Os Filmes Mais Esperados de 2021 (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para falar sobre os meus filmes mais aguardados de 2021! Com os últimos filmes da presente temporada de premiações sendo lançados nos EUA no mês que vem, acho que é uma boa hora para trazer para vocês os 5 filmes que estou mais ansioso para ver este ano! Então, sem mais delongas, vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to talk about my most anticipated films of 2021! With the final films in the current award season being released to the general audience next month, I think it's a perfect time for me to bring to you the 5 films I'm most excited to watch this year! So, without further ado, let's do this!)

Confesso que 2021 vai ser um ano complicado para escolher só 5 filmes, já que 4 dos meus 5 títulos mais aguardados do ano passado foram adiados para este ano. Tive bastante tempo para pensar, e acho que consegui alcançar uma solução que abarca tanto os filmes adiados de 2020 quanto aqueles já programados para estrearem este ano. É claro, como sempre, irei deixar algumas menções honrosas abaixo do top 5, contendo os filmes que iriam compor um provável top 10. Também irei colocar a data de estreia de cada um (se já tiverem), mas devido aos contínuos adiamentos, considerem essas informações como provisórias. Então, com isso dito, vamos começar!

(I confess that 2021 will be a complicated year to choose only 5 films from, as 4 of my 5 most anticipated titles from last year were delayed to this year. I've had a lot of time to think, and I think I was able to reach a solution that embraces both the delayed 2020 films and those already scheduled to premiere this year. Of course, as always, I'll leave some honorable mentions below the top 5, containing the films that would've composed a likely top 10 list. I'll also put the release date of each one of them (if they already have one), but due to the continuous delays, consider these pieces of information as temporary. So, with that out of our way, let's begin!)

5. SEQUÊNCIA AINDA SEM TÍTULO DE “HOMEM-ARANHA: LONGE DE CASA”, dirigido por Jon Watts – Data de estreia: 16 de dezembro

   (UNTITLED SEQUEL TO “SPIDER-MAN: FAR FROM HOME”, directed by Jon Watts – When to expect it: December 17^th)

Há diversas razões para esse ser o filme de super-heróis mais aguardado de 2021 para mim. A primeira delas é: eu AMO o personagem do Homem-Aranha. (Se você ainda não sabia disso, o que acho impossível, agora sabe.) Ele é engraçado, inteligente, e acima de tudo, ele enfrentou muitos traumas no passado, o que acaba por injetar muita humanidade no personagem. A versão do Tom Holland, especialmente. Porque, além de perder o Tio Ben (que nós nunca vimos), ele também perdeu o seu mentor, Tony Stark, com o filme “Homem-Aranha: Longe de Casa” fazendo uma boa exploração dessa perda. A cena pós-créditos desse filme já era o bastante para o terceiro longa do personagem me atrair, mas as diversas novidades no enredo e no elenco só foram alimentando minhas expectativas exponencialmente. A confirmação de Benedict Cumberbatch como Dr. Estranho no filme deu origem à uma série de especulações sobre um “Aranhaverso” live-action, as quais foram se provando cada vez mais plausíveis com as escalações de Jamie Foxx e Alfred Molina como Electro e Dr. Octopus, reprisando seus papéis de “O Espetacular Homem-Aranha 2” e “Homem-Aranha 2”, respectivamente. E é claro, os incontáveis rumores do retorno de Tobey Maguire, Andrew Garfield, Kirsten Dunst e Emma Stone em seus papéis como os Homens-Aranha e os interesses amorosos de suas respectivas iterações do herói também capturaram minha atenção. Mas além do elenco, há duas razões que me animam bastante no enredo: 1) terá uma ligação direta com o enredo de “WandaVision”, que também irá interferir em “Dr. Estranho no Multiverso da Loucura”; 2) será ambientado no Natal, minha época favorita do ano. O que não é absolutamente surpreendente, levando em conta a estreia em dezembro. Resumindo, esses rumores, juntamente com as informações já confirmadas, têm alimentado bastante as minhas expectativas. Realmente espero que a Sony me dê um presentão de Natal e aniversário antecipado sem adiamentos, e um novo clássico de Natal, talvez. Quem sabe?

(There are several reasons for this to be my most anticipated superhero film of the year. The first one of them is: I LOVE the character of Spider-Man. (If you still didn't know that, which I think is impossible, now you do.) He's funny, smart, and above all, he's been through a lot of traumatic events, which end up injecting the character with lots of humanity. Tom Holland's version of him, especially. Because, besides losing Uncle Ben (who we never got to see), he also loses his mentor, Tony Stark, with the film “Spider-Man: Far from Home” making a good exploration of this loss. The post-credit scene in this film was enough to draw me in for the third one, but the several news regarding the plot and the cast were only putting my expectations on a higher level. Benedict Cumberbatch's confirmed return as Dr. Strange originated a series of speculations on a live-action “Spider-Verse”, which became all the more plausible with the casting of Jamie Foxx and Alfred Molina as Electro and Doc Ock, reprising their roles from “The Amazing Spider-Man 2” and “Spider-Man 2”, respectively. And of course, the countless rumors of the return of Tobey Maguire, Andrew Garfield, Kirsten Dunst and Emma Stone as the Spider-Men and the love interests of their respective iterations of the character also captured my attention. But besides the cast, there are two reasons that excite me a lot regarding the plot: 1) it'll have a direct connection with the plot of “WandaVision”, which will also interfere with “Doctor Strange in the Multiverse of Madness”; 2) it'll be set in Christmas, my favorite time of the year. Which doesn't come as an absolute surprise, with a December release date. To sum it up, these rumors, along with the already confirmed information, have been improving on my expectations. I really hope Sony gives me a hell of a Christmas and anticipated birthday present without any delays, and a new Christmas classic, maybe. Who knows?)

4. “NOITE PASSADA EM SOHO”, dirigido por Edgar Wright – Data de estreia: 21 de outubro

   (“LAST NIGHT IN SOHO”, directed by Edgar Wright – Release date: October 22^nd)

O marketing de “Noite Passada em SoHo” foi bem interessante até agora. Previsto para estrear em setembro do ano passado, o filme foi adiado para abril desse ano e novamente para o segundo semestre. Até o momento, nenhum teaser ou trailer foi liberado para o público geral. O diretor se reduziu à liberar imagens misteriosas e aparentemente desconectadas uma da outra. Mas o enredo, por mais oculto que seja, possa ajudar a entender o fio condutor da história. O filme narrará a história de uma aspirante à designer de moda que viaja misteriosamente para os anos 1960, onde ela encontra seu ídolo, uma cantora em ascensão. Mas ela logo descobre que a Londres que ela tanto sonhava não é o que parece ser, e tudo começa a desmoronar com consequências sombrias. Eu fiquei bem surpreso pelo Edgar Wright escolher o gênero completamente oposto àquele pelo qual ele é conhecido, mas levando em conta as inspirações dele para seu novo filme, que incluem o sufocante “Repulsa ao Sexo”, suspense psicológico dos anos 60 dirigido por Roman Polanski, teremos aqui um dos candidatos mais promissores à melhor filme de terror do ano. As imagens liberadas para o público até o momento conseguem evocar a atmosfera enervante e contagiosa do filme de Polanski com sucesso, e eu particularmente mal posso esperar para saber mais sobre a nova empreitada de Edgar Wright.

(The marketing campaign for “Last Night in SoHo” has been really interesting to this point. Initially scheduled to premiere last September, it has been delayed to this April and again for the latter half of 2021. To this moment, no teaser or trailer was released to the general audience. The director limited himself in releasing mysterious and apparently disconnected images. But the plot, as cryptic as it may seem, may help understanding the conductive force of the story. The film will follow the story of a wannabe fashion designer who mysteriously travels to the 1960s, where she finds her idol, a rising singer. But she soon finds out that the London she dreamed of isn't what it seems, and everything starts to fall apart with shady consequences. I was really surprised that Edgar Wright chose the complete opposite genre of which he is known for, but considering his inspirations for his new film, which include the suffocating “Repulsion”, a psychological thriller from the 60s directed by Roman Polanski, we'll have here one of the most promising contenders for best horror film of the year. The images released to the public to this day can successfully evoke the unsettling and contagious atmosphere of Polanski's film, and I personally can't wait to know more about Edgar Wright's new endeavour.)

3. “O BECO DAS ALMAS PERDIDAS”, dirigido por Guillermo del Toro – Janela de estreia: Dezembro de 2021 até Fevereiro de 2022

   (“NIGHTMARE ALLEY”, directed by Guillermo del Toro – Release date: December 3^rd)

Há uma razão óbvia para eu estar animado para ver “O Beco das Almas Perdidas”, que é a direção do Guillermo del Toro, o meu segundo diretor favorito. Dois dos filmes dele estão na minha lista de melhores filmes de todos os tempos, ele faz obras simbólicas, brutais e realistas de fantasia (vide “O Labirinto do Fauno” e “A Forma da Água”), e nos últimos anos, provou sua versatilidade de contar histórias ao criar a trilogia Contos da Arcadia, um conjunto de três séries animadas de fantasia para crianças, as quais fazem parte do catálogo original da Netflix. Agora, seu novo filme será mais uma tentativa de provar sua versatilidade, pela confirmação que não haverá nenhum elemento mitológico ou fantástico em “O Beco das Almas Perdidas”. Uma adaptação do romance de William Lindsay Gresham, o filme acompanhará o mercado do showbiz pelos olhos de um funcionário de um circo itinerante com um talento para manipular as pessoas com suas palavras. Ele acaba se envolvendo com uma psiquiatra que é muito mais perigosa do que ele imaginava. No elenco, temos grandes nomes como Bradley Cooper, Cate Blanchett, Rooney Mara, Willem Dafoe, Toni Collette, Richard Jenkins e Ron Perlman. A maioria da equipe responsável pela proeza técnica de “A Forma da Água” irá retornar, incluindo o produtor J. Miles Dale e o diretor de fotografia Dan Laustsen. E nos EUA, o filme irá aproveitar a mesma janela do filme anterior do cineasta para impulsionar uma provável campanha ao Oscar. Expectativas a mil!

(There is one obvious reason why I'm excited to watch “Nightmare Alley”, which is that it is directed by Guillermo del Toro, my second favorite director. Two of his films are on my list of best films of all time, he makes symbolic, brutal and realistic fantasy works (see “Pan's Labyrinth” and “The Shape of Water”), and in the last years, has proved his versatility for storytelling by creating the Tales of Arcadia trilogy, a set of three animated children's fantasy shows, which are a part of Netflix's original catalog. Now, his new film will be yet another attempt to prove his versatility, as it was confirmed that “Nightmare Alley” won't have any mythological or fantastic element to it. An adaptation of William Lindsay Gresham's novel, the film will follow showbiz through the eyes of a carny with a talent of manipulating people with his words. He ends up getting involved with a psychiatrist who is way more dangerous than he imagined. In the cast, we have big names like Bradley Cooper, Cate Blanchett, Rooney Mara, Willem Dafoe, Toni Collette, Richard Jenkins and Ron Perlman. Most of the crew responsible for the technical prowess of “The Shape of Water” will return, including producer J. Miles Dale and cinematographer Dan Laustsen. And it'll take advantage of the same release window as the director's previous film to boost a likely Oscar campaign. I'm super excited!)

2. “PINÓQUIO”, dirigido por Guillermo del Toro – Previsto para esse ano na Netflix

   (“PINOCCHIO”, directed by Guillermo del Toro – Scheduled to premiere this year on Netflix)

Em 2021, teremos dois filmes dirigidos por Guillermo del Toro. É um fato tão incomum que merece ser repetido. EM 2021, TEREMOS DOIS FILMES DIRIGIDOS POR GUILLERMO DEL TORO! E a adaptação do atemporal conto de Carlo Collodi não pode ser mais diferente de “O Beco das Almas Perdidas”! Um projeto de longa data do diretor, que trabalha no filme desde 2008, o “Pinóquio” de Guillermo del Toro será um musical de fantasia sombria animado em stop-motion ambientado na Itália fascista durante a Segunda Guerra Mundial. O quão brilhante é esse conceito? Estive animadíssimo para esse filme desde que a Netflix anunciou a compra do projeto em 2018, e minhas expectativas nunca diminuíram desde então. A estreia do diretor em longas-metragens de animação, “Pinóquio” será co-dirigido por Mark Gustafson, que trabalhou em “O Fantástico Sr. Raposo”; terá seu roteiro co-escrito por Patrick McHale, criador da obra-prima que é a minissérie “Over the Garden Wall”; e marcará o retorno da parceria entre del Toro e o compositor Alexandre Desplat, que levou o Oscar de Melhor Trilha Sonora Original por seu trabalho em “A Forma da Água”. Por onde eu começo a falar do elenco de vozes desse filme? Ewan McGregor, David Bradley, Ron Perlman, Tilda Swinton, Christoph Waltz, Cate Blanchett, Tim Blake Nelson, Finn Wolfhard, John Turturro, MEU DEUS! “Pinóquio” já nasceu capturando minha atenção, disparando como um dos principais concorrentes a melhor filme do ano para mim.

(In 2021, we'll have two films directed by Guillermo del Toro. It's such an unusual fact that it deserves to be said twice. IN 2021, WE'LL HAVE TWO FILMS DIRECTED BY GUILLERMO DEL TORO! And the adaptation of Carlo Collodi's timeless tale couldn't be any more different from “Nightmare Alley”! A passion project for the filmmaker, who's been working on it since 2008, Guillermo del Toro's “Pinocchio” will be an animated dark fantasy stop-mtion musical set in fascist Italy during World War II. How brilliant is this concept? I've been really excited to see it ever since Netflix announced the project's purchase in 2018, and my expectations were never down ever since. Del Toro's animated feature-length directorial debut, “Pinocchio” will be co-directed by Mark Gustafson, who worked on “Fantastic Mr. Fox”; will have its script co-written by Patrick McHale, creator of the masterpiece that is the miniseries “Over the Garden Wall”; and will mark the return of the partnership between del Toro and composer Alexandre Desplat, who won the Oscar for Best Original Score for his work in “The Shape of Water”. Where do I begin talking about this film's voice cast? Ewan McGregor, David Bradley, Ron Perlman, Tilda Swinton, Christoph Waltz, Cate Blanchett, Tim Blake Nelson, Finn Wolfhard, John Turturro, MY GOD! “Pinocchio” was already born capturing my attention, blasting off as one of the main contenders for my favorite film of the year.)

1. “A CRÔNICA FRANCESA”, dirigido por Wes Anderson – Previsão de estreia: Segundo semestre de 2021

   (“THE FRENCH DISPATCH”, directed by Wes Anderson – Expected release date: Second half of 2021)

Vocês esperavam qualquer outra coisa aqui? Eu também não. O filme que ocupava o primeiro lugar na minha lista de filmes mais esperados de 2020, “A Crônica Francesa” estava previsto para estrear no Festival de Cannes do ano passado, que, infelizmente, foi cancelado. Desde então, o filme foi adiado de maio para outubro de 2020, e depois foi retirado do catálogo de estreias da Searchlight. Não se sabe ainda qual é o plano de lançamento, mas presumo que a Disney esteja planejando lançar o filme no Festival de Cannes desse ano, programado para Julho. E realmente, não há um lugar melhor para lançar o novo filme de Wes Anderson. Ambientado após a Segunda Guerra Mundial, “A Crônica Francesa” acompanha uma equipe de jornalistas que juntam as três melhores reportagens publicadas na revista em que eles trabalham, para fazer uma última edição em homenagem ao editor-chefe recentemente falecido. Pra quem ainda não sabe, Wes Anderson é o meu diretor favorito de todos os tempos. Seus filmes juntam elencos absurdamente talentosos para contar histórias excêntricas e cativantes sobre família e relações humanas, as quais são levadas a outro nível pela extraordinária proeza da equipe técnica. E “A Crônica Francesa” não é diferente. Contando com nomes familiares e novatos no cânone de Anderson (como Bill Murray, Tilda Swinton, Frances McDormand, Owen Wilson, Timothée Chalamet, Elizabeth Moss, Jeffrey Wright e Benicio del Toro), o diretor promete fazer seu primeiro filme antológico (composto por histórias aparentemente desconectadas uma da outra), possuindo qualidades técnicas que distinguem as linhas temporais de cada reportagem abordada. Acima de tudo, “A Crônica Francesa” terá um valor afetivo para este que vos fala, por se tratar de um filme sobre jornalismo, área na qual estudo na faculdade. Por várias fontes, entre elas o compositor Alexandre Desplat e o presidente do Festival de Cannes, Thierry Frémaux, o filme já está pronto e promete ser o mais ambicioso de Wes Anderson desde “O Grande Hotel Budapeste”. Não consigo colocar em palavras o quão eu me sentirei realizado ao finalmente assistir “A Crônica Francesa”, se Deus quiser, ainda esse ano.

(Did you expect anything else to be in here? Me neither. The film that occupied the first place in my list of anticipated movie releases of 2020, “The French Dispatch” was initially planned to premiere at last year's Cannes Film Festival, which, unfortunately, was cancelled. Since then, the film was delayed from July to October 2020, and then got indefinitely removed from Searchlight's release schedule. The release plan for it is still unknown, but I assume Disney plans on making a world premiere at this year's Cannes Film Festival, which is already scheduled for July. And really, there isn't a better place for Wes Anderson's new film to take a first bow. Set after WWII, “The French Dispatch” follows a group of journalists who gather the three best stories published in the magazine they work for, in order to make a final edition as a homage to their recently passed editor-in-chief. For those who still don't know, Wes Anderson is my favorite director of all time. His films gather absurdly talented ensemble casts to tell quirky, captivating stories on family and human relations, which are taken to another level by the extraordinary prowess of the technical crew. And “The French Dispatch” is no different. Relying on both familiar and new names to Anderson's roster (such as Bill Murray, Tilda Swinton, Frances McDormand, Owen Wilson, Timothée Chalamet, Elizabeth Moss, Jeffrey Wright and Benicio del Toro), the filmmaker promises to make his first anthology film (composed by apparently disconnected stories), possessing technical qualities that distinguish each of the stories' timeline. Above all, “The French Dispatch” will be dear to my heart, for being a film on journalism, a subject that I study in college. Through several sources, such as composer Alexandre Desplat and Cannes president Thierry Frémaux, the film is already finished and promises to be Wes Anderson's most ambitious one since “The Grand Budapest Hotel”. I can't put into words how fulfilled I'll feel when I finally watch “The French Dispatch”, hopefully, if it's God's will, this year.)

MENÇÕES HONROSAS:

(HONORABLE MENTIONS:)

• “CHERRY”, dirigido por Joe e Anthony Russo – Estreia dia 12 de março na Apple TV+

  (“CHERRY, directed by Joe and Anthony Russo – Release date: March 12th on Apple TV+)

Mini-comentário: Tom Holland e irmãos Russo juntos em uma adaptação de um livro autobiográfico sobre um veterano militar viciado em drogas que rouba bancos. Preciso dizer mais?

(Small comment: Tom Holland and the Russo brothers together in an adaptation of an autobiography on a junkie military veteran who robs banks. Do I need to say more?)

• “EM UM BAIRRO DE NOVA YORK”, dirigido por Jon M. Chu – Estreia em agosto

  (“IN THE HEIGHTS”, directed by Jon M. Chu – Release date: June 18^th)

Mini-comentário: adaptação do primeiro musical de Lin-Manuel Miranda, criador da obra-prima que é “Hamilton”. É isso.

(Small comment: it's an adaptation of the first musical by Lin-Manuel Miranda, who created the masterpiece that is “Hamilton”. That's it.)

• “tick, tick... BOOM!”, dirigido por Lin-Manuel Miranda – Previsto para esse ano na Netflix

  (“tick, tick... BOOM!”, directed by Lin-Manuel Miranda – Scheduled to premiere this year on Netflix)

Mini-comentário: Andrew Garfield em um musical dirigido por Lin-Manuel Miranda, adaptado de uma obra autobiográfica teatral de Jonathan Larson, o criador de “Rent”. Não pode ficar melhor do que isso.

(Small comment: Andrew Garfield in a musical film directed by Lin-Manuel Miranda, adapted from an autobiographical stage musical by Jonathan Larson, creator of “Rent”. It can't get any better than this.)

• “DUNA”, dirigido por Denis Villeneuve – Estreia dia 30 de setembro

  (“DUNE”, directed by Denis Villeneuve – Release date: October 1^st)

Mini-comentário: assistam o trailer e sintam suas expectativas subirem exponencialmente.

(Small comment: watch the trailer and feel your expectations rise up to the stratosphere.)

• “O ESQUADRÃO SUICIDA”, dirigido por James Gunn – Estreia dia 05 de agosto

  (“THE SUICIDE SQUAD”, directed by James Gunn – Release date: August 6^th)

Mini-comentário: James Gunn fazendo um filme de super-heróis para maiores inspirado em filmes de ação dos anos 1970. Personagens novos se juntam aos já apresentados, marcando o primeiro papel principal de Peter Capaldi depois de “Doctor Who” e a volta triunfal de Margot Robbie como Arlequina. Preciso desse filme!

(Small comment: James Gunn making an R-rated superhero film inspired by 1970s action movies. New characters join those already introduced, marking Peter Capaldi's first main role after “Doctor Who” and the triumphant return of Margot Robbie as Harley Quinn. I need this film!)

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Bela Vingança": um suspense tenso e relevante para a era #MeToo (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para falar sobre o meu filme favorito da temporada de premiações desse ano. Munido de um roteiro surpreendentemente inteligente e provocativo e uma das melhores performances da carreira de sua protagonista, o filme em questão consegue ser, ao mesmo tempo, inegavelmente tenso e essencialmente reflexivo. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Bela Vingança”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to talk about my favorite film in this year's award season. Armed with a surprisingly clever, provocative screenplay and one of the best performances in its protagonist's career, the film I'm about to analyze manages to be, at the same time, undeniably tense and essentially thought-provoking. So, without further ado, let's talk about “Promising Young Woman”. Let's go!)

O filme conta a história de Cassie (Carey Mulligan), uma estudante de medicina que, devido à um evento traumatizante, deixa a faculdade e embarca em uma jornada de vingança contra aqueles responsáveis pelo evento.

(The film tells the story of Cassie (Carey Mulligan), a medical school undergraduate who, due to a traumatizing event, drops out of college and embarks on a journey of vengeance against those who were responsible for that event.)

Posso dizer, sem rodeios, que eu esperei um ano inteiro para assistir “Bela Vingança”. Primeiramente, o filme me chamou a atenção em sua primeira exibição no Festival de Sundance do ano passado, onde a recepção foi quase que unanimemente positiva, com a maioria dos elogios destacando a atuação da Carey Mulligan e o roteiro. Depois, fui pesquisar mais um pouco sobre o filme, e descobri que ele tinha sido escrito e dirigido pela Emerald Fennell. Para quem não sabe, Fennell foi a responsável por supervisionar e roteirizar a segunda temporada de “Killing Eve”, série de espionagem que explora a relação obsessiva entre uma agente do Serviço Secreto Inglês e uma assassina psicopata. Os roteiros de Fennell para a série aumentaram a tensão e aprofundaram o desenvolvimento estabelecidos pela genialidade de Phoebe Waller-Bridge, criadora da obra-prima que é “Fleabag”, na primeira temporada. Minhas expectativas já aumentaram um pouco, por “Bela Vingança” parecer algo na mesma linha de “Killing Eve”, em termos de tom. Depois disso, no segundo semestre de 2020, quando a estreia do filme nos EUA já estava programada para o dia 25 de dezembro, minhas expectativas atingiram um pico inesperado pela presença do Bo Burnham, compositor e comediante norte-americano que fez uma das melhores coisas que vi ano passado, o especial de stand-up “Make Happy”, disponível na Netflix. Aí, pronto. Eu fui completamente fisgado por Fennell e companhia. Então, eu esperei até o filme finalmente estar ao meu alcance. E fico extremamente feliz em dizer que não me decepcionei nem um pouco. É necessário ressaltar a sagacidade da roteirista e diretora ao estabelecer o tom da sua obra. Ela consegue misturar perfeitamente aqui uma vibe constantemente tensa com algumas piadas de humor negro para evitar que fique sombrio demais. Falando sobre o fator de entretenimento, Fennell consegue construir sequências que vão ficando cada vez mais tensas e até assustadoras a cada minuto que se passa. É um filme original, provocativo e ousado. Uma das melhores partes do roteiro de “Bela Vingança” é a manipulação que a roteirista tem sobre o espectador. Quando você pensa que a trama vai seguir certo rumo e apostar em algo que você já viu antes, Fennell quebra suas expectativas, às vezes de modo inesperado e chocante. Mas o fator de entretenimento é só a ponta do iceberg do roteiro. “Todo ano, vem um filme que dá início à uma discussão, segura um espelho à realidade e nos força a acordar.” Essa foi a frase usada no trailer final do filme, e é exatamente o que o longa faz. Ele desperta discussões relevantes, especialmente para os tempos atuais; lida com essas discussões de modo dolorosamente realista e, por consequência, nos conscientiza sobre a mensagem que ele quer passar. Além de ser um suspense com bastante tensão de roer as unhas, “Bela Vingança” também é um tremendo estudo de personagem da sua protagonista, lidando com o trauma e as cicatrizes deixadas por ele com muita honestidade e humanidade. Acho que já falei isso no blog, mas para mim, o vencedor ideal do Oscar de Melhor Filme precisa ter um equilíbrio entre os fatores artístico e entretenimento, e o filme de estreia de Fennell cumpre todos esses pré-requisitos. É tenso, enervante, original, ousado, ao mesmo tempo que é reflexivo, atual e realista, permanecendo na mente do espectador mesmo depois do filme acabar. Na minha opinião, o roteiro de “Bela Vingança” é o principal concorrente aos prêmios de Melhor Roteiro e Melhor Roteiro Original dessa temporada, e merece todo o reconhecimento que está recebendo até agora.

(I can say, without exaggerations, that I waited an entire year to watch “Promising Young Woman”. Firstly, it caught my attention in its world premiere at last year's Sundance Film Festival, where the reception to it was almost unanimously positive, with most praise headed towards Carey Mulligan's performance and the screenplay. Then, I researched about it a little bit more, and found out it was written and directed by Emerald Fennell. For those who don't know, Fennell was the showrunner and head writer for the second season of “Killing Eve”, a spy thriller show that explores an obsessive relationship between a MI6 agent and a psychopath assassin. Fennell's screenplays for the show enhanced on the tension and deepened the character development established by the genius of Phoebe Waller-Bridge, creator of the masterpiece that is “Fleabag”, in its first season. My expectations became a little bit higher, as “Promising Young Woman” seemed to follow the same steps as “Killing Eve”, when it comes to tone. After that, in the second half of 2020, when the film's release date was already scheduled to December 25^th in the US, my expectations hit an all-time peak due to the involvement of Bo Burnham, an American composer and comedian who made one of the best things I've watched last year, the stand-up special “Make Happy”, available on Netflix. Then, I was set. I became fully hooked by Fennell and her crew. So, I waited until the film was finally within my reach. And I am extremely glad to say I wasn't disappointed at all with it. You have to reinforce the writer-director's ability in establishing her film's tone. She's able to perfectly mix a constantly tense vibe with dark humor jokes here, in order for the film not to get too bleak. When it comes to the entertainment factor, Fennell manages to build sequences that get more tense, and even more scary, by the minute. It is an original, provocative and bold film. One of the best parts about the “Promising Young Woman” screenplay is the manipulation the screenwriter has over the viewer. When you think the plot will follow a certain path and bet on something you've already seen before, Fennell breaks your expectations, sometimes in an unexpected and even shocking way. But the entertainment factor is only the tip of the script's iceberg. “Every now and then, comes a film that ignites a conversation, holds up a mirror and jolts us awake”. That was the sentence used in the film's final trailer, and that is exactly what it does. It sparks relevant, timely discussions, especially for today; deals with such discussions in a painfully realistic way and, consequently, makes us conscious of the message it is trying to get through. Apart from being a nail-biting tense thriller, “Promising Young Woman” is also a tremendous character study of its protagonist, dealing with trauma and the emotional scars left by it in a very honest and human way. I think I've already stated this on the blog, but for me, the ideal winner of the Oscar for Best Picture needs to have a balance between its artistic and entertainment factors, and Fennell's directorial debut ticks all of the boxes. It's tense, unnerving, original and bold, at the same time it is thought-provoking, timely and realistic, lingering on the viewer's mind long after the credits start rolling. In my opinion, the script for “Promising Young Woman” is the main contender for the awards of Best Screenplay and Best Original Screenplay of this award season, and it deserves every single bit of recognition it's getting so far.)

Todo o marketing de “Bela Vingança” nos EUA deu o maior destaque à atuação da Carey Mulligan, e com razão. A atriz consegue exibir perfeitamente a atitude manipuladora e vingativa que a personagem requer, ao mesmo tempo que ela também mostra a vulnerabilidade emocional de alguém que passou por um evento particularmente traumático, de forma extremamente convincente, e acima de tudo, humana. Grande parte da tensão vem dos diálogos da personagem dela, e eu amei a reviravolta que a roteirista fez na fórmula dos filmes de vingança, de modo que a protagonista se vinga por meio de suas palavras ao invés de suas ações. Isso não só injeta mais personalidade e originalidade no projeto, como também ajuda a centrá-lo na realidade e a não apelar para algo mais sensacionalista. Os diálogos expostos por ela são dolorosamente realistas, e são uma das principais formas que a roteirista encontra de conscientizar o espectador. Em geral, Mulligan dá um verdadeiro show aqui, que certamente será reconhecido nas iminentes cerimônias de premiações. Como âncoras emocionais para a personagem principal, temos performances competentes de Bo Burnham, Clancy Brown, Jennifer Coolidge e Laverne Cox. Esses quatro são responsáveis por algumas das trocas de diálogo mais engraçadas do filme (não aposto nada que alguns dos diálogos de Burnham foram improvisados, devido à sua carreira como comediante) e ajudam a equilibrar o tom, para não ficar sombrio demais. Em papéis mais coadjuvantes, temos Alison Brie, Alfred Molina, Connie Britton, Molly Shannon e Chris Lowell, cujos personagens ajudam a esclarecer o trauma da protagonista, através de cenas memoráveis com Mulligan.

(All of the marketing campaign for “Promising Young Woman” in the US shined the brightest spotlight on Carey Mulligan's performance, and rightfully so. Not only does she manage to perfectly showcase the manipulative, vindictive attitude her character requires, she is also able to show the emotional vulnerability of someone who went through a particularly traumatizing event, in an extremely convincing and, above everything, human way. A big part of the screenplay's tension comes from her character's dialogue, and I love the twist that the screenwriter did to the formula of revenge films, in a way that she gets her vengeance through her words instead of her actions. That not only injects more personality and originality to the project, as it also helps cementing it into reality and not appealing to something more explicit. The dialogues exposed by her are painfully realistic, and they are one of the main ways the screenwriter uses to make the viewer realize the film's message. Generally, Mulligan gives a showstopping performance here, which will certainly be recognized in the imminent award ceremonies. As emotional anchors to the main character, we have competent performances from Bo Burnham, Clancy Brown, Jennifer Coolidge and Laverne Cox. These four are responsible for some of the film's funniest dialogue exchanges (I'm pretty sure some of Burnham's dialogue might have been improvised, due to his career as a comedian) and they help to balance its tone, preventing it from becoming way too dark. In more supporting roles, we have Alison Brie, Alfred Molina, Connie Britton, Molly Shannon and Chris Lowell, whose characters help clarifying the protagonist's trauma, through memorable scenes they share with Mulligan.)

Os aspectos técnicos ajudam bastante a dar um toque mais contemporâneo para o filme. A direção de fotografia do Benjamin Kracun é muito simétrica, a montagem do Frédéric Thoraval é bem dinâmica. Mas os verdadeiros destaques, no quesito técnico, são a direção de arte e a trilha sonora instrumental do Anthony Willis. Para um thriller de vingança, “Bela Vingança” é surpreendentemente colorido. O design dos cenários, os figurinos, a maquiagem e o penteado, alguns recheados de tons em pastel, outros em tons mais fortes. Gostei bastante, especialmente por ter me lembrado da direção de arte de “Aves de Rapina”, que também é bem vibrante, visualmente. A trilha sonora original do Anthony Willis é agradavelmente enervante, aumentando a tensão e ditando o tom de cada cena. Se apoiando em arranjos de violino, Willis consegue entrar debaixo da pele do espectador, fazendo algo bem parecido com o que a Hildur Gudnadóttir fez, em sua trilha vencedora do Oscar por “Coringa”. Há uma versão instrumental de “Toxic”, da Britney Spears, que vai lentamente se construindo, causando arrepios no espectador e combinando perfeitamente com a cena onde ela é tocada. Posso dizer que essa faixa em particular é a melhor faixa instrumental de uma trilha sonora de 2020, empatando com a maravilhosa “Epiphany”, composta por Trent Reznor e Atticus Ross para a animação da Pixar “Soul”.

(The technical aspects really help giving “Promising Young Woman” a more contemporary touch. Benjamin Kracun's cinematography is really symmetrical, Frédéric Thoraval's editing is really dynamic. But the real highlights, technically speaking, shine upon the art direction and Anthony Willis's original score. For a revenge thriller, “Promising Young Woman” is surprisingly colorful. The set designs, the costumes, the makeup and hairstyling, some of them drenched in pastel-coloured tones, others in stronger tones. I really liked it, especially for reminding me of the production design for “Birds of Prey”, which is also really vibrant, visually. Anthony Willis's original score is pleasantly unnerving, enhancing the tension and dictating the tone of each scene. Relying on violin arrangements, Willis manages to get under the viewer's skin, doing something really similar to what Hildur Gudnadóttir did, in her Oscar-winning score for “Joker”. There's an instrumental version of Britney Spears's “Toxic” that slowly builds up, sending chills to the viewer's spine and matching perfectly with the scene it is played on. I can say that this particular track is the best instrumental track in a 2020 original score, tying with the wonderful “Epiphany”, composed by Trent Reznor and Atticus Ross for the Pixar animated film “Soul”.)

Resumindo, “Bela Vingança” é um suspense tenso e relevante para a era #MeToo. Munido de um roteiro surpreendentemente inteligente, original, provocativo e reflexivo, o filme consolida o talento de Emerald Fennell como roteirista e diretora, e encontra a protagonista Carey Mulligan em uma de suas melhores e mais hipnotizantes performances. Fiquem de olho nesse filme na temporada de prêmios desse ano!

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que vocês tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Promising Young Woman” is a tense thriller that's relevant to the #MeToo era. Armed with a surprisingly clever, original, provocative and thought-provoking screenplay, the film cements Emerald Fennell's talent as a screenwriter and director, and finds protagonist Carey Mulligan in one of her best, most hypnotizing performances. Keep an eye out for this one at this year's award season!

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Uma Noite em Miami": um chamado à mudança relevante para os tempos atuais (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para falar sobre o lançamento mais recente no catálogo original da Amazon Prime Video. Um dos títulos mais discutidos e premiados na temporada de festivais do ano passado, o filme em questão é um chamado à mudança, carregado pelo enorme talento de seu quarteto principal de atores e a inegável habilidade de Regina King em sua estreia como diretora. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Uma Noite em Miami”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to talk about the most recent release in Amazon Prime Video's original programming catalog. One of the most talked-about and awarded titles in last year's film festival season, the film I'm about to discuss is a call for change, carried by the enormous talent of its main quartet of actors and Regina King's undeniable ability in her directorial debut. So, without further ado, let's talk about “One Night in Miami”. Let's go!)

Baseado na peça “One Night in Miami...”, escrita por Kemp Powers, o filme relata um encontro fictício entre o ativista e líder muçulmano Malcolm X (Kingsley Ben-Adir), o cantor e compositor Sam Cooke (Leslie Odom Jr.), o boxeador Cassius Clay/Muhammad Ali (Eli Goree) e o jogador de futebol americano Jim Brown (Aldis Hodge), em um quarto de hotel em Miami, nos anos 1960. Lá, eles embarcam em discussões fervorosas sobre a desigualdade social da população negra estadunidense na época e as mudanças que estão ocorrendo dentro de si mesmos.

(Based on the play of the same name, written by Kemp Powers, the film revolves around a ficticious encounter between social activist and Muslim leader Malcolm X (Kingsley Ben-Adir), singer-songwriter Sam Cooke (Leslie Odom Jr.), professional boxer Cassius Clay/Muhammad Ali (Eli Goree) and football player Jim Brown (Aldis Hodge), in a hotel room in Miami, in the 1960s. There, they embark in fervent discussions on the social inequality of the Black American population at the time and the changes occurring inside themselves.)

Pode-se dizer que as minhas expectativas para assistir “Uma Noite em Miami” foram subindo gradativamente, de acordo com o grande número de festivais em que o filme foi exibido. O longa recebeu uma chuva de elogios em sua exibição inicial no Festival de Veneza, e venceu o segundo lugar do Prêmio do Público no Festival de Toronto, onde em 2019, o vencedor do Oscar “Jojo Rabbit” levou essa honra. Depois desses dois maiores festivais, o filme fora exibido em Zurique, Londres e Chicago, onde foi ainda mais elogiado. Isso, é claro, foi o ponto inicial das minhas expectativas para assisti-lo. Dois fatores que aumentaram ainda mais essas expectativas foram o fato da diretora ser a Regina King (vencedora do Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante por “Se a Rua Beale Falasse”, mais conhecida por seu papel vencedor do Emmy na excelente minissérie de “Watchmen”) e do filme em si ser baseado em uma peça escrita pelo Kemp Powers (co-diretor e co-roteirista de “Soul”, animação da Pixar lançada em dezembro de 2020), que também assina o roteiro da adaptação. Com isso dito, vamos falar sobre o roteiro. De modo bem similar com o que aconteceu com o filme da Netflix, “A Voz Suprema do Blues” (também baseado em uma peça), as ambientações de “Uma Noite em Miami” são propositalmente limitadas. E assim como o longa de George C. Wolfe, a trama do filme de Regina King é quase que inteiramente guiada pelo diálogo entre os protagonistas. Mas antes de falar sobre o desenvolvimento de seus quatro personagens principais, gostaria de ressaltar o quão esclarecedores foram os primeiros minutos do roteiro de Powers. Em uma sequência concisa de aproximadamente 15 minutos, o roteirista introduz X, Ali, Cooke e Brown individualmente, relatando as lutas e as desigualdades sociais enfrentadas por eles: a rejeição de Cooke ao se apresentar em clubes frequentados por pessoas brancas; as represálias sofridas por X devido às ideologias que ele pregava; as dúvidas a respeito de Ali ao estar perto de se tornar o campeão mundial de boxe peso-pesado; e o racismo sofrido por Brown devido à cor de sua pele. É uma sequência poderosa e dolorosa que prepara o terreno para o encontro dos quatro, e as discussões que eles terão ao longo do filme. Se alguém me perguntasse: “Se você pudesse definir o tema de 'Uma Noite em Miami' em uma palavra, qual seria?”, eu responderia: é um filme sobre mudanças. No geral, o assunto é bastante evidente, devido à ambientação nos anos 1960, década onde Martin Luther King e Malcolm X fortaleceram o movimento de direitos civis, como consequência da segregação sofrida pela população negra estadunidense na época. Mas o tempo de duração enxuto de 1 hora e 50 minutos do filme se concentra em explorar as mudanças dentro dos próprios personagens: mudança de identidade, mudança na carreira, mudança nas crenças. E essas mudanças são consequências diretas das discussões entre os quatro protagonistas. Na maior parte do filme, eles discorrem sobre assuntos muito relevantes, tanto para a ambientação quanto para os tempos atuais: desigualdade social, a luta que a população negra enfrenta e como cada um deles poderia ajudar nela, mensagens subliminares escondidas em canções que expressam o que as minorias sociais desejam dizer (algo que se tornou bem evidente no Brasil durante a ditadura militar), e muito mais. E através dessas discussões, é incrível ver como cada um dos quatro personagens principais pensa de um modo completamente diferente do outro, mesmo com eles compartilhando a mesma cor da pele. Ver como cada um deles imagina a mudança iminente e o impacto dela em suas vidas é algo fascinante, e é ainda melhor ver a evolução desses personagens a partir dos diálogos compartilhados. Não vou dar nenhum spoiler, mas o final desse filme me fez aplaudi-lo de pé quando os créditos finais começaram. Assim como “Os 7 de Chicago”, o enredo de “Uma Noite em Miami” faz uso extremamente bem pensado de um evento (embora, no caso do longa de Regina King, fictício) no passado para expressar o que está acontecendo no presente e, por isso, acredito que o roteiro de Powers receberá muito reconhecimento na temporada de premiações desse ano.

(It can be said that my expectations to watch “One Night in Miami” were slowly and gradually growing, according to the great number of festivals it was screened at. It was showered with critical praise when it was first screened in the Venice Film Festival, and was the first runner-up for the Audience Award at the Toronto International Film Festival, where, in 2019, Oscar-winner “Jojo Rabbit” took home that honor. After these two major festivals, the film was screened in Zurich, London and Chicago, where it received even more acclaim. This, of course, was the starting point of my expectations to watch it. Two factors that further enhanced these expectations were the fact that it was directed by Regina King (who won an Oscar for Best Supporting Actress for her performance in “If Beale Street Could Talk”, and became most known by her Emmy-winning role in the excellent “Watchmen” miniseries), and that the film itself was based on a play written by Kemp Powers (co-director and co-writer of “Soul”, a Pixar animated film that was released last December), who also pens the adaptation's screenplay. With that said, let's talk about the script. In a very similar way to what happened with Netflix's film, “Ma Rainey's Black Bottom” (which was also based on a play), the settings of “One Night in Miami” are purposefully limited. And like George C. Wolfe's film, Regina King's directorial debut is almost fully guided by the dialogues between the four protagonists. But before I talk about the development of the main characters, I'd like to highlight how enlightening were the first minutes in Powers's screenplay. Through a concise sequence of approximately 15 minutes long, the screenwriter introduces X, Ali, Cooke and Brown individually, dealing with the struggles and social inequalities suffered by them: Cooke's rejection when performing in a club full of white people; the retaliation suffered by X because of his ideologies; the doubts regarding Ali becoming the world champion of heavyweight boxing; and the racism suffered by Brown due to the color of his skin. It's a powerful, painful sequence that sets the ground for the 4 characters meeting, and the discussions they'll have throughout the film. If someone asked me: “If you could define the theme of 'One Night in Miami' in one word, which would it be?”, I'd answer: it is a film about changes. In general, the subject is quite evident, due to its setting in the 1960s, a decade where Martin Luther King and Malcolm X strengthened the civil rights movement, as a consequence of the segregation suffered by the Black American community at the time. But its precisely cut running time of 1 hour and 50 minutes focuses in exploring the changes happening inside each of the characters: change of identity, change in their career, changes in their beliefs. And these changes are direct consequences of the discussions between the four main characters. During the majority of the running time, they argue about really relevant subjects, that were as relevant then as they are now: social inequality, the struggle the Black community constantly faces and how each of them could help the cause, subliminal messages inside song lyrics that express what social minorities wish to say, and much, much more. And through these discussions, it's incredible to see how each one of the characters thinks in an entirely different way from the other, even with them sharing the same skin color. Seeing how each of them imagines the imminent change and its impact in their lives is something fascinating, and it's even better to see them evolving because of the dialogue they share. I won't spoil anything here, but the ending made me give the film a standing ovation when the final credits started rolling. Just like it happened with “The Trial of the Chicago 7”, the plot of “One Night in Miami” makes a clever use of an event (although, in this film's case, ficticious) set in the past to express what's happening in the present and, because of that, I believe Powers's screenplay will be frequently recognized in this year's award season.)

Grande parte dos elogios recebidos pelo filme de King foi direcionada ao seu excepcional elenco, encabeçado por Kingsley Ben-Adir, Leslie Odom Jr., Eli Goree e Aldis Hodge, e com razão. Cada um dos quatro dá um verdadeiro show aqui, tendo no mínimo um momento para seu personagem brilhar. A começar pelo Kingsley Ben-Adir, que está excelente como Malcolm X. Ele consegue equilibrar perfeitamente o tom fervoroso com o qual ele expõe suas ideologias para os amigos e uma vulnerabilidade que é raramente vista em retratos da figura dele. Há vários diálogos impactantes que ganham mais força por causa da performance de Ben-Adir, que não passará despercebida pelo Oscar. Ele tem uma dinâmica particularmente explosiva com o Leslie Odom Jr., que, ideologicamente, representa o completo oposto do Malcolm X através de seu Sam Cooke. Os dois frequentemente discutem argumentos plausíveis e agressivos sobre a luta que a população negra enfrenta, e tanto Ben-Adir quanto Odom Jr. lidam com os diálogos de Powers de uma forma bem natural. Um ponto a mais é acrescentado à performance de Odom Jr. pelo fato dele, assim como seu personagem, também ser cantor (para quem ainda não viu a performance vencedora do Tony dele como Aaron Burr na versão filmada do musical “Hamilton”, disponível no Disney+, preparem-se para se impressionar!). Acredito que ele seja um dos maiores concorrentes ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante. Eu gostei bastante do equilíbrio que o Eli Goree mostrou entre ser o alívio cômico e investir em um lado mais sério e decisivo como Muhammad Ali. A performance dele rende boas risadas, mas também boas reflexões. E por fim, temos o Aldis Hodge que, dos 4 protagonistas, é o menos desenvolvido, mas há uma cena em particular que ele compartilha com Ben-Adir que oferece a ele uma chance de realmente brilhar, pela naturalidade e dor com a qual ele lida com seus diálogos. Em papéis coadjuvantes, temos performances competentes de Nicolette Robinson, Joaquina Kalukango e Lance Reddick, e todos lidam muito bem com o material que lhes é dado, mesmo sendo extremamente limitado.

(A large part of the acclaim received by King's film was directed towards its exceptional cast, led by Kingsley Ben-Adir, Leslie Odom Jr., Eli Goree and Aldis Hodge, and rightfully so. Each one of the them gives a showstopping performance here, having at least one moment for their characters to shine. Starting off with Kingsley Ben-Adir, who is excellent as Malcolm X. He manages to perfectly balance the fervent tone with which he exposes his ideologies to his friends and a vulnerability that is rarely seen in portrayals of his figure. There are several impactful dialogues that gain more strength because of Ben-Adir's performance, which surely won't go unnoticed at the Oscars. He has a particularly explosive dynamic with Leslie Odom Jr., who, ideologically, represents the complete opposite of Malcolm X with his Sam Cooke. The two of them argue frequently and aggressively about plausible subjects on the struggle the American Black population currently finds itself in, and both Ben-Adir and Odom Jr. deal with Powers's dialogue in an extremely natural way. An extra point is added to Odom Jr.'s performance due to the fact that, much like his character, he is also a singer (to those who still haven't checked out his Tony-winning performance as Aaron Burr in the filmed performance of the stage musical “Hamilton”, available on Disney+, prepare to be amazed!). I believe he is one of the main contenders for the Oscar for Best Supporting Actor. I really enjoyed the balance that Eli Goree showed when being the comic relief of the group and also investing in a more serious, decided face of Muhammad Ali. His performance will give you plenty of laughs, and maybe a little food for thought. And at last, we have Aldis Hodge, who, out of the main 4, plays the least developed character, but there is one particular scene he shares with Ben-Adir which really gives him a chance to stand out, through his natural and painful tone with which he deals with the dialogue. In supporting roles, we have competent performances by Nicolette Robinson, Joaquina Kalukango and Lance Reddick, and each one of them deals with their material really well, even with their roles being limited.)

Há vários aspectos técnicos em “Uma Noite em Miami” que são dignos de reconhecimento. A direção de fotografia da Tami Reiker lida com as limitações do roteiro muito bem, ao mesmo tempo que aumenta o escopo da história. A montagem do Tariq Anwar é simplesmente espetacular, em particular em uma cena onde Malcolm X relata os eventos de um show de Cooke. Anwar calcula exatamente e precisamente onde cortar, trabalhando de mãos dadas com o teor dinâmico do roteiro de Powers para entregar um produto final em constante movimento. A direção de arte faz um trabalho estupendo em recriar a ambientação do filme. Tudo, dos motéis de beira de estrada aos carros utilizados, reflete aos anos 1960. Um destaque em particular fica com o departamento de maquiagem e penteado, que consegue fazer com que os atores sejam extraordinariamente parecidos com as figuras da vida real interpretadas por eles. A trilha sonora instrumental do Terence Blanchard investe em composições de soul, o que realmente combina com a ambientação e com os personagens, já que Sam Cooke é considerado o “Rei do Soul”, ao mesmo tempo que canções reais de Cooke são usadas de forma significativa e até simbólica no enredo. E há uma canção original co-escrita por Odom Jr., “Speak Now”, cuja letra é basicamente um discurso que ativistas como o Malcolm X ou o Martin Luther King fariam, só que cantado e é disparadamente uma das principais concorrentes ao Oscar de Melhor Canção Original.

(There are several technical aspects in “One Night in Miami” that are worthy of recognition. Tami Reiker's cinematography deals with the screenplay's limitations really well, at the same time it expands the story's scope. Tariq Anwar's editing is simply spectacular, particularly during one scene where Malcolm X talks about the events of a concert by Cooke. Anwar calculates precisely where to cut, working hand-in-hand with the dynamic tone in Powers's screenplay to deliver a final product that's constantly moving. The art direction does a stupendous job in recreating the film's setting. Everything, from the roadside motels to the cars used, screams the 1960s. A particular highlight stays with the make-up and hairstyling department, that manages to make the actors extraordinary alike their real-life counterparts. Terence Blanchard's score invests in soul arrangements, which really matches the setting and the characters, as Sam Cooke himself is considered the “King of Soul”, at the same time that real songs by Cooke are used significantly and even symbolically in the plot. And there's an original song co-written by Odom Jr., “Speak Now”, and its lyrics are basically a speech that activists like Malcolm X or Martin Luther King would make, only that it's sung-through, and it's definitely one of the main contenders for the Oscar for Best Original Song.)

Resumindo, “Uma Noite em Miami” é um tremendo filme. Um chamado à mudança carregado pelo impacto do roteiro de Kemp Powers, pelas performances excepcionais de seu elenco e pela habilidosa direção de Regina King, o filme é uma das melhores adições ao catálogo original da Amazon Prime Video e tem muito potencial para ser uma das principais obras a serem reconhecidas na temporada de premiações desse ano.

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “One Night in Miami” is a tremendous film. A call for change carried by the impact of Kemp Powers's screenplay, the exceptional performances by its cast and Regina King's skillful direction, the film is one of the finest additions to Amazon Prime Video's original programming catalog, and has loads of potential to be one of the main movies to be recognized in this year's award season.

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Pieces of a Woman": um drama emocionalmente poderoso e humanamente atuado (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para trazer a resenha do mais novo lançamento no catálogo original da Netflix. Um drama dolorosamente poderoso sobre perda, luto, e as consequências emocionais de um evento traumático, o filme em questão faz uso de sua premissa extremamente humana para extrair performances marcantes de seu elenco. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Pieces of a Woman”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to bring the review of Netflix's most recent release in its original programming catalog. A painfully powerful drama on loss, grief, and the emotional consequences of a traumatic event, the film I'm about to analyze makes use of its extremely human premise to extract remarkable performances by its cast. So, without further ado, let's talk about “Pieces of a Woman”. Let's go!)

Baseado na peça de 2018 de mesmo nome escrita por Kata Wéber, o filme acompanha 8 meses na vida de Martha Weiss (Vanessa Kirby), uma jovem que, após um parto domiciliar problemático e doloroso, embarca em um profundo processo de luto, afetando suas relações com seu parceiro (Shia LaBeouf) e sua mãe (Ellen Burstyn).

(Based on the 2018 stage play of the same name written by Kata Wéber, the film follows 8 months in the life of Martha Weiss (Vanessa Kirby), a young woman who, after a problematic and painful home birth, embarks on a profound process of grieving, affecting her relationships with her partner (Shia LaBeouf) and her mother (Ellen Burstyn).)

Ouvi falar pela primeira vez sobre esse filme ao pesquisar sobre a programação do Festival de Veneza do ano passado, durante o qual a protagonista de “Pieces of a Woman”, Vanessa Kirby, venceu o prêmio Copa Volpi de Melhor Atriz. Eu nem sabia sobre o que era o filme, mas pelo fato da Vanessa Kirby estar no elenco, já o coloquei no meu radar. Fiquei conhecendo a atriz através do seu papel em “Missão: Impossível – Efeito Fallout”, e ela me deixou com uma impressão extremamente positiva, especialmente durante as cenas de ação do longa. Quando a data de estreia na Netflix estava mais próxima, fiquei surpreso ao descobrir que era uma adaptação de uma peça, e que o diretor e a roteirista da peça assumiriam os seus respectivos postos na versão para os cinemas. Com isso dito, vamos falar sobre o roteiro. Com 2 horas e 6 minutos de duração, é possível dizer que “Pieces of a Woman” poderia ser dividido em oito segmentos, cada um com aproximadamente 15 minutos de duração, explorando os diferentes estágios de luto enfrentados pela protagonista. Eu particularmente adorei a sequência de abertura do filme, envolvendo o parto domiciliar que serve de pano de fundo para o restante do enredo. É algo íntimo, natural e extremamente humano, mas ao mesmo tempo, através das ações e reações dos personagens, o espectador sente muita agonia, desespero, e até um senso de adrenalina, devido à urgência do parto. Os segmentos seguintes, apesar de não conseguirem replicar a dor da sequência inicial com a mesma intensidade, compensam com uma aura uniformemente melancólica ao explorar as consequências emocionais do evento. Uma coisa que me agradou bastante no teor expositivo do trauma foi a sutileza ao revelar o que aconteceu durante o parto. Não foi preciso emitir uma palavra ou uma exclamação de dor para que o espectador pudesse descobrir o resultado por conta própria, e isso resulta em uma exposição menos gratuita ou emocionalmente exagerada do evento retratado em tela, o que é muito bom. Há uma quantidade bem reduzida de personagens e cenários, o que reflete as raízes do material fonte e, ao mesmo tempo, colabora para um estudo mais íntimo e profundo da protagonista, especialmente quando se diz respeito ao relacionamento dela com seu parceiro e sua mãe. A dinâmica entre o trio é o fio condutor da trama, e é absolutamente fascinante ver como cada um dos três personagens lida com a mesma perda de formas completamente diferentes. Enquanto a protagonista lida com o luto de uma maneira bem silenciosa, quase que simbólica, através de olhares capazes de dizer mais que mil palavras, o parceiro recorre às drogas e ao sexo pra abafar a depressão que ele sente, e a mãe se firma aos preceitos religiosos que ela segue fervorosamente desde o seu nascimento durante a Segunda Guerra Mundial, em um gueto polonês. Claro, o título em si expressa o que o filme quer fazer (em tradução livre, ficaria algo como “Pedaços de uma Mulher”), que é juntar todos os “cacos” da protagonista que foram estilhaçados devido à uma tragédia, mas eu gostei muito de ver os pontos de vista das outras pessoas envolvidas. Alguns podem achar que a mudança de tom no ato final foi feita de modo meio brusco, mas eu particularmente gostei bastante. Ao mesmo tempo que dá uma perspectiva mais esperançosa para a protagonista, a humanidade dela se torna mais evidente, o que acaba por fortalecer uma das dinâmicas mais cativantes do filme. Só fico com uma ressalva: o diretor e a roteirista perderam a oportunidade enorme de fazer de “Pieces of a Woman” um filme em língua estrangeira (digo isso, tirando o inglês), ambientando-o na Polônia (como na peça), com uma equipe de atores e técnicos completamente polonesa. Isso não só poderia ter firmado o filme como um dos principais indicados à Melhor Filme Internacional esse ano, pois é uma história emocionalmente muito poderosa, mas também teria adicionado um teor ainda mais significativo à uma das suas sequências de diálogo mais marcantes.

(I first heard about this film when researching the lineup programming for last year's Venice Film Festival, during which its main actress, Vanessa Kirby, won the Volpi Cup award for Best Actress. I didn't even know what the film was about back then, but because Vanessa Kirby was in it, I already put it on my radar. I was introduced to her work by her performance in “Mission: Impossible – Fallout”, and she left me with a very positive impression, especially during that film's action scenes. When the Netflix release date was a little bit closer, I was surprised to find out it was based upon a play, and that the director and writer of the play would reprise their roles in the film adaptation.With that said, let's talk about the screenplay. With a running time of 2 hours and 6 minutes, it can be said that “Pieces of a Woman” could be divided into 8 segments, each with a running time of approximately 15 minutes, exploring the many stages of grief that the main character goes through. I particularly loved the film's opening sequence, which depicts the home birth that'll serve as a background to the entire plot. It's something intimate, natural, and extremely human, and at the same time, through the characters' actions and reactions, the viewer can't help but feel agony, distress, despair, and even a sense of adrenaline, due to the urgency of the labor. The following segments, although not replicating the pain of its predecessor with the same intensity, compensate with a uniformly melancholic aura when exploring the emotional consequences of the event. One thing that pleased me a lot in the trauma's expositional tone was the subtlety in revealing what went down. It wasn't necessary to use a single word or exclamation of pain for the viewers to figure out the result by themselves, which collaborates for a less gratuitous or emotionally exaggerated exposition of the event portrayed onscreen. There's a significantly reduced amount of characters and settings, and that choice reflects on the source material's theatrical roots, at the same time it helps us get a more intimate, in-depth study on the main character, especially when it comes to her relationship with her partner and her mother. The dynamics between the trio are the main conductive force of the plot, and it's absolutely fascinating to see how each one of the three characters deal with the same loss in completely different ways. While the protagonist deals with her grief in a quiet, almost symbolic way, through glances that speak more than a thousand words, her partner descends into drug addiction and sex to mask his depression, and her mother stands firm on the religious concepts she vigorously follows ever since her birth during World War II, in a Polish ghetto. Sure, the title itself expresses what the film wants to do, which is put together all of the protagonist's “pieces” that were shattered due to a tragedy, but I really enjoyed seeing the perspectives of other people involved. Some might think that the change of tone in the final act was roughly made, but I particularly really liked it. At the same time it gives a more hopeful eye for the main character's future, her humanity becomes even more evident, which ends up making one of the film's most captivating dynamics a bit stronger. I only have one thing to say: the writer and director missed a huge opportunity to make “Pieces of a Woman” a foreign-language film, setting it in Poland (as in the play), with an entirely Polish cast and crew. That not only could've cemented it as one of the main contenders for Best International Feature Film this year, as it is an emotionally powerful story, but it would have also added a more significant tone to one of its most remarkable dialogue sequences.)

O elenco foi a principal fonte de avaliações positivas de “Pieces of a Woman” quando foi exibido no Festival de Veneza, e tendo assistido ao filme, posso ver o porquê. A começar pela Vanessa Kirby, que está absolutamente sensacional aqui. Ela consegue atuar as dores do parto de forma extremamente humana e natural, ao mesmo tempo que é bem restrita e reservada ao demonstrar a perda e o luto sofridos por sua personagem. Há uma cena em um supermercado onde nenhuma palavra é emitida por ela, mas só pelo olhar que ela direciona para uma pessoa em particular, é possível perceber o que a cena queria ter dito e sentir o que a personagem estava sentindo naquele momento. Para mim, ela é uma das principais concorrentes ao Oscar de Melhor Atriz, junto com a Frances McDormand e a Carey Mulligan. Houve uma enorme polêmica em torno da performance do Shia LaBeouf, devido à uma acusação de agressão física feita contra ele. Isso acabou por excluí-lo das considerações da Netflix, que estava desejando uma indicação à Melhor Ator Coadjuvante por conta da sua atuação. Ele está muito bem aqui. Não no nível de ser indicado ao Oscar (para mim, ele tinha alcançado esse potencial em “Honey Boy”, mas o ator foi esnobado), mas gostei muito de ver as duas “facetas” que o personagem assume. Ele consegue ser agressivo e ameaçador, mas na cena seguinte, ele desaba em uma vulnerabilidade imperceptível para os outros personagens. O último destaque fica com a Ellen Burstyn, que ficou permanentemente marcada na cabeça de muita gente devido à sua performance aterradora indicada ao Oscar em “Réquiem para um Sonho”. A dinâmica que ela tem com a personagem da Vanessa Kirby é altamente instável, e funciona por causa disso. Há um monólogo em particular emitido pela personagem dela que pode ser a chave para uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante, e com razão. No elenco secundário, temos Sarah Snook, Molly Parker, Benny Safdie, e Iliza Shlesinger e, mesmo que o material para eles seja pouco, os atores conseguem manusear seus personagens muito bem.

(The cast was the main source of positive acclaim for “Pieces of a Woman” when it initially premiered in the Venice Film Festival, and now that I've watched it, I can see why. Starting off with Vanessa Kirby, who is absolutely showstopping here. She can act on the pains of childbirth in an extremely human and natural way, while she is also really restricted and reserved when showing the grief and loss that her character suffered. There's a scene in a supermarket where she doesn't say a single word, but just by the glance she directs towards a particular person, the viewer is able to notice what the scene wanted to say and feel what the character was feeling in that moment. To me, she is one of the top contenders to the Oscar for Best Actress, along with Frances McDormand and Carey Mulligan. There was a huge amount of controversy regarding Shia LaBeouf's performance, due to an assault accusation made against him. This ended up excluding him from Netflix's considerations, which nominated him for Best Supporting Actor for his performance. He is really good here. Not to the point of being Oscar-bound (to me, he had reached those heights in “Honey Boy”, but he was snubbed), but I really enjoyed seeing the two “faces” the character has. He manages to be aggressive and threatening, but in the following scene, he just breaks apart in a vulnerability that goes unnoticed by the other characters. The final highlight stays with Ellen Burstyn, who was permanently etched in many people's heads due to her harrowing, Oscar-nominated performance in “Requiem for a Dream”. The chemistry she has with Vanessa Kirby's character is highly unstable, and it works because of that. There's a particular monologue spoken by her character that can be the key to a nomination for Best Supporting Actress, and rightfully so. In the secondary cast, we have Sarah Snook, Molly Parker, Benny Safdie and Iliza Shlesinger and, even though they're short on material, the actors manage to make good use of their characters.)

Os aspectos técnicos conseguem refletir as raízes teatrais do material fonte. Eu amei a direção de fotografia do Benjamin Loeb. É bem natural, bem firmada na realidade, mas ela realmente se destaca durante a cena do parto. Sem trilha sonora e sem cortes, a câmera vai seguindo os personagens de forma frenética, colaborando para aquela sensação de adrenalina mencionada anteriormente. A direção de arte é o aspecto técnico que mais esclarece que o filme é uma adaptação de uma peça. Não há uma variedade grande de cenários, focando em espaços realmente essenciais para uma compreensão maior da história, o que é ótimo. Há um foco proposital em maçãs, o que pode deixar o espectador meio perplexo, mas fiquem tranquilos, porque a razão é explicada de forma compreensível e emocionante. E por fim, temos a trilha sonora instrumental do Howard Shore, responsável por acentuar o tom melancólico da história, usando arranjos mais lentos e sentimentais de violino e piano.

(The technical aspects are able to reflect the source material's theatrical roots. I loved Benjamin Loeb's cinematography. It's really natural, really fixed on reality, but it really stands out during the childbirth scene. Without a score and with no cuts at all, the camera follows the characters in a fast-paced way, collaborating to that aforementioned feeling of adrenaline. The art direction is the technical aspect that mostly enlightens that the film is an adaptation of a stage play. There isn't a wide variety of scenarios, focusing on really essential spaces for a bigger comprehension of the story, which is great. There is a purposeful focus on apples, which might leave the viewer a bit baffled, but don't worry, because the reason why that happens is explained in an understandable and emotionally thrilling way. And at last, we have Howard Shore's score, responsible for enhancing the story's melancholic tone, using slower, more sentimental arrangements from the violin and the piano.)

Resumindo, “Pieces of a Woman” é um excelente drama. Munido de uma história emocionalmente ressonante e poderosa, o diretor Kornél Mundruczó e a roteirista Kata Wéber conseguem adaptar seu próprio material fonte para as telonas com sucesso, extraindo performances memoráveis de seu elenco no processo, especialmente das atrizes Vanessa Kirby e Ellen Burstyn.

Nota: 9,5 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Pieces of a Woman” is an astounding drama. Armed with an emotionally resonant and powerful story, director Kornél Mundruczó and screenwriter Kata Wéber manage to successfully adapt their own source material to the big screen, extracting memorable performances by their cast in the process, especially those of Vanessa Kirby and Ellen Burstyn.

I give it a 9,5 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

Animações Diferentes - "Avatar - A Lenda de Aang": uma obra-prima épica, em todo sentido da palavra (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para trazer a primeira resenha de 2021, e a próxima parte da nossa postagem especial sobre animações diferentes. Na postagem de hoje, analisarei uma série que é altamente considerada como uma das melhores de todos os tempos (no geral, não só se limitando à séries animadas). Munido de uma trama envolvente, épica e tematicamente carregada; personagens em constante evolução e visuais que homenageiam os métodos de animação usados em animes, a série em questão é a melhor obra de animação que vi desde “Gravity Falls”. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Avatar: A Lenda de Aang”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to bring to you the first review of 2021, and the next part in our special post on different works of animation. On today's post, I'll analyze a TV show that is widely considered to be one of the greatest of all time (in general, not only animation limited). Armed with an engaging, epic and thematically charged plot; characters in constant evolution and visuals that pay homage to the animation methods used in anime, the show I'm about to analyze is the best work of animation I've ever watched since “Gravity Falls”. So, without further ado, let's talk about “Avatar: The Last Airbender”. Let's go!)

A série gira em torno de quatro populações: a Nação do Fogo, os Nômades do Ar, as Tribos da Água e o Reino da Terra. Em cada uma dessas nações, existem pessoas que possuem habilidades de manipulação dos quatro elementos que as definem, chamados de Dobradores. A trama é ambientada após um ataque em massa da Nação do Fogo às outras três populações, e segue a jornada de Aang (voz original de Zach Tyler Eisen), um Dobrador de Ar de 12 anos, que passou um século congelado em um iceberg. Quando Aang é resgatado por dois habitantes da Tribo da Água do Sul, Katara (voz original de Mae Whitman) e Sokka (voz original de Jack DeSena), os dois se convencem que ele é o Avatar, uma pessoa que consegue manipular todos os quatro elementos, cuja missão é manter a harmonia entre as quatro nações. Dispostos a ajudá-lo a carregar esse fardo enorme, Katara e Sokka embarcam em uma jornada para encontrar professores Dobradores de Água, Terra e Fogo para Aang, enquanto os três são constantemente perseguidos por um príncipe desonrado da Nação do Fogo, Zuko (voz original de Dante Basco).

(The series revolves around four populations: the Fire Nation, the Air Nomads, the Water Tribes and the Earth Kingdom. In each one of these nations, there are people capable of manipulating the four elements that define them, known as Benders. The plot is set after a massive attack by the Fire Nation towards the other three populations, and follows the journey of Aang (voiced by Zach Tyler Eisen), a 12-year-old Airbender, who spent a whole century frozen inside an iceberg. When Aang is rescued by two inhabitants of the Southern Water Tribe, Katara (voiced by Mae Whitman) and Sokka (voiced by Jack DeSena), the two become convinced that he is the Avatar, a person who is able to manipulate all four elements, whose mission is to maintain the harmony among the four nations. Willing to help him carry this enormous burden, Katara and Sokka embark on a journey to find Water, Earth, and Firebending teachers for Aang, while the three are constantly being chased by a dishonored prince from the Fire Nation, Zuko (voiced by Dante Basco).)

Acredito que a maioria das pessoas foi apresentada à “Avatar: A Lenda de Aang” através da Nickelodeon, emissora original do programa. Ou talvez pelos serviços de streaming, que adicionaram a série no seu aniversário de 10 anos. Eu, porém, fui apresentado a esse universo incrível da pior maneira possível: através da heresia que foi a adaptação live-action da primeira temporada, “O Último Mestre do Ar”, um filme de 2010 dirigido por M. Night Shyamalan. Mesmo com seus erros, é impossível expressar em palavras o fascínio que senti pela mitologia desse universo quando assisti ao filme pela primeira vez. Em 2017, me surgiu uma oportunidade: a série tinha chegado na Netflix, e por recomendação de uma amiga, fui assistir. Lembro que gostei bastante, mas parei em um episódio que me desconectou quase que completamente da trama principal. Um ano depois, comprei a série inteira em Blu-ray e dei uma segunda chance, só para parar no mesmo episódio do que antes. Cortando para 2020, durante a pandemia, aproveitei para mergulhar de uma vez por todas na série, e eu amei cada segundo. A começar pela trama, que é o meu estilo de história, quando se trata de fantasia. Composta por três temporadas com aproximadamente 20 episódios de meia hora de duração cada, a mitologia de “Avatar: A Lenda de Aang” só vai se expandindo ao decorrer de cada capítulo. Os personagens são extraordinariamente bem desenvolvidos, e o roteiro em si é uma ótima réplica do que eu gosto de chamar de “fórmula do Harry Potter”: uma trama centrada em um círculo específico de personagens em constante evolução que vai se tornando cada vez mais arriscada, adulta e sombria a cada etapa (no caso da série, a cada temporada). Outra coisa que me impressionou bastante a respeito do roteiro foi a importância dos chamados “fillers”, episódios conhecidos por “encher linguiça”. Em qualquer outra série, esses capítulos seriam completamente desconectados da história principal, como uma espécie de desvio para preparar o espectador para algo mais épico, mas em “Avatar”, eles têm um propósito. Eles enriquecem ainda mais a mitologia estabelecida pelos roteiristas e colaboram imensamente para um desenvolvimento mais profundo dos personagens. E isso é simplesmente fantástico, porque é uma forma que os criadores e roteiristas encontram de nos dizer que cada episódio importa. Um exemplo disso é o penúltimo episódio da série, o qual serve, ao mesmo tempo, como um resumo de toda a trama até aquele momento, um alívio cômico e uma reflexão sobre as ações dos personagens no decorrer dos episódios passados. Outro merecido destaque no roteiro seria a quantidade de temas adultos abordados, o que eu realmente não esperava. Genocídio, destruição do meio-ambiente, crueldade aos animais, totalitarismo, perda, luto, dificuldade na violação dos princípios de uma pessoa, lavagem cerebral. A genialidade desses roteiristas realmente me impressiona, porque eles conseguem lidar com esses temas de uma forma compreensível, madura e bem humana, mesmo com todos os elementos fantasiosos que percorrem a história. E pra finalizar, o final dessa série é simplesmente épico, e ainda deixa uma pequena brecha para ser explorada no futuro. Resumindo, o roteiro de “Avatar: A Lenda de Aang” é conciso, tematicamente carregado, e vai se tornando cada vez mais sombrio ao longo de suas temporadas, dando importância a cada um dos episódios, e desenvolvendo os seus personagens de maneira extraordinária.

(I believe most people were introduced to “Avatar: The Last Airbender” through Nickelodeon, which originally broadcasted the show. Or maybe through the streaming services, which added the series to their catalog due to its 10^th anniversary. I, however, was introduced to this amazing universe in the worst way possible: through the heresy that was the live-action adaptation of the first season, “The Last Airbender”, a 2010 film directed by M. Night Shyamalan. Even with its mistakes, it's impossible to put into words how fascinated I became with the mythology of this universe when I first watched the film. In 2017, there was an opportunity: the show had arrived on the Netflix catalog, and because of a friend's recommendation, I began watching it. I remember really enjoying it, but then I stopped at an episode that completely took me off the main plot. One year later, I bought the entire series on Blu-ray and gave it a second chance, only to stop at the exact same episode. Cut to 2020, during the pandemic, I took the chance to dive into it once and for all, and I loved every second of it. Starting off with the plot, which is my type of story, when it comes to fantasy. Composed by three seasons with approximately 20 30-minute episodes each, the mythology of “Avatar: The Last Airbender” just keeps on growing as time goes by. The characters are extraordinarily well-developed, and the screenplay itself is a great replica of what I like to call the “Harry Potter formula”: a plot centered on a specific circle of constantly evolving characters that keeps on getting darker, more risky and mature at each stage (or in the show's case, at each season). Another thing that impressed me a lot on the script was the importance of the so-called “fillers”, episodes that are only there to fill up the timeslot. In any other show, these chapters would be completely disconnected from the main plot, as a diversion of sorts to prepare the viewer for something more epic, but in “Avatar”, they do have a purpose. They enrich the mythology created by the showrunners and writers, and collaborate immensely to a more in-depth development for its characters. And that is simply fantastic, as it is a way for the writers to say that every episode matters. An example of that is the show's penultimate episode, which serves, at the same time, as a recap of the entire series until that moment, a comic relief and a reflection on the characters' actions in past episodes. Another worthy highlight in the script would be the quantity of mature themes that are dealt with here, which I didn't expect at all. Genocide, destruction of the environment, animal cruelty, totalitarism, loss, grief, difficulty in violating one's principles, brainwash. The genius of these writers was really impressive to me, as they managed to deal with these themes in a comprehensible, mature, and very human way, despite all the fantasy elements that surround the plot. And at last, the show's ending is simply epic, and even leaves a small gap open, to be further explored in the future. In a nutshell, the script for “Avatar: The Last Airbender” is concise, thematically charged, and becomes darker throughout its seasons, giving importance to each one of its episodes, and developing its characters in an extraordinary way.)

Agora, falando especificamente sobre os personagens, temos aqui um dos melhores exemplos onde eles se encontram em constante evolução. A começar pelo Aang, que, pelo fato de ainda ter 12 anos no início da série, começa agindo como uma criança de 12 anos agiria. Brincando com crianças, expondo suas habilidades como Dobrador de Ar. Ao descobrir o que aconteceu enquanto ele estava congelado, o personagem é completamente mudado, se transformando em alguém mais sério, determinado, e cheio de raiva. Ao longo das temporadas, os roteiristas foram capazes de equilibrar esses dois extremos, fazendo de Aang um protagonista atraente para tanto os espectadores mais jovens quanto os mais adultos. Eu simplesmente me apaixonei pela Katara. Ela é uma âncora emocional enorme para o protagonista, e possui uma química inegável com ele a partir dos primeiros minutos em que os dois estão em tela. Assim como Aang, ela se encontra em constante evolução, partindo de uma garota constantemente insegura com seus poderes de Dobra de Água para uma jovem mulher valente, forte e guerreira, o que é sensacional. O mesmo pode ser dito para o Sokka, que, no início da série, não passa de um alívio cômico com preconceitos. Ao longo dos episódios, esses preconceitos vão desaparecendo, sendo substituídos por confiança, garra e seriedade. E se você pensou que a constante evolução só serviria para os mocinhos, prepare-se para se impressionar com o que os roteiristas fazem com os antagonistas. Sem spoilers aqui, mas a dinâmica entre o Príncipe Zuko e seu tio, o General Iroh (mais conhecido como MELHOR PERSONAGEM DA SÉRIE!), é uma das principais e mais emocionantes relações entre os personagens. No quesito de personagens coadjuvantes, afirmo o mesmo do parágrafo anterior: assim como todo episódio importa, todo personagem em “Avatar: A Lenda de Aang” importa. Por mais insignificantes que sejam (“Meus repolhos!”), cada personagem tem um propósito na trama da série. Se eles aparecerem em um suposto “filler”, podem esperar pelo menos uma dessas duas coisas: 1) eles vão aparecer de novo em algum episódio posterior ou até ter um papel principal no enredo a partir daquele momento; ou 2) eles vão ter uma importância que irá levar o espectador até o início da trama. Um trabalho simplesmente perfeito de desenvolvimento de personagens. Bravo!

(Now, talking specifically about the characters, we have here one of the best examples where they find themselves in constant evolution. Starting off with Aang, who, because of the fact that he's still 12 years old, starts off acting like a 12-year-old would. Playing with kids, exposing his abilities as an Airbender. When he finds out what happened while he was frozen, the character is forever changed, transforming himself into someone more serious, determined and filled with rage. Throughout the seasons, the screenwriters were able to balance these two extremes, making Aang a protagonist who's appealing to both a younger and an older audience. I just fell in love with Katara. She's an enormous emotional anchor to the protagonist, and shares an undeniable chemistry with him from the first minutes the two appear together onscreen. Just like Aang, she finds herself in constant evolution, starting off as a girl who's really insecure about her Waterbending abilities and turning into a brave, strong young woman who's fully capable of handling anything by herself, which is simply amazing. The same can be said for Sokka, who, in the beginning of the series, was nothing but a comic relief filled with prejudices. Throughout the episodes, those prejudices slowly fade away, being replaced by confidence, strength and seriousness. And if you're thinking that this constant evolution is only apparent on the good guys, get ready to be amazed with what the screenwriters were able to do with the antagonists. No spoilers here, but the dynamics between Prince Zuko and his uncle, General Iroh (also known as THE BEST CHARACTER OF THE SHOW!), is one of the main and most emotional relationships between characters in the show. When it comes to supporting characters, I state the same as the paragraph above: just like every episode matters, every character in “Avatar: The Last Airbender” matters. As insignificant as they may seem (“My cabbages!”), every character has a purpose in the series's plot. If they appear in some of the “fillers”, you can expect either one of these two things: 1) they will appear in a further episode or have a main role in the plot from that moment; or 2) they will be important to the point of taking the viewer back to the beginning of the plot. A flat-out perfect job in character development. Bravo!)

Os aspectos visuais serão um completo deleite para quem gosta de animes e filmes do Studio Ghibli. Assim como o próprio enredo faz uso de filosofias e elementos da cultura oriental, os próprios métodos de animação são uma homenagem àqueles usados pelos artistas de mangá e animadores orientais. Do design dos personagens (Ninguém vai ser capaz de mudar minha opinião que o Appa é um parente distante do Totoro. NINGUÉM!) às ambientações, que são repletas de detalhes e destacam o meio-ambiente, de uma maneira bem similar aos filmes do Studio Ghibli. As cenas de luta são muito bem criadas, especialmente as que envolvem Dobra de Fogo, Ar, Terra ou Água. É incrível ver como elas se tornam cada vez mais elaboradas ao longo das temporadas. Eu segurei minha respiração em algumas delas, surtei e fiquei boquiaberto em outras. Há algumas cenas narrativamente mais “viajadas”, mas cada quadro dessa série é inegavelmente lindo. Eu particularmente gostei das expressões faciais que a série pegou emprestado de alguns animes, e os efeitos sonoros feitos para alívio cômico, que são simplesmente impagáveis. A trilha sonora do Jeremy Zuckerman e do Benjamin Wynn é sensacional. Focando em tambores e cantos típicos da cultura oriental, ela se faz mais presente nas cenas de luta, adicionando um teor ainda mais épico a elas. Resumindo, tecnicamente, “Avatar: A Lenda de Aang” também é impecável.

(The visual aspects of it will be a complete delight to those who love anime and Studio Ghibli films. As the plot itself uses philosophies and elements of Eastern culture, the animation methods themselves are a homage to those used by manga artists and Eastern animators. From the character design (No one will be able to change my opinion that Appa is a distant relative to Totoro. NO ONE!) to the settings, which are filled with details and highlight the environment, much alike what happens in Studio Ghibli films. The fight scenes are very well created, especially those involving Fire, Air, Earth or Waterbending. It's incredible to see how they become more and more elaborate throughout the seasons. I held my breath during some of them, freaked out and my mouth stayed wide open during others. There are some scenes that are narratively more “trippy”, but every frame in this show is undeniably beautiful. I particularly liked the facial expressions the show borrowed from some anime shows, and the comical sound effects, which are simply priceless. Jeremy Zuckerman and Benjamin Wynn's score is sensational. Focusing on drums and chanting typical of Eastern culture, it stands out its presence in the fight scenes, adding yet another epic tone to them. To sum it up, technically, “Avatar: The Last Airbender” is also flawless.)

Resumindo, “Avatar: A Lenda de Aang” é uma obra-prima da animação. Munido de uma trama envolvente, tematicamente carregada que está sempre em expansão; personagens extraordinariamente bem desenvolvidos em constante evolução e aspectos técnicos que prestam homenagem à cultura oriental, esse clássico moderno da animação do séc. XXI é épico, em todo sentido da palavra.

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Avatar: The Last Airbender” is a masterwork of animation. Armed with a engaging, thematically powerful plot that is always expanding; extraordinarily well-developed characters who find themselves in constant evolution and technical aspects that pay homage to Eastern culture, this modern classic of 21^st century animation is epic, in every sense of the word.

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)