they're facing heavy competition.

Link for the review: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2021/02/o-som-do-silencio-uma-experiencia.html)

4. “MEU PAI” (2020), dirigido por Florian Zeller – Disponível em plataformas de aluguel e compra digital – Indicado a 6 Oscars

   (“THE FATHER” (2020), directed by Florian Zeller – Available on VOD – Nominated for 6 Oscars)

A verdadeira surpresa entre os 8 indicados, “Meu Pai” é aquele filme que, à primeira vista, você pode pensar em vários filmes que poderiam ter entrado no lugar, mas que, quando você realmente assiste o filme, você não consegue imaginar ele fora da competição. Fui assistir ao filme com zero expectativas, e no final, o diretor Florian Zeller e companhia tiraram o meu fôlego com o que eles fizeram aqui. Temos nesse filme, assim como em “O Som do Silêncio”, um estudo de personagem. Mas Zeller e o co-roteirista Christopher Hampton pegam esse teor imersivo da história e o usam ao seu favor, nos inserindo na cabeça de um homem idoso, cuja mente se encontra em constante deterioração. Essas condições permitem que os roteiristas nos levem em uma viagem fascinante, surreal e propositalmente confusa pela mente desse personagem, e é bem provável que essa viagem faça você derramar uma lágrima ou duas. Todo o teor emocional do filme é centrado na performance magistral do Anthony Hopkins, já que nós, como espectadores, vemos o desenrolar da história inteiramente pelos olhos do personagem dele. Há partes mais leves, onde Hopkins injeta um senso de humor sarcástico no protagonista, e partes onde ele literalmente desaba a chorar. Nessas partes, nós não conseguimos nos segurar e acabamos chorando junto com ele, tamanho o carisma do ator e o nosso investimento emocional com o personagem dele. A performance de Hopkins é complementada por um dos melhores papéis da Olivia Colman, cuja personagem se encontra em um constante dilema, e a atriz lida com essa situação de maneira muito humana. E, por último, como o filme é uma adaptação de uma peça de teatro, há um trabalho maravilhoso de construção de cenários na direção de arte que, devido à limitação de ambientações do roteiro, injeta muita vida e personalidade em um apartamento. A atuação do Anthony Hopkins foi a minha favorita do ano passado, e mesmo com o Chadwick Boseman merecidamente vencendo muitos dos prêmios de Melhor Ator dessa temporada, estou torcendo muito pelo eterno Hannibal Lecter para vencer o Oscar. Também não descartaria possíveis vitórias em Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Direção de Arte!

Link para a resenha: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2021/04/meu-pai-um-estudo-de-personagem.html

(The real surprise among the 8 nominees, “The Father” is that film that, at first, you can think of several films that could've taken its place, but that, when you actually watch it, you just can't imagine it being out of competition. I watched it with zero expectations, and in the end, director Florian Zeller and his crew took my breath away with what they've done here. We have in this film, as we do in “Sound of Metal”, a character study. But Zeller and co-writer Christopher Hampton take this immersive vein of the story and use it in their favor, putting us inside the head of an elderly man, whose mind finds itself in constant deterioration. These conditions allow the screenwriters to take us on a fascinating, surreal and purposefully confusing journey through this character's mind, and it's highly likely this journey will make you shed a tear or two. All of the film's emotional strength is centered around Anthony Hopkins's masterful performance, as we, as viewers, see the story unravel entirely through his character's eyes. There are some lighter parts, where Hopkins injects a sarcastic sense of humor into the protagonist, and also moments where he literally breaks down crying. During these parts, we can't help but cry together with him, due to the actor's enormous charisma and our emotional investment with his character. Hopkins's performance is complemented by one of Olivia Colman's finest roles. She plays someone who finds herself in a constant dilemma, and the actress is able to deal with this situation in a very human way. And, at last, as the film is a stage play adaptation, there's a wonderful work in set design in the art direction which, due to the screenplay's limited setting, injects lots of life and personality into an apartment. Anthony Hopkins's performance was the best one I've seen from last year, and although Chadwick Boseman is deservingly winning most of the Best Actor awards in this season, I'm really rooting for our eternal Hannibal Lecter to win the Oscar. I also wouldn't discard possible wins for Best Adapted Screenplay and Best Production Design!

Link for the review: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2021/04/meu-pai-um-estudo-de-personagem.html)

3. “JUDAS E O MESSIAS NEGRO” (2021), dirigido por Shaka King – Disponível nos cinemas – Indicado a 6 Oscars

   (“JUDAS AND THE BLACK MESSIAH” (2021), directed by Shaka King – Now playing in theaters – Nominated for 6 Oscars)

Assim como “Os 7 de Chicago”, “Judas e o Messias Negro” é um “filme-protesto”. Mas aí vai o diferencial do filme de Shaka King: é dirigido, escrito, produzido e protagonizado inteiramente por pessoas negras. Assim como o filme de Aaron Sorkin, “Judas” faz um uso extremamente eficiente de eventos passados da vida real para falar sobre temas que ainda são relevantes nos tempos atuais. E, ao contrário do filme de Sorkin, King não coloca nenhum filtro no seu retrato das questões raciais nos EUA. É um filme visceral, pesado, que incomoda e provoca o espectador com as brutalidades mostradas em tela, mas King e sua equipe de roteiristas fazem isso para se manterem fiéis à realidade dos eventos retratados, ao mesmo tempo que injetam um efeito dramático crescente à trama. A história do assassinato repentino de Fred Hampton é uma que ainda perdura nos dias de hoje. Uma história de injustiça, de luta, de resistência. E, por causa de todos os temas abordados, creio que seja um dos principais indicados à Melhor Filme. O enredo é trazido à vida pelas duas performances maravilhosas de Lakeith Stanfield e Daniel Kaluuya, ambos indicados ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante. Na performance de Stanfield, temos uma demonstração primorosa do potencial que o ator tem de se mostrar incerto sem emitir uma só palavra. E Daniel Kaluuya incorpora Fred Hampton com fidelidade, vigor e respeito, exalando a vivacidade e a força de seu personagem ao fazer discursos em frente à protestantes. São duas performances incríveis de dois dos melhores atores da nossa geração, e olhando as estatísticas, é altamente provável que Kaluuya merecidamente leve a estatueta para casa.

Link para a resenha: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2021/02/judas-e-o-messias-negro-um-chamado.html

(Just like “The Trial of the Chicago 7”, “Judas and the Black Messiah” is a “protest movie”. But there goes the different thing about Shaka King's movie: it is directed, written, produced and portrayed almost entirely by Black people. As it happens with Aaron Sorkin's film, “Judas” makes an extremely efficient use of past real-life events to talk about themes that are still relevant in today's times. And, unlike Sorkin's film, King doesn't put any filter over his portrayal of racial issues in America. It is a visceral, hard-hitting film, that bothers and provokes the viewer with the brutalities shown onscreen, but King and his writing crew do that to keep themselves faithful to the reality of the events portrayed here, at the same time they inject a growing dramatic effect to the plot. The story of Fred Hampton's sudden murder is one that still endures to this day. A story of injustice, of struggles, of resistance. And, because of all the themes it deals with, I believe it is one of the main nominees for Best Picture. The plot is brought to life by the two wonderful performances by Lakeith Stanfield and Daniel Kaluuya, with both of them being nominated for the Oscar for Best Supporting Actor. In Stanfield's performance, we have a tremendous demonstration of the actor's potential of showing uncertainty without saying a single word. And Daniel Kaluuya embodies Fred Hampton with faithfulness, vigor and respect, exhaling the liveliness and strength of his character while making speeches in front of a crowd of protesters. These are two amazing performances by two of the best actors in our generation, and by looking at the statistics, it's highly likely that Kaluuya deservingly takes this one home.

Link for the review: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2021/02/judas-e-o-messias-negro-um-chamado.html)

2. “MINARI – EM BUSCA DA FELICIDADE” (2020), dirigido por Lee Isaac Chung – 22 de abril nos cinemas – Indicado a 6 Oscars

   (“MINARI” (2020), directed by Lee Isaac Chung – Available on VOD – Nominated for 6 Oscars)

As campanhas que a A24 fez para a promoção de “Minari” na presente temporada de premiações destacavam o teor universal da história, caracterizando-o como “um filme para todo mundo”. E realmente é. Eu sei que na resenha individual que fiz do filme, eu dei uma nota menor do que muitos dos que estão citados aqui. Mas, ao aprender mais sobre a história por trás da inspiração do roteirista e diretor Lee Isaac Chung para o filme, vi ele novamente, o que acabou despertando em mim uma admiração pelo retrato que o diretor fez da própria família aqui. É um filme sobre pessoas que, inicialmente, se encontram com problemas de aceitação de sua nova realidade, e que, ao longo do enredo, conseguem encontrar soluções para esses problemas. Se alguém te pedir um filme que defina o que a maioria das pessoas considera como o “sonho americano”, recomende “Minari” para essa pessoa. É um filme onde pessoas lutam por seus sonhos, e enfrentam todo tipo de adversidade e obstáculo que tenta impedi-los de alcançarem seus destinos. Uma coisa que me cativou, particularmente, foi o retrato do cristianismo. Como cristão, fico bem feliz que alguém teve a iniciativa de retratar a igreja de uma forma que não seja crítica, debochada ou satírica. Temos aqui performances muito competentes de um elenco muito talentoso, o qual inclui o indicado ao Oscar de Melhor Ator Steven Yeun, o ator mirim Alan S. Kim (que rouba toda cena onde ele está presente) e a Yuh-jung Youn, que é a minha favorita para o prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante. “Minari” realmente é um filme para todo mundo. É um filme sobre família, sobre os dias bons e difíceis que ela enfrenta, equilibrando perfeitamente momentos leves e aconchegantes com cenas mais dramáticas, que acabam desenvolvendo os personagens e levando-os à conclusão de seus arcos narrativos. Não irei me surpreender nem me decepcionar se esse filme tirar a estatueta do favorito, que se encontra em primeiro lugar nessa lista.

Link para a resenha: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2021/02/minari-uma-historia-universal-sobre.html

(The campaigns that A24 made to promote “Minari” during this award season highlighted the universal tone of the story, calling it “a film for everyone”. And it actually is. I know that in my individual review of the film, I gave it a lower grade than many of the films I've mentioned here. But, when I learned a bit more about the story behind writer-director Lee Isaac Chung's inspiration for the film, I watched it again, which ended up sparking in me an admiration for the portrait the director made of his own family here. It's a film about people who, initially, find themselves having difficulties to accept their new reality, and who, throughout the story, manage to find solutions for these problems. If anyone asks you for a film that defines what most people consider to be the “American dream”, recommend “Minari” to that person. It's a film where people fight for their dreams, and face every kind of difficulty and obstacle that's preventing them of achieving their goals. One thing that, particularly, captivated me was its portrayal of Christianity. As a Christian, I'm really happy to see that someone had the inspiration to portray the Christian church in a way that isn't critical, satirical or debauched. We have here very competent performances from a very talented cast, which includes Best Actor-nominee Steven Yeun, child actor Alan S. Kim (who steals every scene he's in), and Yuh-jung Youn, who is my favorite nominee in the Best Supporting Actress category. “Minari” really is a film for everyone. It's a film about family, about the good and the hard days they face, perfectly balancing light and cozy moments with more dramatic scenes, which end up developing its chaacters and bringing them closer to the conclusion of their respective narrative arcs. I won't be surprised nor disappointed if this film steals the award from the season's favorite, which finds itself in first place in this list.

Link for the review: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2021/02/minari-uma-historia-universal-sobre.html)

1. “NOMADLAND” (2020), dirigido por Chloé Zhao – 15 de abril nos cinemas – Indicado a 6 Oscars

   (“NOMADLAND” (2020), directed by Chloé Zhao – Available on Hulu – Nominated for 6 Oscars)

Alguém esperava que qualquer outro filme ocupasse o primeiro lugar na minha lista a não ser o favorito da temporada, que já acumula mais de 130 vitórias em múltiplas categorias, fazendo de sua roteirista e diretora, a chinesa Chloé Zhao, a cineasta mais premiada em uma única temporada de premiações? Eu também não. Vencedor do Leão de Ouro do Festival de Veneza e do Prêmio do Público do Festival de Toronto, “Nomadland” serve como um holofote fascinante, que ilumina um estilo de vida muito presente, mas pouco retratado na cultura americana. Liderado por uma performance impactante e eletrizante de Frances McDormand, que se encontra cada vez mais perto de ganhar seu terceiro Oscar de Melhor Atriz, o novo filme de Chloé Zhao está destinado a fazer história no dia 25 de abril. Uma exploração sobre as consequências e efeitos colaterais que o luto e a perda têm sobre a vida de uma pessoa, a diretora utiliza a protagonista como a interlocutora entre o espectador e os vários nômades da vida real aqui retratados. Cada pequeno momento, diálogo e interação nesse filme são de extrema importância. Nenhuma cena aqui é descartável, tamanho o domínio que Zhao teve sobre seu filme, assumindo os papéis de direção, roteiro e montagem da obra, com a cineasta sendo indicada a 4 prêmios por todo o seu desempenho na produção do longa. E eu não vou ficar surpreso se ela acabar levando todos os quatro, porque realmente dá pra ver o controle que ela teve sobre “Nomadland”. Cada depoimento emitido por cada um dos nômades que contracenam com McDormand é injetado com uma dose de honestidade, humanidade e realismo que realmente permitem que nós, como espectadores, possamos saber as razões do porquê essas pessoas levam este estilo de vida em particular. É um filme tão cru, tão lindo e tão tecnicamente natural (inclusive, que trabalho de fotografia LINDO!), que se não fosse uma história de ficção, poderia ser classificado como um documentário. É um jeito da cineasta dizer: “Essa é a realidade como ela é”, e Zhao consegue fazer isso com primor. “Nomadland” é o cinema em sua forma mais pura e natural, mostrando uma cineasta sob total controle de sua obra, e por isso, é o principal concorrente (e meu favorito) ao Oscar de Melhor Filme.

Link para a resenha: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2021/02/nomadland-um-retrato-cultural.html

(Did anyone expect any other film to occupy first place in my list, if not the season's favorite, which is already stacking up a total of over 130 awards in several categories, making its writer and director, Chinese filmmaker Chloé Zhao, the most-awarded filmmaker in a single award season? Me neither. Winner of the Venice Film Festival's Golden Lion and the Toronto Film Festival's People's Choice Award, “Nomadland” serves as a fascinating spotlight, which shines a light upon a lifestyle that's very present, but isn't portrayed enough in American culture. Led by an impactful, electrifying performance by Frances McDormand, who finds herself closer to winning her third Oscar for Best Actress, Chloé Zhao's new film is destined to make history in April 25^th. An exploration on the consequences and side effects that grief and loss have on a person's life, the director uses the main character as an interlocutor between the viewer and the several real-life nomads portrayed here. Every small moment, dialogue and interaction in this film is absolutely important. There isn't a single disposable scene here, due to the immense domination Zhao had over her work, taking over the duties of directing, writing and editing, with the filmmaker earning four nominations for all her work in the film's production. And I won't be surprised if she ends up winning all four of them, as you can really see the control she had over “Nomadland”. Every statement made by each one of the nomads that share the screen with McDormand is injected with a dose of honesty, humanity and realism that really allow us, as viewers, to know the reasons why these people live in this particular lifestyle. It's a film that's so raw, so beautiful and so technically natural (by the way, what a GORGEOUS cinematography work!), that if it wasn't a fictional story, it could be classified as a documentary. It's a way the filmmaker finds of saying: “This is reality as it is”, and Zhao manages to do that masterfully. “Nomadland” is cinema in its most pure and natural way, showcasing a filmmaker in complete control of her craft, and therefore, it is the main contender (and my personal favorite) to the Oscar for Best Picture.

Link for the review: https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2021/02/nomadland-um-retrato-cultural.html)

FILMES QUE PODERIAM TER SIDO INDICADOS PARA PREENCHER AS DUAS VAGAS RESTANTES NA CATEGORIA:

(FILMS THAT COULD'VE BEEN NOMINATED IN ORDER TO FILL OUT THE TWO REMAINING SPOTS IN THE CATEGORY:)

• “A VOZ SUPREMA DO BLUES” (2020), dirigido por George C. Wolfe – Original Netflix – Indicado a 5 Oscars

  (“MA RAINEY'S BLACK BOTTOM” (2020), directed by George C. Wolfe – Netflix Original Film – Nominated for 5 Oscars)

Link para a resenha (Link for the review): https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2020/12/a-voz-suprema-do-blues-uma-celebracao.html

• “UMA NOITE EM MIAMI” (2020), dirigido por Regina King – Original Amazon Prime Video – Indicado a 3 Oscars

  (“ONE NIGHT IN MIAMI” (2020), directed by Regina King – Amazon Prime Video Original Film – Nominated for 3 Oscars)

Link para a resenha (Link for the review): https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2021/01/uma-noite-em-miami-um-chamado-mudanca.html

• “SOUL” (2020), dirigido por Pete Docter e Kemp Powers – Original Disney+ - Indicado a 3 Oscars

  (“SOUL” (2020), directed by Pete Docter and Kemp Powers – Disney+ Original Film – Nominated for 3 Oscars)

Link para a resenha (Link for the review): https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2020/12/soul-o-filme-mais-ambicioso-e-reflexivo.html

• “THE FORTY-YEAR-OLD VERSION” (2020), dirigido por Radha Blank – Original Netflix

  (“THE FORTY-YEAR-OLD VERSION” (2020), directed by Radha Blank – Netflix Original Film)

Link para a resenha (Link for the review): https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2020/10/the-forty-year-old-version-um-honesto.html

• “ESTOU PENSANDO EM ACABAR COM TUDO” (2020), dirigido por Charlie Kaufman – Original Netflix

  (“I'M THINKING OF ENDING THINGS” (2020), directed by Charlie Kaufman – Netflix Original Film)

Link para a resenha (Link for the review): https://nocinemacomjoaopedro.blogspot.com/2020/09/estou-pensando-em-acabar-com-tudo-o.html

É isso, pessoal! Espero que vocês tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Meu Pai": um estudo de personagem imersivo, fascinante e emocionante (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, e fico muito feliz em anunciar que, pelo terceiro ano seguido, consegui concluir a façanha de ter visto todos os indicados ao Oscar de Melhor Filme dessa temporada de premiações! E pela primeira vez nos 9 anos que escrevo no blog, terei feito resenhas para todos os indicados antes da cerimônia! Por isso, venho aqui trazer a resenha do único filme que faltava para eu ter repetido a façanha dos últimos dois anos, o qual estará disponível em plataformas de aluguel e compra digital no dia 9 de abril! Munido de um roteiro engenhoso e uma das melhores performances de seu protagonista, o filme em questão é um estudo de personagem fascinante, melancólico e surreal sobre as consequências de uma mente em deterioração. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Meu Pai”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, and I'm really glad to announce that, for the third year in a row, I managed to conclude the feat of watching all the nominees for the Oscar for Best Picture in this award season! And for the first time in these 9 years I've been writing for this blog, I've written reviews for all the nominees before the actual ceremony! Therefore, I come here to bring the review of the only film left for me to have repeated the same feat from the past two years! Armed with an ingenious screenplay and one of its protagonist's finest performances, the film I'm about to analyze is a fascinating, melancholic and surreal character study on the consequences of a deteriorating mind. So, without further ado, let's talk about “The Father”. Let's go!)

Baseado na peça “Le Père”, escrita por Florian Zeller, o filme acompanha o dia a dia de Anthony (Anthony Hopkins), um homem idoso que mora sozinho em um apartamento gigantesco e que recusa todo tipo de ajuda que sua filha (Olivia Colman) é capaz de oferecer. Ao tentar achar sentido nas suas circunstâncias em constante mudança, Anthony começa a duvidar de seus entes queridos, da sua própria mente e até da sua concepção de realidade.

(Based on the play “Le Père”, written by Florian Zeller, the film follows the everyday life of Anthony (Anthony Hopkins), an elderly man who lives by himself in a gigantic apartment, and who refuses every kind of assistance his daughter (Olivia Colman) is able to offer. As he tries to make sense of his constantly changing circumstances, Anthony begins to doubt his loved ones, his own mind and even the fabric of his reality.)

Eu realmente não esperava que “Meu Pai” fosse indicado ao Oscar de Melhor Filme. Com filmes como “Soul”, “A Voz Suprema do Blues” e “Uma Noite em Miami”, que falam de temas atemporais e altamente relevantes para os dias de hoje, na corrida, realmente foi uma surpresa ao ver o primeiro filme de Florian Zeller competir pela estatueta principal com gigantes como “Nomadland” e “Minari”. Antes de falar sobre o filme em si, gostaria de ressaltar que eu adoro filmes que abordam perda de memória, como “Amnésia”, de Christopher Nolan, e “Para Sempre Alice”, de Richard Glatzer e Wash Westmoreland. Mas mesmo que esses filmes tenham feito um belo trabalho ao lidar com um tema tão delicado, meu retrato favorito de perda de memória continua sendo um episódio de 11 minutos de “Hora de Aventura”, intitulado “I Remember You” (“Eu Me Lembro de Você”, em tradução livre). No episódio em questão, o antagonista da série, o Rei Gelado, convoca Marceline, a Rainha dos Vampiros, para compor uma canção, com o objetivo de conquistar o coração de cada princesa do Reino de Ooo. Mas o encontro entre os dois desenterra memórias até então esquecidas pelo vilão, resultando em um episódio emocionante, íntimo e altamente pessoal que desencadearia um estudo psicológico fascinante do personagem, que seria mais desenvolvido em episódios posteriores. Com isso dito, “Meu Pai” é o filme que chega mais perto de se equiparar a esse episódio de “Hora de Aventura” como o melhor retrato de uma mente em constante deterioração, para mim. O filme é co-escrito e dirigido pelo Florian Zeller, um dramaturgo francês que faz sua estreia na direção com o longa, baseado em uma peça que ele mesmo escreveu. O diretor compartilha os créditos do roteiro com o aclamado Christopher Hampton, dramaturgo e roteirista vencedor do Oscar, conhecido por adaptar peças estrangeiras para o inglês, como o tenso e sedutor “Ligações Perigosas”. Assim como aconteceu em outras adaptações teatrais de 2020, como os já citados “A Voz Suprema do Blues” e “Uma Noite em Miami”, “Meu Pai” tem seu enredo restrito à uma única ambientação, o que acaba combinando perfeitamente com a atmosfera íntima que Zeller e Hampton desejam evocar com o texto. Os dois roteiristas conseguem fazer aqui um estudo de personagem bem imersivo, algo bem similar com o que foi feito pelos irmãos Marder em “O Som do Silêncio”, no sentido que nós vemos todo o desenrolar da história pelo ponto de vista do protagonista. Mas o que eu realmente não esperava era que a estrutura do texto de Zeller e Hampton seguisse uma vibe no estilo Charlie Kaufman, diretor do fascinante (e subestimado) “Estou Pensando em Acabar com Tudo”. Ou seja, o longa de Zeller captura perfeitamente a honestidade, a empatia e o realismo que marcaram “O Som do Silêncio” e, devido ao tema principal abordado pelo roteiro, acaba evocando a atmosfera intrinsecamente complexa estabelecida pelo filme de Kaufman. Eu amei como os roteiristas conseguiram inserir o espectador dentro da cabeça do protagonista, e como o desenrolar da trama propositalmente acaba confundindo as duas partes. Isso desperta uma sensação de empatia entre nós e o personagem do Anthony Hopkins, que perdura durante os surpreendentemente curtos (porém concisos) 96 minutos de duração. Essa abordagem imersiva do estudo de personagem permite o uso de dois dos meus recursos favoritos, quando um filme envolve enredos complexos: a narrativa não-linear e o narrador não-confiável. A não-linearidade do enredo se faz presente em todo o roteiro, fazendo uso de momentos e falas repetidas que corroboram com o caráter cíclico da enfermidade do protagonista, que, devido à sua condição mental, se torna um narrador não-confiável, sendo frequentemente contradito pelas pessoas ao seu redor. E nós, como espectadores inseridos no psicológico do personagem de Hopkins, somos levados a confiar na versão dele, e acabamos nos confundindo quando o próprio protagonista se confunde. Pode parecer complexo às vezes, mas o roteiro de Zeller e Hampton funciona perfeitamente. Mesmo seguindo uma vibe mais “Kaufmanesca” em algumas cenas, o verdadeiro destaque da trama é a humanidade que os roteiristas injetam no retrato de uma pessoa cuja mente se encontra em constante deterioração. Os pequenos momentos onde o protagonista investe em um hábito repetitivo, como procurar seu relógio, ou talvez a constante e crescente dificuldade que ele tem ao viver por conta própria, se tornando quase dependente da filha. São cenas dotadas de tamanho realismo que funcionam ao servirem de contraste com as sequências mais surreais do longa. O final é simplesmente fantástico. Se as pessoas pensaram que “Interestelar” e “A Origem” foram confusos, esperem até ver o final de “Meu Pai”. De um modo similar à filmes como “Nós”, “Ilha do Medo” e o próprio “Estou Pensando em Acabar com Tudo”, a conclusão do filme de Florian Zeller nos faz ver o enredo inteiro sob uma perspectiva completamente nova, despertando várias perguntas na cabeça do espectador, que podem ser respondidas ao assistir ao longa novamente. Resumindo, o roteiro de “Meu Pai” mistura um realismo honesto com um surrealismo fascinante, resultando em uma experiência imersiva e em uma relação cheia de empatia entre o espectador e o protagonista. Realmente foi um filme merecedor da sua indicação à Melhor Filme.

(I really wasn't expecting “The Father” to be nominated for the Oscar for Best Picture. With films like “Soul”, “Ma Rainey's Black Bottom” and “One Night in Miami”, which deal with timeless and highly relevant themes for today's times, in the race, it really was a surprise for me to see Florian Zeller's first film compete for the main statue along with giants such as “Nomadland” and “Minari”. Before I start talking about the film itself, I'd like to state that I adore films that deal with memory loss, such as Christopher Nolan's “Memento”, and “Still Alice”, directed by Richard Glatzer and Wash Westmoreland. But even if these films did a beautiful job in portraying such a delicate theme, my favorite portrait of memory loss is still an 11-minute episode of “Adventure Time”, titled “I Remember You”. In that episode, the show's antagonist, the Ice King, invites Marceline, the Vampire Queen, to write a song, with the objective of conquering the hearts of every princess in the Land of Ooo. But their encounter unearths memories long forgotten by the villain, resulting in an emotional, intimate and highly personal episode, that would unlock a fascinating character study of the Ice King, who would be more developed in further episodes. With that said, “The Father” is the film that's the closest of being an equal to that “Adventure Time” episode as the greatest portrait of a constantly deteriorating mind, for me. The film is co-written and directed by Florian Zeller, a French playwright who makes his directing debut here, based on a play that he wrote. The filmmaker shares screenwriting credits with the acclaimed Christopher Hampton, an Oscar-winning playwright and screenwriter who's known for adapting foreign-language plays into English, such as the tense and seductive “Dangerous Liaisons”. As it happened with other theatre adaptations in 2020, such as the aforementioned “Ma Rainey's Black Bottom” and “One Night in Miami”, “The Father” has its plot restricted to a single setting, which ends up being a perfect match to the intimate vibe that Zeller and Hampton wish to evoke with the text. The two screenwriters manage to make a character study here, much alike what the Marder brothers did in “Sound of Metal”, in a way we see the entire unraveling of the plot through the protagonist's point of view. But what I really didn't expect was that Zeller and Hampton's plot structure ended up following a vibe that's similar to the work of Charlie Kaufman, who directed the fascinating (and underrated) “I'm Thinking of Ending Things”. Meaning, Zeller's film perfectly captures the honesty, empathy and the realism that marked “Sound of Metal” and, due to the main theme portrayed by the screenplay, it ends up evoking the intrinsecally complex atmosphere of Kaufman's film. I loved how the screenwriters managed to put us inside the head of the protagonist, and how the story's unraveling purposefully ends up confusing both parties. This awakens a sense of empathy between us and Anthony Hopkins's character, which endures through its surprisingly short (although concise) 96-minute runtime. This immersive approach to a character study allows the use of two of my favorite resources, when it involves a film with a complex plot: the non-linear narrative and the unreliable narrator. The plot's non-linear structure is present throughout the entire script, making use of repeated moments and lines of dialogue that play along with the cyclical nature of the protagonist's illness, which ends up turning him into our unreliable narrator, as he is frequently contradicted by those around him. And we, as viewers put inside the psyche of Hopkins's character, tend to believe his side of the story, and end up getting confused when the protagonist himself gets confused. It might seem complex at some times, but Zeller and Hampton's screenplay works perfectly. Even though it follows a more “Kaufmanesque” vibe in some scenes, the plot's real highlight is the humanity the screenwriters inject in their portrait of a person whose mind is constantly falling apart. The small moments where the protagonist engages in repetitive habits, such as searching for his watch, or maybe the constant and growing difficulty he faces when living by himself, depending almost completely of his daughter. These scenes are gifted with such a great amount of realism, and they work perfectly when serving as a contrast for the film's most surreal sequences. The ending is simply fantastic. If people thought “Interstellar” and “Inception” were confusing, wait until you see the ending to “The Father”. In a similar way to films like “Us”, “Shutter Island” and even “I'm Thinking of Ending Things”, the conclusion of Florian Zeller's film makes us see the entire plot under a whole new perspective, making several questions appear on the viewer's mind, which may be answered after repeated viewings. To sum it up, the screenplay for “The Father” mixes honest realism with a fascinating surreality, resulting in an immersive experience and in an empathy-filled relationship between viewer and protagonist. It was definitely worthy of that Best Picture nomination.)

O elenco do filme de Zeller é composto pela nata, pela realeza dos atores britânicos, e mesmo sendo reduzido, cada ator e atriz nesse elenco dá um verdadeiro show. Eu AMEI a atuação do Anthony Hopkins. Se você assistir ao filme e não sentir empatia pelo personagem dele em nenhum momento, sinto muito, mas você assistiu de maneira errada. Eternizado como o icônico serial killer Hannibal Lecter de “O Silêncio dos Inocentes”, o ator, aos 83 anos, mostra que ainda sabe perfeitamente o que faz, merecendo sua indicação ao prêmio de Melhor Ator. A confusão que o rosto dele demonstra ao sofrer uma das várias “reviravoltas” do enredo é crível e feita de forma essencialmente humana. Os pequenos momentos mencionados anteriormente são uma das melhores formas que os roteiristas encontram de desenvolver o personagem dele, e Hopkins consegue transmitir todos os sintomas e todas as circunstâncias sofridas por uma pessoa com demência perfeitamente em sua performance. Há algumas sequências onde o protagonista literalmente desaba e derrama uma enchente de lágrimas, e o espectador não consegue resistir à tentação de chorar junto com ele, tamanha a honestidade da atuação de Hopkins e a empatia que criamos com o seu personagem. Sei que o Chadwick Boseman é o principal candidato à estatueta de Melhor Ator, mas certamente não colocaria a performance de Hopkins fora da consideração. Em seguida, temos a maravilhosa Olivia Colman, que está merecidamente indicada ao prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante. Eu adorei a incerteza e a divisão que a personagem dela demonstra entre deixar o pai viver sua vida e cogitar em colocá-lo em um asilo. Ela é a âncora literal e emocional do personagem de Hopkins à realidade distorcida que ele está vivendo, e a atriz acertou em cheio nessa performance. E por último, temos o Rufus Sewell, cujo personagem vive persuadindo sua esposa (vivida por Colman) à colocar o pai em um asilo. Cada coisa que ele faz tem o objetivo de despertar um ódio no espectador, e o ator faz isso perfeitamente. O Mark Gatiss, a Imogen Poots e a Olivia Williams entregam performances memoráveis e fantásticas, mas o quanto menos eu falar sobre os personagens deles, melhor, então irei parar por aqui.

(The cast in Zeller's film is composed by the cream of the crop, the absolute royalty of British actors, and even though there is a very small quantity of actors, every performer gives a knockout performance here. I LOVED Anthony Hopkins's performance. If you watch the movie and you don't end up feeling empathy for his character at any point, I'm sorry, but you watched it wrong. Made eternal as the iconic serial killer Hannibal Lecter from “The Silence of the Lambs”, the actor, at 83 years of age, shows he's still perfectly able to do what he does best, earning his nomination for Best Actor. The confusion his face shows when going through one of the plot's many “twists” is believable and made in an essentially human way. The aforementioned small moments are one of the best ways the screenwriters find to develop his character, and Hopkins manages to perfectly transmit every symptom and circumstance that a person with dementia suffers in his performance. There are some sequences where the protagonist literally breaks down crying, and the viewer can't help but cry along with him, due to the honesty in Hopkins's performance and the empathy we've created with his character. I know that Chadwick Boseman is the frontrunner for the award for Best Actor, but I certainly wouldn't take Hopkins's performance out of consideration. Then, we have the wonderful Olivia Colman, who is deservingly nominated for Best Supporting Actress. I loved the uncertainty and division her character demonstrates between letting her father live his life and considering to put him in a nursing home. She is the literal and emotional anchor that tethers Hopkins's character to his twisted reality, and the actress nailed that in her performance. And at last, we have Rufus Sewell, whose character keeps persuading his wife (portrayed by Colman) to put her father in a nursing home. Every thing he does has the objective of making the viewer hate him, and the actor manages to do that perfectly. Mark Gatiss, Imogen Poots and Olivia Williams all deliver memorable, fantastic performances, but the less I talk about their characters, the better, so I'll stop right here.)

E por último, mas definitivamente não menos importante, temos os aspectos técnicos. A começar pela direção de fotografia do Ben Smithard, que consegue evocar uma aura grandiosa, sempre em expansão, mesmo com o enredo restringindo as locações à somente uma ambientação. O trabalho de Smithard casa perfeitamente com a montagem indicada ao Oscar do Yorgos Lamprinos, que é absolutamente essencial para a composição das cenas mais surreais do longa. Temos aqui mais uma trilha sonora magistral do pianista italiano Ludovico Einaudi. Depois de um trabalho extraordinariamente melancólico em “Nomadland”, Einaudi aumenta a ambição de suas composições adicionando uma dose generosa de violino, que combina perfeitamente com as cenas mais tensas e complexas do longa, mas não abandona a delicadeza do piano, que colabora para o tom mais humano da história. E por fim, temos a maravilhosa direção de arte. Merecidamente indicada ao Oscar, a equipe de decoração de sets, os figurinistas, maquiadores, e todos os outros participantes do departamento de arte do filme conseguem injetar vida e personalidade à um apartamento. A maneira que ele foi desenhado dá ao cenário uma impressão incrível de grandeza, como se fosse um edifício enorme, mesmo sendo entre quatro paredes. Eu não lembro de uma direção de arte tão significativa nas outras adaptações de peças de teatro de 2020. Eu amei todo o trabalho técnico que foi feito em “Meu Pai”, e especialmente a direção de arte é o principal concorrente de “Mank” no Oscar, onde o filme de David Fincher provavelmente irá dominar nas categorias técnicas.

(And at last, but definitely not least, we have the technical aspects. Starting off with Ben Smithard's cinematography, which manages to evoke an aura of grandeur, always in expansion, even if the plot is location-restricted to a single setting. Smithard's work is a perfect match with the Oscar-nominated editing by Yorgos Lamprinos, which is absolutely essential for the composition of the film's most surreal scenes. We have here yet another masterful score by Italian pianist Ludovico Einaudi. After an extraordinarily melancholic work done in “Nomadland”, Einaudi enhances the ambition of his compositions by adding a healthy dose of the violin, which perfectly fits with the more tense and complex scenes in the film, but he doesn't abandon the delicateness of the piano, which collaborates for the story to obtain a more human tone. And at last, we have the wonderful work in production design. Deservingly nominated for an Oscar, the set decoration crew, the costume designers, make-up artists, and every other person who worked in the film's art department managed to infuse life and personality to an apartment. The way it was designed gives the scenario an amazing impression of grandeur, as if it was a giant building, even if it's actually between four walls. I really can't remember any other of the theatre adaptations of 2020 having this level of commitment with the art direction. I loved every technical work that went into “The Father”, and the production design in particular is the main opponent for “Mank” at the Oscars, where David Fincher's film will likely dominate the technical categories.)

Resumindo, “Meu Pai” é um filme absolutamente maravilhoso. Dotado de uma engenhosa mistura entre realismo honesto e um surrealismo fascinante, uma das melhores performances de seu protagonista e uma proeza técnica extremamente dedicada, o primeiro filme de Florian Zeller é um estudo de personagem imersivo, humano e emocionante sobre as consequências de uma mente em deterioração. Preparem os lencinhos.

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “The Father” is an absolutely wonderful film. Gifted with an ingenious mix between honest realism and a fascinating surrealism, one of its protagonist's greatest performances and an extremely dedicated technical prowess, Florian Zeller's directorial debut is an immersive, human and highly emotional character study on the consequences of a deteriorating mind. Grab onto your tissue boxes.

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)