"Em um Bairro de Nova York": uma celebração da cultura latina nos EUA (Bilíngue)

 E não se esqueçam de curtir e seguir o blog nas redes sociais:

(And don't forget to like and follow the blog in social medias:)

Facebook: https://www.facebook.com/NoCinemaComJoaoPedroBlog/

Twitter: @nocinemacomjp2

Instagram: @nocinemacomjp

E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para falar sobre o lançamento mais recente nos cinemas! Sendo uma verdadeira celebração da influência da cultura latina nos Estados Unidos, o filme em questão conta uma história necessária, estimulante e socialmente relevante sobre perseguição e realização de sonhos, a herança e o legado que alguém deixará para o mundo e a resistência de uma cultura prestes a desaparecer. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Em Um Bairro de Nova York”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to talk about one of the most recent releases in theaters (and on HBO Max)! As a true celebration of the influence of Latino culture in the United States, the film I'm about to analyze tells a necessary, uplifting and socially relevant story about chasing and fulfilling dreams, the inheritance and legacy someone will leave to the world and the resistance of a culture that's close to fading away. So, without further ado, let's talk about “In the Heights”. Let's go!)

Ambientado no bairro de Washington Heights, em Nova York, o filme conta a história de Usnavi de la Vega (Anthony Ramos), um jovem dono de uma loja de conveniência, que sonha em juntar dinheiro o suficiente para comprar a antiga casa de seu pai na República Dominicana. Ele e seus amigos Benny (Corey Hawkins), Vanessa (Melissa Barrera) e Nina (Leslie Grace) estão em constante perseguição de seus sonhos, mas um iminente apagão, um bilhete de loteria premiado e eventos inesperados prometem virar a vida do bairro de cabeça para baixo.

(Set in the neighborhood of Washington Heights, in New York City, the film tells the story of Usnavi de la Vega (Anthony Ramos), a young owner of a small bodega, who dreams of gathering enough money to purchase his father's old house in the Dominican Republic. He and his friends Benny (Corey Hawkins), Vanessa (Melissa Barrera) and Nina (Leslie Grace) are constantly pursuing their dreams, but an imminent blackout, a prizewinning lottery ticket and unexpected events promise to turn the block's life upside down.)

Bom, quem vem seguindo o blog desde o final de 2019 e o início de 2020 sabe o quanto eu estava animado para ver “Em um Bairro de Nova York”. As minhas expectativas estavam centradas em um ponto bem específico: o fato de ter sido baseado em um musical co-escrito pelo Lin-Manuel Miranda. Para aqueles que ainda não conhecem a obra desse verdadeiro gênio, Miranda é conhecido pelo público infantil por suas colaborações para a trilha sonora de “Moana”; mas a maioria dos fãs de musicais o conhecem por ele ter criado a obra-prima que é “Hamilton”, um premiado musical de teatro que conta a história dos Pais Fundadores dos EUA através de números musicais de hip-hop. O fenômeno criado pela obra de Miranda foi tão grande que gerou o lançamento de uma performance gravada com o elenco original em 2020, disponível no Disney+ (você pode ler minha resenha aqui:).

O filme em questão é baseado no musical “In the Heights”, co-escrito por Miranda e Quiara Alegría Hudes, lançado na Broadway em 2008, que até ganhou montagem no Brasil. Miranda começou a escrever o musical na faculdade, em 1999, determinado a mostrar ao público a sua vida no bairro Washington Heights, ambientação da obra. Mesmo com a história em si não sendo baseada em fatos reais, pode-se dizer com tranquilidade que “In the Heights” tem uma importância bem pessoal para seu co-criador. Minhas expectativas estavam bem altas para assistir à adaptação cinematográfica por três principais razões: 1) o envolvimento próximo de Miranda na produção; 2) a roteirista do musical, Quiara Alegría Hudes, retornaria para escrever a adaptação e 3) o filme em si seria filmado na ambientação real da obra, ou seja, o bairro Washington Heights. Então, com estas coisas em mente, fui assistir ao filme ontem com meus pais no cinema. E fico muito feliz em dizer que não me decepcionei, apesar de ter algumas ressalvas.

Ok, vamos falar do roteiro. Adaptando dos palcos para a tela, a roteirista do musical tinha uma tarefa bem difícil: expandir os horizontes do cenário minimalista da obra original para a grandeza inerente de um bairro de Nova York. Eu adorei como Hudes foi capaz de, ao mesmo tempo, capturar o espírito movimentado da cidade grande e transformar a ambientação em um lugar bem íntimo, concentrando toda a ação do robusto, mas energético tempo de duração de 2 horas e 23 minutos em um local muito específico, o que é ótimo. Eu gostei bastante do desenvolvimento do grande elenco de personagens. Um dos pontos positivos do tempo de duração ser bem extenso é que Hudes encontra tempo o suficiente para fazer o espectador se importar com a jornada de cada uma das figuras principais do filme. Há, no mínimo, quatro subtramas aqui envolvendo os diferentes personagens do filme, e todas estas linhas narrativas são muito bem trabalhadas.

A roteirista não deixa nenhum buraco na trama, é tudo muito bem amarrado. Há um equilíbrio muito uniforme entre partes com diálogo e os números musicais, há um uso bem calculado de quebra da quarta parede e narrações em voice-over que ajudam o espectador a não se perder no desenrolar dos eventos do filme. Uma coisa que eu achei bem interessante foi a inserção de diálogos em espanhol, e não só apenas expressões simples como “¿Cómo estás?” ou “Gracias”. Há algumas partes onde quase uma troca de diálogos inteira é em espanhol. Essa escolha criativa permite que um grau verídico de autenticidade seja imprimido ao filme, o que apenas reforça uma das mensagens que ele deseja passar. Isto mostra o forte controle que Miranda e Hudes ainda têm em relação à obra que criaram, o que é excelente.

Mas o que há de mais mágico em “Em um Bairro de Nova York” é a possibilidade de diferentes espectadores terem diferentes visões sobre o filme. Para quem não é latino, é uma história clássica sobre pessoas que trabalham duro para perseguirem seus sonhos, sobre as dificuldades de achar o seu lugar no mundo, e funciona perfeitamente sendo só isso. Mas para quem faz parte da comunidade latina, em especial nos EUA, é uma reafirmação e celebração da cultura latina. Vários personagens fazem reflexões sobre as vidas de seus descendentes, as dificuldades enfrentadas e sacrifícios que eles tiveram que fazer para que pudessem dar uma vida boa para os filhos. Há muitas cenas onde vários personagens latinos de diferentes nacionalidades se unem com um objetivo em comum, o que é bem bonito de se ver.

E, assim como em “Hamilton”, o conceito de legado é muito bem explorado aqui. “O que é um legado?”, pergunta o personagem-título de “Hamilton”. “É plantar sementes em um jardim que você nunca terá a chance de ver.” Ou, como diz uma das melhores personagens deste filme: “Pequenos detalhes que mostram ao mundo que não somos invisíveis”. E, devido às ações e decisões de vários dos personagens, o conceito de legado é utilizado para guiá-los pelos seus respectivos arcos narrativos, através da criação de conflitos e do estabelecimento da resolução destes conflitos. Eu gostei bastante destes paralelos que consegui detectar entre as duas obras de Miranda.

Há um subtexto político em relação ao preconceito contra imigrantes hispânicos que é muito bem trabalhado na trama. Ele começa como algo secundário e acaba achando um lugar principal no percurso narrativo do filme. Eu sinceramente acho que ele teria mais efeito se o longa tivesse sido lançado durante a presidência do Donald Trump nos EUA. Claro, o preconceito ainda é um tema extremamente relevante nos dias de hoje, mas se tivesse sido lançado em 2020, como originalmente planejado, “Em um Bairro de Nova York” poderia ter funcionado tranquilamente como um filme-protesto.

No geral, é um filme muito bom. Devido ao tempo de duração, ele tem bastante energia para gastar. Mas eu sinceramente achei um pouco esticado demais. Eu sei que, com os idealizadores do musical na produção, eles iriam querer fazer uma adaptação bem fiel. Mas algumas das músicas são tão curtas que parecem até vinhetas de transição de uma cena para a outra. No meu ponto de vista, essas músicas mais curtas deram um tom mais teatral para uma coisa que deveria ser cinematográfica, e por isso, eu acho que elas poderiam ter sido aparadas ou removidas completamente do corte final, o que poderia até ter ajudado o espectador a acompanhar melhor os eventos do filme. Tirando isso, “Em um Bairro de Nova York” é um filme muito estimulante e emocionante que merece ser visto na maior e melhor qualidade possível.

(Well, those who have been following my blog since the end of 2019 and the beginning of 2020 know how excited I was to watch “In the Heights”. My expectations were centered on a very specific point: the fact it was based on a stage musical co-written by Lin-Manuel Miranda. For those who aren't familiar with the work of this true genius, Miranda is known by children all around the world for his collaborations to the soundtrack of “Moana”; but most musical fans know him for creating the absolute masterpiece that is “Hamilton”, a heavily-awarded stage musical that tells the story of the Founding Fathers of the United States through hip-hop musical numbers. The phenomenon created by Miranda's work was so big, that it generated the release of a filmed performance with the original Broadway cast in 2020, which is available on Disney+ (you can read my review on it here:).

The film analyzed here is based on the musical of the same name, co-written by Miranda and Quiara Alegría Hudes, which opened on Broadway in 2008, gaining multiple international productions in the process. Miranda started writing the musical in 1999, determined to show the audience his life in the Washington Heights neighborhood, where it is set in. Even if the story itself isn't based on true events, you can safely say that “In the Heights” has a very personal importance to its co-creator. My expectations were really high to watch the film adaptation for three main reasons: 1) Miranda's close involvement with the production; 2) the musical's book writer, Quiara Alegría Hudes, would return to pen the adaptation and 3) the film itself would be shot in the original work's real-life setting, meaning, the actual Washington Heights neighborhood. So, with these things in mind, I watched the film in theaters yesterday with my parents. And I'm really glad to say I wasn't disappointed, despite a few exceptions.

Okay, let's talk about the screenplay. Adapting from the stage to screen, the book writer had a very difficult task to accomplish: expand the horizons of the original work's minimalist setting towards the inherent greatness of a New York City neighborhood. I loved how Hudes was able to, simultaneously, capture the crowded spirit of the big city and transform the setting into a very intimate location, which ends up directioning all the action in the robust yet energetic runtime of 2 hours and 23 minutes to a very specific place, which is great. I really enjoyed the development of its large cast of characters. One of the positive points about the runtime is that Hudes finds enough time to make the viewer care about every main character's journey. There are, at least, four subplots here involving its various characters, and all these narrative plotlines are very good.

The screenwriter leaves no hole in the plot, everything is very well polished. There's a very uniform balance between dialogue scenes and musical numbers, there's a very well calculated use of fourth-wall breaking and voice-over narrating, which helps the viewer keep track of what's happening onscreen. One thing I found particularly interesting was the insertion of dialogue in Spanish, and not only simple expressions such as “¿Cómo estás?” or “Gracias”. There are a few parts where an entire dialogue exchange is done in Spanish. That creative choice allows that a true amount of authenticity is injected into the film, which only reinforces one of the messages it is trying to transmit. This shows the tight control that Miranda and Hudes still have over their work, which is excellent.

But perhaps the most magical thing about “In the Heights” is the possibility that different viewers might have different points of view about the film. For those who aren't Latino, this is a classic story about hard-working people chasing their dreams, about the difficulty of finding your own place in the world, and it works perfectly as just that. But to those who are part of the Latino community, especially in the US, it is a reaffirmation and celebration of Latino culture. Several characters reflect on the lives of their forefathers, the difficulties they faced and the sacrifices they had to make in order to give their children a good life. There are several scenes where multiple Latino characters from different nationalities come together while chasing one single goal, which is something really beautiful to behold.

And, just like in “Hamilton”, the concept of legacy is very well explored here. “What is a legacy?”, asks the title character of “Hamilton”. “It's planting seeds in a garden you'll never get to see”. Or, in the words of one of the best characters in this film: “Little details that show the world we are not invisible”. And, due to the characters' actions and decisions, the concept of legacy is used to guide them through their respective narrative arcs, through the creation of conflicts and the establishment of resolutions to those conflicts. I really enjoyed these parallels I was able to capture between Miranda's two works.

There's a political subtext regarding the prejudice towards Hispanic immigrants which is very well worked upon in the plot. It starts off as something secondary and ends up finding a main spot in the film's narrative course. I honestly think it would've been more effective if the film had been released during Donald Trump's presidency in the US. Sure, prejudice is still an extremely relevant theme in today's times, but if it had been released in 2020, as originally planned, “In the Heights” could've safely worked as a protest movie.

Generally, it's a really good film. Due to the runtime, it has plenty of energy to spend. But I honestly thought it felt a bit stretched out. I know that, with the creators of the original musical involved in the production, they would want to make it as faithful as possible to the source material. But some of the songs are so short, they end up feeling like transition vignettes from one scene to another. In my point of view, these shorter songs gave a more theatrical feel to something that should've felt cinematic, and because of that, I think they could've been trimmed down or totally removed from the final cut, which might've ended up helping the viewer to better follow the film's events. Apart from that, “In the Heights” is a very uplifting, emotional film that deserves to be seen in the best quality possible.)

Quando a adaptação foi inicialmente anunciada, com a direção de Kenny Ortega (diretor da trilogia “High School Musical”), o plano era escalar celebridades latinas de alto nível, como Jennifer Lopez e Shakira, para estrelarem o filme. Agora, sob a direção de Jon M. Chu, e o envolvimento de Miranda e Hudes na produção, nenhum grande nome acabou fazendo parte do elenco. A maioria das pessoas acharia isso um ponto negativo, mas no meu ponto de vista, é uma oportunidade de apresentar novos talentos aos olhos do público.

Além do próprio co-criador do musical, não há ninguém mais perfeito para interpretar o Usnavi do que o Anthony Ramos. Quem lembra da performance dupla dele como John Laurens e Philip Hamilton em “Hamilton” vai saber o porquê dele encaixar tão bem no papel. Ele é literalmente um Lin-Manuel Miranda mais jovem. Ele é carismático, muito convincente e, como a cereja do bolo, tem uma voz perfeita e é um verdadeiro pé de valsa. Nas canções mais agitadas, ele consegue encaixar direitinho nas harmonias criadas por Miranda e mantém uma qualidade bastante uniforme nas músicas mais lentas. Eu adorei a performance dele. Devido a todo esse conjunto de habilidades demonstrado aqui, acho que possa ser material para Oscar. A química dele com a personagem da Melissa Barrera é crível, quase palpável, e os dois atores fazem um maravilhoso trabalho de ir construindo essa dinâmica de pouco a pouco, até ela explodir no ato final de forma extremamente satisfatória.

Eu fui apresentado ao trabalho do Corey Hawkins devido à sua fantástica performance como Dr. Dre no filme “Straight Outta Compton”, e fiquei bem satisfeito com o desempenho dele em músicas que têm um estilo diferente do rap. Assim como Ramos tem uma química com Barrera, Hawkins tem uma dinâmica excelente com a personagem da Leslie Grace, cuja subtrama é a que os espectadores podem mais se identificar. Grace também é fantástica no seu papel, e consegue imprimir as dificuldades e desafios de sua personagem com muita honestidade e autenticidade, especialmente através do relacionamento dela com seu pai, interpretado por Jimmy Smits. Eu adorei o papel do Gregory Diaz IV. A princípio, o espectador pensa que o personagem dele será um alívio cômico, mas ele acaba assumindo perspectivas sociopolíticas ao longo da trama, e fiquei impressionado com o quanto as temáticas exploradas em um musical de 2008 ainda continuam relevantes nos dias de hoje.

A dinâmica entre a Daphne Rubin-Vega, a Stephanie Beatriz e a Dascha Polanco é uma das principais fontes de alívio cômico da trama, e funciona perfeitamente. Agora, se tem uma performance que precisa ser seriamente considerada como uma das possíveis indicadas ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante, é a da Olga Merediz. Interpretando a “avó” do bairro, Merediz é a estrela principal de um dos melhores números musicais do filme. É simplesmente incrível como Miranda foi capaz de encaixar tanta história em uma canção de cinco minutos, uma capacidade que ele só iria aprimorar em “Hamilton”. E Merediz rouba toda cena em que ela aparece, devido à doçura e ao tom acolhedor de sua personagem. Em uma ponta quase simbólica, temos uma cena hilária com o próprio Lin-Manuel Miranda, onde os fãs de “Hamilton” irão surtar em conjunto devido ao contexto. Fiquem ligados na cena pós-créditos!

(When the adaptation was initially announced, with the direction of Kenny Ortega (director of the “High School Musical” trilogy), the plan was to cast high-level Latino celebrities, such as Jennifer Lopez and Shakira, to star in the film. Now, under the direction of Jon M. Chu, and the involvement of Hudes and Miranda in the production, no big name ended up on the cast. Most people would find that to be a negative point, but in my point of view, it's a great opportunity to showcase some new talents to the general audience.

Besides the musical's co-creator himself, there's no one more perfect to portray Usnavi than Anthony Ramos. Those who remember his dual performance as John Laurens and Philip Hamilton in “Hamilton” will know why he fits into the part so well. He's literally a younger Lin-Manuel Miranda. He's charismatic, very convincing, and as the cherry on top of that cake, he has a perfect voice and showstopping dance abilities. In the faster-paced songs, he manages to fit right into the melodies Miranda has created and mantains a pretty uniform quality in the slower pieces of music. I loved his performance. Due to all the abilities displayed by him here, I believe that his performance could be Oscar-material. His chemistry with Melissa Barrera's character is believable, almost palpable, and both actors do an outstanding job in building up the dynamic slowly, piece by piece, until it explodes in a very satisfying way towards the conclusion.

I was introduced to Corey Hawkins's work due to his fantastic performance as Dr. Dre in the film “Straight Outta Compton”, and I was really satisfied with his singing abilities when it comes to singing show tunes. Just as Ramos has chemistry with Barrera, Hawkins has an excellent dynamic with Leslie Grace's character, whose subplot is likely the most relatable one to the viewer. Grace is also fantastic in her role, and manages to inject her character's difficulties and challenges with a lot of honesty and authenticity, especially through her relationship with her father, portrayed by Jimmy Smits. I loved Gregory Diaz IV's role here. At first, one might think his character will be some sort of comic relief, but he ends up assuming sociopolitical perspectives throughout the plot, and I was impressed on how the themes explored in a 2008 musical still hold up as relevant in today's times.

The dynamic between Daphne Rubin-Vega, Stephanie Beatriz and Dascha Polanco is one of the film's main sources of comic relief, and it works perfectly. Now, if there's a performance that needs to be seriously considered as a likely contender to the Oscar for Best Supporting Actress, it's Olga Merediz's. Playing the neighborhood's “grandmother”, Merediz plays a central part in one of the film's most memorable musical numbers. It's simply amazing how Miranda manages to pack so much story into a 5-minute song, a quality he would only improve upon in “Hamilton”. And Merediz steals every scene she's in, due to her character's sweetness and welcoming personality. In an almost symbolic cameo, we have a hilarious scene featuring Lin-Manuel Miranda himself, where “Hamilton” fans will squeal in unison due to its context. Stay tuned for the post-credit scene!)

O uso extremamente sábio dos aspectos técnicos transforma “Em um Bairro de Nova York” em uma experiência muito dinâmica. A direção de fotografia da Alice Brooks é simplesmente perfeita. Em um modus operandi bem similar à câmera de “Cruella”, Brooks está sempre em movimento aqui. Durante os números musicais, que são bem mais animados e energéticos, esses movimentos nos ajudam a visualizar um ambiente mais largo, de modo que conseguimos ver todos aqueles que estão participando da cena. Há um número musical em especial que é feito em uma única tomada contínua, a qual é executada de maneira bem fluida. A montagem milimétrica do Myron Kerstein trabalha em conjunto com Brooks para transformar cada número musical em seu próprio videoclipe, em algo realmente cinematográfico.

Como toda adaptação musical baseado em espetáculos da Broadway, “Em um Bairro de Nova York” tem um trabalho de coreografia impecável, misturando o ritmo urbano do breakdance com o gingado e a sensualidade dos gêneros musicais latinos. As sequências envolvendo a coreografia são bem ágeis, nos impressionando com a proeza técnica das habilidades de dança do elenco. O trabalho feito nesse filme ganharia um Oscar de Melhor Coreografia, se tal categoria existisse. Há um uso fantástico e inventivo de efeitos visuais aqui, algo que eu realmente não esperava de um musical. Há uma sequência em particular envolvendo os personagens de Corey Hawkins e Leslie Grace que me lembrou MUITO de uma das cenas mais memoráveis de “A Origem”, de Christopher Nolan. Acho que pode receber uma indicação à Melhores Efeitos Visuais ano que vem.

E, é claro, temos a peça-chave de um musical: a trilha sonora, composta inteiramente por Lin-Manuel Miranda. Já podemos ver aqui alguns vestígios das habilidades de composição que Miranda iria evoluir em “Hamilton”: a agilidade na dicção dos versos, a presença predominante do rap e hip-hop, a diversidade nos gêneros musicais, a inserção de um andamento específico para cada personagem. Eu, particularmente, achei poucas músicas realmente memoráveis, mas creio que posso mudar de opinião ao escutá-las novamente. Mas no geral, são músicas muito gostosas de ouvir.

(The extremely wise use of the technical aspects transforms “In the Heights” into a very dynamic experience. Alice Brooks's cinematography is simply perfect. In a modus operandi that's quite similar to the camera work in “Cruella”, Brooks is always moving here. During the musical numbers, which are really agile and upbeat, these movements help us see the bigger picture, in a way we manage to see everyone who's participating in it. There's a particular musical number that's filmed in one continuous shot, which is executed in a very fluid way. Myron Kerstein's surgical editing works hand in hand with Brooks in order to transform every musical number into its own music video, into something really cinematic.

Just like every musical adaptation of a Broadway spectacle, “In the Heights” has a flawless amount of choreography, which mixes the urban rhythm of breakdancing and the swaying and sensuality of Latin music genres. The sequences involving choreography are quite agile, making an enormous impression on us with the cast's technical prowess in dancing abilities. The work done in this film would win an Oscar for Best Choreography, if that category existed. There's a fantastic, inventive use of visual effects here, something I totally didn't expect from a musical. There's a particular sequence involving Corey Hawkins and Leslie Grace's characters that reminded me A LOT of one of the most memorable scenes from Christopher Nolan's “Inception”. I think it can be nominated for Best Visual Effects next year.

And, of course, we have the key aspect of a musical: the soundtrack, which was entirely composed by Lin-Manuel Miranda. We are already able to see here some traces of the composing abilities that Miranda would improve upon in “Hamilton”: the agility in the verses' diction; the predominant presence of rap and hip-hop, the diversity in the musical genres, the insertion of a specific tempo for each character. I, particularly, found only a few songs to be truly memorable, but I believe I can change my mind after giving them another listen. But generally, these are very crowd-pleasing songs.)

Resumindo, “Em um Bairro de Nova York” é mais uma prova da genialidade de Lin-Manuel Miranda. Contando com uma história necessária, esperançosa e tematicamente relevante; performances extremamente dedicadas de seu diverso elenco; e um uso dinâmico e extraordinariamente bem calculado de seus aspectos técnicos, o filme é uma carta de amor, reafirmação e celebração da cultura latina nos EUA. Vejam na maior tela possível.

Nota: 9,0 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “In the Heights” is further proof of Lin-Manuel Miranda's genius. Relying on a necessary, uplifting and thematically relevant story; extremely dedicated performances by its diverse cast; and a dynamic and extraordinarily well calculated use of its technical aspects, the film is a true love letter of reaffirmation and celebration of the Latino culture in the United States. See it in the biggest screen you can find.

I give it a 9,0 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Luca": mais uma prova da superioridade da Pixar em relação à Disney (Bilíngue)

 E não se esqueçam de curtir e seguir o blog nas redes sociais:

(And don't forget to like and follow the blog in social medias:)

Facebook: https://www.facebook.com/NoCinemaComJoaoPedroBlog/

Twitter: @nocinemacomjp2

Instagram: @nocinemacomjp

E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para falar sobre a mais nova animação da Pixar, disponível no catálogo original do Disney+! Apostando em uma veia mais nostálgica do que experimental, o filme em questão é mais uma prova da superioridade da Pixar em relação à Walt Disney Animation Studios, pela sua história comovente, aconchegante e tematicamente atemporal, e pela sua animação, que remete aos excelentes primeiros filmes do estúdio. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Luca”. Andiamo!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to talk about the most recent animated film by Pixar, which is available on Disney+'s original catalog! Betting on a more nostalgic vein than an experimental one, the film I'm about to analyze is further proof of Pixar's superiority in comparison to Walt Disney Animation Studios, for its touching, endearing and thematically timeless story, and for its animation, which takes us back to the studio's excellent first features. So, without further ado, let's talk about “Luca”. Andiamo!)

Ambientado na Riviera Italiana, o filme conta a história de Luca (voz original de Jacob Tremblay), um monstro marinho extremamente curioso que deseja subir à superfície e viver como os humanos, um sonho que é rejeitado fortemente por seus pais (vozes originais de Jim Gaffigan e Maya Rudolph). Certo dia, Luca conhece Alberto (voz original de Jack Dylan Grazer), outro monstro marinho que alimenta os sonhos de Luca e o convence a viver como humano na cidadezinha pesqueira de Portorosso, escondendo sua verdadeira natureza no processo.

(Set in the Italian Riviera, the film tells the story of Luca (voiced by Jacob Tremblay), an extremely curious sea monsters who wishes to go up to the surface and live like humans, a dream that's strongly rejected by his parents (voiced by Jim Gaffigan and Maya Rudolph). One day, Luca meets Alberto, another sea monster that supports Luca's dreams and convinces him to live as a human in the little fishing town of Portorosso, while hiding his true nature in the process.)

Antes de falar sobre o filme em si, vou dedicar algumas linhas para fortalecer o meu argumento de que os trabalhos da Pixar são bem melhores do que os filmes de sua proprietária, a Walt Disney Animation Studios. Primeiro, ao contrário da Disney, a Pixar sempre tenta investir em algo inovador em respeito às suas histórias, moldando as técnicas de animação de acordo com a visão estabelecida pelos realizadores. Às vezes, essas técnicas levam a animação para um lado mais experimental, ou investem numa veia mais vibrante e colorida, o que acaba despertando um sentimento de nostalgia no espectador. A melhor coisa sobre a Pixar é que a história pode ser a mais formulaica possível, que eles ainda encontram um jeito de fazer daquele filme uma obra-prima.

Segundo, a Pixar é o estúdio de animação com mais vitórias no Oscar de Melhor Filme de Animação, totalizando em onze vitórias contra quinze indicações, com duas vitórias consecutivas em 2020 (Toy Story 4) e 2021 (Soul). Terceiro, eu até fiz um teste com o meu irmão ontem. Pedi para ele me citar cinco filmes da Disney. Dos 5 que ele citou, 4 foram da Pixar, tamanha a memória que ele tem dos filmes do estúdio.

Com isso dito, eu estava bem animado para assistir “Luca”. Já sabia que não iria chegar no mesmo patamar que “Soul” chegou, mas fiquei apaixonado pelo visual vibrante e nostálgico divulgado pelo material promocional, despertando uma vontade dentro de mim de viajar para a Itália, quando tudo isso acabar (Risos). Os trailers me deram uma vibe incrível de filmes sobre amadurecimento (ou coming-of-age, um dos meus gêneros favoritos), o que aumentou minhas expectativas consideravelmente. E, ainda por cima, o diretor Enrico Casarosa falou que “Luca” é um projeto extremamente pessoal para ele, inspirado na sua própria infância, época onde ele conheceu seu melhor amigo. Quando soube disso, tinha certeza que “Luca” iria ser um ótimo filme. E, felizmente, estava certo.

Ok, vamos falar do roteiro. Escrito por Casarosa, Jesse Andrews e Mike Jones (este último também responsável por co-escrever o roteiro de “Soul”), o enredo de “Luca” joga pela janela a vibe ambiciosa e experimental de filmes como “Wall-E”, “Divertida Mente” e “Soul”, e investe em algo mais descompromissado e “normal”, o que me fez lembrar muito das produções menos inovadoras do estúdio, lançadas entre filmes como os citados acima. Para fazer isso, os roteiristas inseriram seus personagens em uma fórmula bem conhecida para qualquer espectador: “Uma criança extremamente curiosa e apaixonada por um certo lugar, cultura ou objeto tem seu sonho fortemente rejeitado por sua família, que deseja encaixá-la na estrutura tradicional familiar, estabelecida há muito tempo.” Tenho certeza que você pensou nos mesmos filmes que eu: “Tá Chovendo Hambúrguer”; “Valente”; “Viva – A Vida é uma Festa”; “Zootopia”; “A Pequena Sereia”; “Moana”; “Os Croods”. Houveram vários outros exemplos dessa mesma fórmula, e “Luca” certamente não será o último.

Mas mesmo investindo em uma estrutura narrativa bastante utilizada, Casarosa e sua equipe conseguem conquistar o coração do espectador com a atmosfera contagiante e aconchegante de sua ambientação, e com o carisma inegável do elenco de personagens. O primeiro destaque que gostaria de fazer em relação ao roteiro é a maneira com que os roteiristas conseguem desenvolver o personagem-título. Nós, como espectadores, conseguimos sentir o mesmo fascínio que o Luca sente ao descobrir, pouco a pouco, coisas novas sobre um ambiente que ele nunca teve a chance de experimentar. Assim como essa técnica foi utilizada de forma extremamente eficiente com o Miguel, de “Viva – A Vida é uma Festa”, aqui, essa estrutura também funciona perfeitamente. Nós nos sentimos na pele do protagonista, e isso nos leva ao segundo destaque do roteiro: a atmosfera nostálgica da ambientação.

Tirando o subtexto dos monstros marinhos, temos aqui uma clássica história de amadurecimento e autodescoberta centrada em uma amizade duradoura iniciada em uma viagem, tornando possível a identificação do espectador com os personagens e as situações em que eles se encontram. Se eu tivesse que combinar “Luca” com um sentimento na vida humana, seria aquele onde você conhece uma pessoa durante uma viagem momentânea e, no final da viagem, você acaba guardando aquela pessoa para a vida toda, mantendo o contato e até viajando mais vezes para aquele mesmo lugar para encontrá-la de novo. Eu nunca tive esse sentimento na vida, mas quero muito ter essa experiência.

Terceiro (e talvez essa possa ser a principal razão do porquê a história funciona), temos o caráter pessoal que a narrativa tem para o diretor. Como disse anteriormente, o filme é baseado na infância de Enrico Casarosa, época onde ele conheceu seu melhor amigo na Itália, cujo nome é o mesmo do melhor amigo do personagem-título de “Luca”. “Eu conheci meu melhor amigo quando eu tinha 11 anos”, disse o diretor em uma entrevista. “Eu era muito tímido e encontrei esse garoto encrenqueiro que levava uma vida completamente diferente. Eu queria fazer um filme sobre esses tipos de amizade que te ajudam a crescer.” Acho que nem é preciso dizer que Casarosa e sua equipe acertaram em cheio ao fazer um filme do tipo. E talvez o mais interessante seja que, ao inserir esse núcleo em um subtexto fantasioso, a história tenha um caráter mais humano. Algo bem similar aconteceu no ótimo “Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica” (detalhe: também da Pixar), que inseriu temas sérios como perda e luto em um cenário extremamente fantasioso, resultando em uma narrativa bastante humana, e ainda por cima, pessoal para o diretor Dan Scanlon, que, assim como Casarosa, baseou o filme na sua própria infância.

Por estes e outros motivos é que considero os filmes da Pixar bem melhores do que os da Disney. Algumas de suas narrativas podem não alcançar o mesmo nível de ambição e originalidade, mas devido ao sentimentalismo envolvente e ao caráter pessoal que alguns de seus realizadores injetam no projeto, estes filmes acabam conquistando o coração do espectador. Por isso achei “Luca” bem melhor do que “Raya e o Último Dragão”, lançado este ano pela Disney. Claro, a construção de mundo de “Luca” é bem mais intimista do que a de “Raya”, mas novamente, o filme de Casarosa compensa isso com o caráter nostálgico, humano e pessoal de sua história.

(Before I start talking about the film itself, I'll dedicate some lines to strengthen my point of view that Pixar's work in animation is miles better than the ones from its parent company, Walt Disney Animation Studios. Firstly, unlike Disney, Pixar always tries to invest in more innovative ways of storytelling, shaping the animation techniques according to the directors' established vision. Sometimes, these techniques lead the animation through a more experimental path, or through a more vibrant and colorful vibe, which ends up making the viewer feel nostalgic. The best thing about Pixar is that the story could be formulaic as hell, and they would still find a way to make it a masterpiece.

Secondly, Pixar is the animation studio that has the largest amount of Oscar wins for Best Animated Feature, with a total of eleven wins and fifteen nominations, with two consecutive wins in 2020 (Toy Story 4) and 2021 (Soul). Thirdly, I even did a test with my brother yesterday. I asked him to tell me the names of 5 Disney movies. From the five movies mentioned, four of them were Pixar's, due to his memory of the studio's films.

With that said, I was really excited to watch “Luca”. I already knew it wasn't going to try and reach the same heights as “Soul”, but I fell completely in love with the vibrant and nostalgic visuals released by the promotional material, seriously convincing me of making a trip to Italy when all this blows over (LOL). The trailers gave me this amazing coming-of-age (which is one of my favorite movie genres) vibes, which enhanced my expectations considerably. And, to top it off, director Enrico Casarosa stated that “Luca” is an extremely personal project to him, which was inspired by his own childhood, a time when he ended up meeting his best friend. When I became aware of that, I knew “Luca” was going to be a great film. And, fortunately, I was right.

Okay, let's talk about the screenplay. Written by Casarosa, Jesse Andrews and Mike Jones (the latter also being responsible for co-writing “Soul”), the plot for “Luca” throws the ambitious and experimental vibe of films like “Wall-E”, “Inside Out” and “Soul” out the window, and invests in something more uncompromised and “normal”, which reminded me a lot of the studio's less innovative productions, which were released inbetween films like the ones mentioned above. In order to do that, the screenwriters inserted their characters in a formula that's very well-known to any viewer: “An extremely curious child who's passionate for a certain place, culture or object has their dream being strongly rejected by their family, who wishes to fit them into the traditional family structure, which in turn was established years ago.” I'm sure you were thinking of the same films I did: “Cloudy with a Chance of Meatballs”, “Brave”, “Coco”, “Zootopia”, “The Little Mermaid”, “Moana”, “The Croods”. There are several other examples regarding this formula, and “Luca” certainly won't be the last.

But even though it invests in a widely known narrative structure, Casarosa and his crew manage to tug into the viewer's heartstrings with the setting's contagious and inviting atmosphere and the undeniable charisma from its cast of characters. The first thing I'd like to highlight about the screenplay is how the writers manage to develop the title character. We, as viewers, manage to feel the same fascination that Luca feels when finding out, bit by bit, new things about an environment he never had the chance to experience. Just as that technique was effectively used with Miguel, from “Coco”, here, that structure also works perfectly. We feel ourselves in the protagonist's skin, which leads us to our second screenplay highlight: the setting's nostalgic atmosphere.

If we take out the sea monster subtext, we have here a classic coming-of-age and self-discovery story centered on a long-lasting friendship which was started during a trip, making it possible for the viewer to relate to the characters and the situations which they find themselves in. If I had to match “Luca” with a feeling in human life, it would be that one where you meet someone during a temporary trip and, by the end of it, you end up remembering that person for life, keeping contact with them and even making subsequent trips to that exact same place in order to see them again. I never had that feeling in my life, but I long to have that experience.

Thirdly (and this might be the main reason why the story works), we have the personal touch that the narrative has to its director. As previously stated, the film is based on Enrico Casarosa's childhood, a time where he met his best friend in Italy, whose name is the same as the title character's best friend in “Luca”. “I met my best friend when I was 11 years old”, the director said in an interview. “I was really shy and I found this troublemaker of a kid who had a completely different life. I wanted to make a movie about those kinds of friendships that help you grow up.” I guess I don't even have to say that Casarosa and his crew hit the right spot when making a film like that. And maybe the most interesting thing is that, by inserting this core into a fantasy-like subtext, the story ends up having a more human side to it. Something really similar happened in the amazing “Onward” (detail: also a Pixar movie), which put serious themes like grief and loss in an extremely fantastical background, resulting in a very human and, above all, personal narrative for director Dan Scanlon, who, just like Casarosa, based his film on his own childhood.

It's because of these reasons and many more, that I consider Pixar's films to be far better than Disney's. Some of their narratives might not reach the same level of ambition and originality, but due to their endearing sentimentality and personal side some filmmakers inject in their work, these films end up capturing the viewer's heart. That's why I found “Luca” to be much better than “Raya and the Last Dragon”, a film released this year, by Disney. Sure, the worldbuilding in “Luca” is far more intimate than the one in “Raya”, but once again, Casarosa's film makes up for that with the nostalgic, human and personal side to its story.)

Uma das melhores coisas que a Pixar sabe fazer é criar personagens extremamente carismáticos que, ao final do filme, despertam uma vontade no espectador de vê-los novamente em um projeto futuro, e “Luca” não é uma exceção. Aqui, o desenvolvimento de personagens é especialmente bem feito, porque, diferente de filmes maiores como “Toy Story 4” e “Soul”, “Luca” foi feito em menor escala, permitindo que os poucos personagens do longa sejam muito bem trabalhados no tempo de duração extremamente conciso de 1 hora e 35 minutos. O fio condutor do filme é, sem dúvidas, a dinâmica entre o Luca e o Alberto, e as personalidades contrastantes dos dois personagens rendem boas risadas para o espectador. Enquanto o Luca é tímido, inseguro, e não sabe de quase nada da superfície; o Alberto é mais confiante, corajoso e tem certos conhecimentos sobre a superfície, a maioria deles equivocados. A amizade entre os dois é muito comovente, tocante e bem humana, mesmo com todo o subtexto de monstros marinhos.

Temos também uma protagonista feminina, chamada Giulia, que me lembrou bastante da Ellie criança em “Up: Altas Aventuras”. Ela é determinada, cheia de energia, atlética, e a dinâmica dela com o Luca e o Alberto é uma das principais formas que os roteiristas usam para criar um conflito na trama, especialmente através da competição entre ela e o principal antagonista do filme. Como todos os outros filmes feitos com a mesma fórmula narrativa citada no bloco anterior, temos aqui os dois pais “tradicionais”, que reprimem os sonhos do protagonista, ameaçando-o com um certo castigo se ele quebrasse as regras. E é claro, há a avó, que é a única familiar que apoia o personagem principal em sua jornada, assim como aconteceu em filmes como “O Lórax” e “Moana”.

Um dos melhores personagens do filme, se não for o melhor, é o pai da Giulia. Ele me lembrou MUITO do pai do Flint em “Tá Chovendo Hambúrguer”, através de características físicas, como o fato dos olhos dos dois estarem escondidos sob as grandes sobrancelhas, e também pelo arquétipo de ser alguém endurecido por fora, mas mole de coração. Eu amei o desenvolvimento dele ao longo da trama. Ele é o personagem que mais sofre mudanças desde sua primeira aparição à última, e a transformação foi feita de forma bastante gradativa, o que é ótimo. E, obrigatoriamente, temos o acompanhante animal da vez, representado pelo gato de Giulia e de seu pai, cujo nome diz muito sobre a personalidade do personagem, e rende ótimas risadas.

(One of the best things Pixar knows how to do is that they know how to create extremely charismatic characters who, by the end of the film, make the viewer desperately want to see them again in a future project, and “Luca” is no exception. Here, the character development is especially well done, because, unlike bigger films such as “Toy Story 4” and “Soul”, “Luca” was made on a smaller scale, allowing the film's few characters to be very well developed throughout its extremely concise running time of 1 hour and 35 minutes. The main conductive force of the film is, without a doubt, the dynamics between Luca and Alberto, and their contrasting personalities are a main source of laughs for the viewer. While Luca is shy, insecure, and knows nothing about the surface; Alberto is more confident, more courageous, and has certain amounts of knowledge about the surface, getting most of it wrong. The friendship between the two of them is very touching, endearing and human, even with all the sea monster subtext.

We also have a female protagonist, called Giulia, who reminded me a lot of Ellie as a kid in “Up”. She's determined, filled with energy, athletic, and her dynamics with Luca and Alberto are one of the main ways the screenwriters find of creating some conflict in the plot, especially in her relationship with the film's main antagonist. As in any other film made in the same narrative formula, mentioned in the previous paragraphs, we have the two “traditional” parents, who strongly reject the protagonist's dreams, threatening him with some sort of punishment, if he ever broke the rules. And of course, there's the grandmother, who's the only relative that's supportive of the main character's journey, as it happened in films like “The Lorax” and “Moana”.

One of the film's best characters, if not the best one, is Giulia's father. He reminded me A LOT of Flint's father in “Cloudy with a Chance of Meatballs”, through physical features, such as the fact that both characters' eyes are concealed by their eyebrows, and also through the archetype of being someone hardened on the outside, but actually has a soft spot inside. I loved his development throughout the plot. He was the character that changed the most from his first appearance to the last, and the transformation happened very gradually, which is excellent. And, obviously, we have the animal sidekick, represented here by Giulia and her father's cat, whose name says a lot about his personality, and ends up being a good source of comic relief.)

Como disse anteriormente, as técnicas de animação de projetos da Pixar são moldadas a partir da visão estabelecida pelos realizadores. Enquanto filmes como “Toy Story 4”, “Os Incríveis 2” e “Soul” quiseram inovar nesse aspecto, investindo em algo mais experimental e fotorrealista, “Luca” investiu em um visual extremamente nostálgico, marcado pelo uso intenso da luz solar, que destaca vários detalhes do design dos personagens, e acaba por dar um tom bem refrescante de filme de verão. Eu gostei bastante da identidade visual que os animadores deram à Riviera Italiana, a ponto de terem me convencido a viajar para lá quando tudo isso acabar.

O melhor é que, como o próprio diretor é italiano, ele encontra na animação (e na trilha sonora) um jeito de homenagear sua própria cultura. As comidas são extremamente atraentes, nos deixando com água na boca. As cores das casas de Portorosso são típicas da Riviera Italiana. As Vespas!! EU PRECISO DE UMA VESPA! De preferência, vermelha! (Risos) É tudo muito colorido, vibrante, e me lembrou bastante do visual dos filmes do Studio Ghibli, em especial “A Viagem de Chihiro” e “O Castelo Animado”. Os movimentos dos personagens também me lembraram muito dos primórdios da animação, que foram homenageados de forma brilhante no jogo “Cuphead”.

Há um fato bem interessante sobre a trilha sonora instrumental de “Luca”: originalmente, era para ter sido composta pelo inigualável Ennio Morricone, compositor italiano responsável pelas melhores trilhas sonoras de faroeste de todos os tempos. Mas, infelizmente, Morricone faleceu antes de ter sido convidado a trabalhar no filme. Mas não se preocupem: Dan Romer deu conta do recado. Composta de faixas dominadas por dedilhados no violão e orquestras em constante harmonia, a trilha sonora instrumental de “Luca” consegue remeter à cultura italiana e, ainda por cima, servir como homenagem ao falecido compositor que a teria composto. A trilha sonora compilada é composta de verdadeiros clássicos italianos da década de 1960, que variam de óperas muito conhecidas até ícones do rock italiano. Uma verdadeira homenagem à música do país.

(As previously stated, the animation techniques in Pixar's project shape themselves from the vision established by their filmmakers. While films like “Toy Story 4”, “Incredibles 2” and “Soul” wanted to innovate in that aspect, pushing into something more experimental and photorealistic, “Luca” invested in an extremely nostalgic visual, marked by the intense use of sunlight, which highlights several details in the character design, and ends up giving the film a refreshing summer event feel. I really liked the visual identity that the animators gave to the Italian Riviera, to the point they've convinced me to go there once all of this blows over.

The best thing is, as the director himself is Italian, he finds in the animation (and in the soundtrack) a way of paying homage to his own culture. The food is very visually pleasing, succeeding in making the viewer hungry to eat it. The colors of the houses in Portorosso are typical of the Italian Riviera. The Vespas!! I NEED A VESPA!! If I had to choose one color, it would definitely be red! (LOL) It's all very colorful, vibrant, and it really reminded me of the visuals from some of Studio Ghibli's films, specifically “Spirited Away” and “Howl's Moving Castle”. The characters' movements also reminded me a lot of the early stages of animation, which were recreated brilliantly in the videogame “Cuphead”.

There's a very interesting fact regarding the original score for “Luca”: originally, it was going to be composed by the one and only Ennio Morricone, an Italian composer who's responsible for giving us the greatest Western film scores of all time. But, unfortunately, Morricone passed away before being invited to work on the film. But rest assured: Dan Romer knocks it out of the park. Composed by tracks dominated by guitar playing and orchestras in perfect harmony, the original score for “Luca” manages to feel like Italian music, and, on top of it, serve as an homage to the late composer that was supposed to write it. The compiled soundtrack is composed of true Italian classics from the 1960s, which vary from well-known operas to Italian rock icons. A true homage to the country's music.)

Resumindo, “Luca” é mais uma prova da superioridade da Pixar em relação à Disney. Armado com uma história tocante, tematicamente atemporal e pessoal para seu realizador; personagens extremamente carismáticos e humanos; e técnicas de animação que nos remetem às primeiras produções do estúdio, o filme de estreia de Enrico Casarosa é uma verdadeira homenagem à cultura italiana. E, ao mesmo tempo, prova que, mesmo sendo feito em menor escala, a capacidade da Pixar em contar histórias com as quais o espectador possa se identificar continua impecável.

Nota: 9,5 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Luca” is further proof of Pixar's superiority in comparison to Disney. Armed with a touching, thematically timeless and personal story for its filmmaker; extremely charismatic and human characters; and animation techniques that take us back to the studio's first productions, Enrico Casarosa's feature-length directorial debut is a true homage to Italian culture. And, at the same time, it proves that, even if it's being made in a smaller scale, Pixar remains flawless in their capacity of telling stories that can be relatable to the viewer.

I give it a 9,5 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio": um novo (e promissor) rumo para a franquia (Bilíngue)

 E não se esqueçam de curtir e seguir o blog nas redes sociais:

(And don't forget to like and follow the blog in social medias:)

Facebook: https://www.facebook.com/NoCinemaComJoaoPedroBlog/

Twitter: @nocinemacomjp2

Instagram: @nocinemacomjp

“O amor é paciente, é benigno; o amor não arde em ciúmes, não se ufana, não se ensoberbece, não se conduz inconvenientemente, não procura os seus interesses, não se exaspera, não se ressente do mal; não se alegra com a injustiça, mas regozija-se com a verdade; tudo sofre, tudo crê, tudo espera, tudo suporta.” - 1 Coríntios 13: 4-7

(“Love is patient, love is kind. It does not envy, it does not boast, it is not proud. It does not dishonor others, it is not self-seeking, it is not easily angered, it keeps no record of wrongs. Love does not delight in evil but rejoices with the truth. It always protects, always trusts, always hopes, always perseveres.” - 1 Corinthians 13: 4-7)

E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para trazer a minha opinião sobre o lançamento mais recente nos cinemas! Não deixando nada a desejar em relação aos seus antecessores, o filme em questão faz mudanças significativas na fórmula repetitiva da franquia, expandindo as fronteiras da ação e aprofundando no desenvolvimento de seus protagonistas, resultando no longa-metragem mais diferente desse universo cinematográfico. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to bring my opinion on the most recent release in theaters and on HBO Max! Not leaving anything to be desired in comparison to its predecessors, the film I'm about to analyze makes significant changes to the franchise's repetitive formula, expanding the borders of the action and developing its main characters with more depth, resulting in the most different feature-length film in this cinematic universe. So, without further ado, let's talk about “The Conjuring: The Devil Made Me Do It”. Let's go!)

Baseado em fatos reais, o terceiro filme de “Invocação do Mal” é ambientado em 1981, e acompanha os investigadores paranormais Ed e Lorraine Warren (Patrick Wilson e Vera Farmiga), que, após um exorcismo mal sucedido, tentam provar que Arne Cheyenne Johnson (Ruairi O'Connor), um jovem de Connecticut que cometeu um assassinato brutal, estava sob possessão demoníaca ao perpetuar o crime.

(Based on true events, the third film in the main “The Conjuring” franchise is set in 1981, and follows paranormal investigators Ed and Lorraine Warren (Patrick Wilson and Vera Farmiga), who, after an exorcism that goes wrong, try to prove that Arne Cheyenne Johnson (Ruairi O'Connor), a young man from Connecticut who committed a brutal murder, was under demonic possession when perpetuating the crime.)

Acho que nem é preciso dizer que eu estava bem animado para assistir “Invocação do Mal 3”. Especialmente porque a franquia “Invocação do Mal” tem seus altos e baixos, e os pontos mais altos são representados pelos títulos que levam o nome da franquia, todos os três protagonizados por Patrick Wilson e Vera Farmiga, que são insubstituíveis nos seus papéis como os "demonologistas" da vida real, Ed e Lorraine Warren.

Os vários derivados, compostos pelos filmes da trilogia “Annabelle”, “A Freira” e “A Maldição da Chorona”, salvo poucas exceções, falharam em alcançar o sucesso estratosférico dos títulos principais da franquia, seja pela ausência de Wilson e Farmiga, ou pela direção em que os cineastas de cada filme tentaram inovar na fórmula estabelecida pelos primeiros longas. Devo admitir que estava com expectativas moderadas para assistir “Invocação do Mal 3”. Por um lado, teríamos o retorno de Wilson e Farmiga como o casal Warren e um novo “formato” na fórmula da franquia, concentrando em um julgamento real e a investigação para a prova da inocência do réu; mas por outro lado, seria o primeiro filme com o título “Invocação do Mal” a não ter a direção do James Wan.

Querendo ou não, a direção de Wan é um dos principais motivos pelos quais os fãs de filmes de terror se sentem seguros ao assistir os filmes desse universo. Afinal, foi ele que nos brindou com o primeiro (e melhor) “Jogos Mortais” e os dois primeiros longas da franquia “Sobrenatural”, também feita em parceria com o roteirista e diretor Leigh Whannell. Inicialmente, estava bem animado pelo anúncio da direção do Michael Chaves em “Invocação do Mal 3”, por ele ter dirigido um dos videoclipes mais sinistros e arrepiantes que eu já vi: o de “Bury a Friend”, canção composta por Billie Eilish.

Filmado em um prédio abandonado, o videoclipe contava com sequências assustadoras, incluindo uma onde Eilish levita e outra onde ela recebe várias seringas nas costas e começa a se contorcer de modo grotesco. Daí, eu pensei: “Pode ser que 'Invocação do Mal 3' esteja em boas mãos com esse cara”. Mas aí, veio “A Maldição da Chorona”, um filme que muitos consideram ser o pior do universo Invocação do Mal, devido ao seu apoio em jump-scares telegrafados. Por causa da recepção à estreia de Chaves na direção, minhas expectativas já diminuíram para o terceiro filme da franquia. Depois dos trailers que foram lançados, os quais são bem equiparados ao videoclipe de Eilish, fui ao cinema com expectativas bem moderadas. E descobri que não tinha nada com o que me preocupar. Então, com isso dito, vamos falar sobre o roteiro.

Escrito pelo David Leslie Johnson-McGoldrick (que também co-escreveu o roteiro de “Invocação do Mal 2”), o roteiro de “Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio” sugere várias mudanças na fórmula do que esperaríamos de um filme da franquia. Vamos por partes. Primeiro, diferente dos dois primeiros filmes, o terceiro “Invocação do Mal” não tem suas ações restritas a um só ambiente, expandindo a ação para outros territórios além da ambientação principal em Connecticut. Isso colabora para uma vibe que mistura road movie com filmes de investigação policial, que perpassa o filme inteiro.

Segundo, devido à escolha da expansão das ambientações, o foco da narrativa é direcionado aos dois protagonistas, interpretados por Wilson e Farmiga, que costumavam ficar de escanteio na trama principal dos dois primeiros filmes, que, por outro lado, focaram em explorar as assombrações que assolaram as famílias Perron e Hodgson. Para os fãs de filmes de terror, que esperam vários sustos, isso pode fazer com que este terceiro filme seja uma decepção, mas confesso que “Invocação do Mal 3” foi o filme que mais me fez importar com a trajetória dos dois protagonistas, de modo que a quantidade diminuída (mas eficiente) de sustos não foi um problema tão grande pra mim. Eu nunca disse isso aqui no blog, mas é uma coisa que eu sempre lembro ao assistir um filme da franquia: Ed e Lorraine Warren são a alma do universo “Invocação do Mal”. A dinâmica entre os dois é o que dá vida e personalidade ao que seria só mais outro filme de casa assombrada, e o desenvolvimento deles nesse terceiro filme veio só para reforçar esse fato.

Terceiro, os sustos, espaçados entre blocos de desenvolvimento dos personagens, são executados de uma maneira diferente. Vamos falar disso mais pra frente nos aspectos técnicos, mas há um uso brilhante aqui de sustos e jumpscares feitos no mesmo enquadramento, sem uso de montagem ou efeitos visuais. Achei bem diferente (no bom sentido), e isso mostra o quanto que Chaves evoluiu de seu primeiro filme para cá e como um bom roteiro impacta no desempenho da direção, o que é excelente. Não se enganem, mesmo tendo uma quantidade diminuída de sustos, há algumas cenas de terror incríveis aqui, que remetem à clássicos como “O Exorcista” e “O Iluminado” até filmes mais modernos como os próprios dois primeiros filmes de “Invocação do Mal” e “Doutor Sono”. Resumindo, não se preocupem, o roteiro de “Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio” mostra que a franquia está em boas mãos, priorizando o desenvolvimento de seus protagonistas ao invés de sustos ininterruptos, e expandindo os horizontes da ação ao invés de contê-la em um só ambiente.

(I think I don't even have to say that I was very excited to watch “The Conjuring: The Devil Made Me Do It”. Especially because the Conjuring franchise has its ups and downs, and its highest points are represented by those films that lend the franchise's title, all three starring Patrick Wilson and Vera Farmiga, who are irreplaceable in their roles as real-life demonologists Ed and Lorraine Warren.

Its several spin-offs, composed by the films in the “Annabelle” trilogy, “The Nun” and “The Curse of La Llorona”, save a few amount of exceptions, failed in replicating the stratospheric success of the franchise's main titles, whether it's from Wilson and Farmiga's absence, or the direction that each film's helmer wanted to bring something new to the formula established by the first installments. I must admit I had moderate expectations to watch “The Conjuring 3”. On one hand, we'd have the return of Wilson and Farmiga as the Warren couple and a new “format” to the franchise's formula, focusing in a real-life trial and the investigation for the defendant's proof of innocence; on the other hand, it would be the first Conjuring movie not to be directed by James Wan.

Whether you like it or not, Wan's direction is one of the main reasons horror film fans feel safer when watching this universe's films. After all, he's the one who gave us the first (and best) “Saw” film, as well as the first two films in the “Insidious” franchise, also made in partnership with writer-director Leigh Whannell. Initially, I was really excited when Michael Chaves was announced as the director for “The Conjuring 3”, as he had directed one of the most sinister and unsettling music videos I've ever seen: the one for “Bury a Friend”, a song by Billie Eilish.

Filmed in an abandoned building, the music video relied on several scary sequences, including one where Eilish levitates and other where she is punctured by several needles in her back and starts contorting herself grotesquely. So, I thought: “Well, maybe 'The Conjuring 3' is in good hands, after all.”. But then, came “The Curse of La Llorona”, which is widely considered to be the worst film in the Conjuring universe, due to its reliance in predictable jumpscares. Because of the poor reception towards Chaves's directorial debut, my expectations for the third film in the franchise had already diminished. After the released trailers, which are quite similar to Eilish's music video in terms of atmosphere, I went to the movies with moderate expectations. And I found out I had nothing to worry about. So, with that said, let's talk about the screenplay.

Written by David Leslie Johnson-McGoldrick (who also co-wrote the screenplay for “The Conjuring 2”), the script for “The Conjuring: The Devil Made Me Do It” suggests several changes to the formula we would expect from a film in this franchise. Let's begin from the start. Firstly, unlike the first two films, the third Conjuring movie doesn't have all its events restricted towards one single setting, expanding the action to other territories besides its main setting in Connecticut. That collaborates for a vibe that mixes a road movie with a police investigation mystery film, which is present throughout the entire movie.

Secondly, due to the choice of expanding its setting, the focus of the narrative is directed towards the two protagonists, played by Wilson and Farmiga, who used to be set aside in the first two films, which, on the other hand, focused in displaying the hauntings that came upon the Perron and Hodgson families. For the die-hard horror movie fans, who would expect plenty of scares, that might make this third film seem like a disappointment, but I confess that “The Conjuring 3” was the film that made me care the most for the two protagonists' trajectory throughout the plot, in a way that the diminished (yet effective) amount of scares wasn't that much of a problem for me. I've never said this on the blog, but I remind myself of it every time I watch a film from this franchise: Ed and Lorraine Warren are the soul of the Conjuring Universe. The dynamic between the two of them is what gives life and personality to what would've been just another haunted house movie, and their development in this third installment is further proof of that fact.

Thirdly, the scares, spaced between blocks of character development, are executed in a different manner. We'll discuss that later on in the technical aspects, but there's a brilliant use of scares and frightening sequences made in the same frame here, discarding the use of quick editing and visual effects. I thought it was quite different (in a good way), and that shows how much Chaves has evolved since his directorial debut and how much a good screenplay makes an impact in the director's work, which is excellent. Don't be mistaken, even though there's a diminished amount of scares, there are some amazing horror scenes here, which serve as callbacks to genre classics such as “The Exorcist” and “The Shining”, to more modern films such as the first two Conjuring movies and “Doctor Sleep”. To sum it up, rest assured, the screenplay for “The Conjuring: The Devil Made Me Do It” shows that the franchise is in good hands, prioritizing character development over non-stop scares, and expanding the action's horizons rather than containing it into one location.)

Uma das maiores vantagens dos três filmes principais de “Invocação do Mal”, como dito anteriormente, é a presença de Patrick Wilson e Vera Farmiga como Ed e Lorraine Warren, e o desempenho dos dois aqui é só mais uma prova do quão perfeitos e insubstituíveis eles são nesses papéis. Eu gostei da troca de papéis que o Ed e a Lorraine tiveram, em relação ao segundo filme, onde a Lorraine era impedida de alcançar seu verdadeiro potencial como médium e o Ed tinha um papel mais ativo. Aqui, na cena inicial, já fica bem definido que a Lorraine terá um papel mais central na trama. Mas, independente dessa troca de papéis, tanto Wilson como Farmiga estão impecáveis.

Wilson, mesmo tendo um papel reduzido, consegue reter aquela personalidade confiante e corajosa que esperaríamos do personagem. Já Farmiga consegue levar sua performance como Lorraine a outro nível, mostrando uma fisicalidade quase animalesca nas cenas onde a personagem põe suas habilidades como médium na prática. A preocupação que o rosto dela mostra em relação ao seu marido, o amor que eles sentem um pelo outro. É uma coisa que eu sinceramente não esperava ver em um filme de terror, mas Wilson e Farmiga conseguem convencer completamente o espectador de que eles são perfeitos um para o outro.

Eu gostei muito do desempenho do Ruairi O'Connor e a química dele com a Sarah Catherine Hook. Se a trama tivesse um segundo foco além de Ed e Lorraine, seria do relacionamento entre Arne e Debbie Glatzel. Eles me lembraram, em alguns momentos, do Ed e da Lorraine jovens, em termos de dinâmica e da capacidade convincente dos atores. Eu queria muito ter visto mais do Julian Hilliard, especialmente porque esse garoto criou uma carreira sólida até agora, com papéis principais em “A Maldição da Residência Hill” e “WandaVision”. Pra mim, ele tinha tudo para se juntar à Madison Wolfe como melhor performance infantil em um filme da franquia, mas parece que o roteiro o impediu de alcançar o mesmo potencial.

Outro destaque fica com o John Noble, cujo papel é essencial para o desenvolvimento da trama e serve especificamente para expor os fatos que os protagonistas precisam aprender para chegar à conclusão da história. Eu senti falta de um elenco coadjuvante mais consistente, como o de “Annabelle 2: A Criação do Mal”, que tinha um papel a ser cumprido na trama, algo que não é feito aqui, focando o enredo nas dinâmicas entre Ed e Lorraine e Arne e Debbie.

(One of the biggest advantages from the three main Conjuring movies, as previously stated, is the presence of Patrick Wilson and Vera Farmiga as Ed and Lorraine Warren, and their performances here are further proof of how perfect and irreplaceable they are in these roles. I enjoyed the role-switching between Ed and Lorraine here, in comparison to the second film, where Lorraine was prevented of reaching her full potential as a clairvoyant and medium, while Ed had a more active role. Here, in the opening scene, it's already quite defined that Lorraine will have a more central role to play. But, nevertheless, both Wilson and Farmiga are flawless.

Wilson, even in a reduced role, manages to retain that confident and courageous personality we've come to expect from his character. Farmiga, on the other hand, manages to take her performance as Lorraine to the next level, displaying an almost animal-like physicality in the scenes where her character puts her medium abilities to practice. The concern her face shows when caring for her husband, the love they feel for each other. That's one thing I honestly didn't expect to see in a horror film, but Wilson and Farmiga manage to fully convince the viewer that they're perfect for each other.

I really liked Ruairi O'Connor's performance and his chemistry with Sarah Catherine Hook. If the plot had a second focus point besides Ed and Lorraine, it would be the relationship between Arne and Debbie Glatzel. They reminded me, at some moments, of a young Ed and Lorraine, in terms of dynamic and the actors' convincing capacity. I really wish I'd seen more of Julian Hilliard, especially because this kid has built a solid career to this point, with main roles in “The Haunting of Hill House” and “WandaVision”. For me, he had everything to join Madison Wolfe as the best child performance in the franchise, but it seems that the script prevented him from reaching the same heights.

Another highlight stays with John Noble, who's got an important role to play in the plot, and is an almost exclusive source of exposition for the main characters to obtain the information they need to get to the story's conclusion. I missed a consistent supporting cast, such as the one in “Annabelle: Creation”, which had an actual role to play out in the plot, something that doesn't happen here, instead focusing the story on the relationships between Ed and Lorraine and Arne and Debbie.)

Nos aspectos técnicos, em “Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio”, temos mais um caso onde a colaboração entre a direção de fotografia e a montagem é essencial para o funcionamento técnico do filme. Eu gostei bastante do trabalho do Michael Burgess na direção de fotografia. Há um uso constante de travelling shots (tomadas que “viajam” pelo ambiente da cena), o que dá uma dose extra de movimento para o filme.

Os sustos, como dito anteriormente, são feitos em sua maioria no mesmo enquadramento, e eles funcionam perfeitamente, sem o uso aparente de montagem ou efeitos visuais, o que é ótimo. Há um uso muito bem calculado de iluminação, especialmente nas cenas mais escuras, o que aumenta a tensão presente na cena. A montagem do Christian Wagner e do Peter Gvozdas trabalha em conjunto com o trabalho de Burgess para não sacrificar a tensão em construção nas cenas mais prolongadas, o que é ótimo.

A trilha sonora do Joseph Bishara segue as mesmas regras da grande maioria dos filmes anteriores da franquia, cujas trilhas sonoras ele também compôs. Ele consegue fazer um trabalho que prioriza a construção de uma atmosfera sufocante e enervante acima de tudo, e nesse aspecto, as faixas dele em “Invocação do Mal 3” me lembraram bastante do trabalho de Wendy Carlos em “O Iluminado”. Uma das melhores coisas nos aspectos técnicos desse filme em particular foi o uso mínimo aparente de CGI, concentrando os efeitos visuais no lado prático. Há duas cenas em particular aqui onde pessoas possuídas se contorcem, e eu fiquei chocado ao descobrir que uma delas foi filmada por uma contorcionista de 12 anos. DOZE ANOS!! Isso é só mais uma prova que ações que pessoas realizariam na vida real são muito mais eficientes do que qualquer efeito visual digital.

(In the technical aspects of “The Conjuring: The Devil Made Me Do It”, we have yet another case where the collaboration between cinematography and editing is essential for the film's technical functioning. I really enjoyed Michael Burgess's work in cinematography. He makes a constant use of travelling shots and sequences, which ends up giving the film an extra dose of movement, which is helpful for the pacing.

The scares, as previously stated, are mostly executed in the same frame, and they work perfectly, without an apparent use of editing or visual effects, which is great. There's a very well calculated use of lighting, especially in the visually darker scenes, which enhances the tension present onscreen. Christian Wagner and Peter Gvozdas' editing works in unison with Burgess's work in order to not sacrifice the building tension in the more prolonged scenes, which is great.

Joseph Bishara's score follows the same beats as the great majority of the franchise's previous films, which he also composed the scores for. He manages to do something that prioritizes the construction of a suffocating and unnerving atmosphere above everything, and in that aspect, his tracks in “The Conjuring 3” reminded me a lot of Wendy Carlos's work in “The Shining”. One of the best things in the technical aspects of this particular film was its minimal apparent use of CGI, focusing its visual effects on the more practical side. There are two particular scenes here where possessed people are shown contorting themselves, and I was shocked when I discovered that one of them was filmed with a contortionist who was 12 years old. TWELVE YEARS OLD! That's further proof that actions that people would actually perform in real life are far more effective than any digital visual effect.)

Resumindo, “Invocação do Mal 3: A Ordem do Demônio” é mais um ponto alto do universo Invocação do Mal. Priorizando o desenvolvimento de seus protagonistas ao invés de sustos baratos, o terceiro filme principal da franquia expande os horizontes da ação, executando suas cenas assustadoras de uma forma diferente, e usando as excelentes performances de Patrick Wilson e Vera Farmiga inteiramente ao seu favor. Por favor, Warner, dá uma luz verde para um quarto filme com esses dois!

Nota: 9,5 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “The Conjuring: The Devil Made Me Do It” is yet another high point in the Conjuring Universe. Prioritizing the development of its main characters over cheap scares and thrills, the third main film in the franchise expands the horizons of its action, executing its scary scenes in a different way, and using Patrick Wilson and Vera Farmiga's excellent performances entirely to its advantage. Please, Warner, greenlight a fourth Conjuring film with these two!

I give it a 9,5 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)