"O Irlandês": o filme mais ambicioso da Netflix até agora (Bilíngue)

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E aí, meus cinéfilos queridos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, e vim aqui falar de um filme que está sendo apontado como um dos principais indicados à várias categorias do Oscar ano que vem. É a primeira produção de um dos diretores mais renomados de todos os tempos para a Netflix, e traz um elenco inacreditavelmente talentoso para contar uma incrível história real. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “O Irlandês”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you doing? I'm back, and I'm here to talk about a film that's being pointed as one of the main nominees to several categories in the Oscars next year. It's the first Netflix production from one of the most acclaimed directors of all time, and reunites an unbelievably talented cast to tell an incredible true story. So, without further ado, let's talk about “The Irishman”. Let's go!)

O filme é narrado por Frank “O Irlandês” Sheeran (Robert De Niro), um veterano da Segunda Guerra Mundial condecorado que se envolve com uma família de mafiosos, a família Bufalino, encabeçada por Russell (Joe Pesci). Agora velho, ele começa a refletir sobre os eventos definitivos de sua carreira no mundo do crime organizado, que tiveram um papel crucial no desaparecimento de seu amigo, o sindicalista Jimmy Hoffa (Al Pacino).

(The film is narrated by Frank “The Irishman” Sheeran (Robert De Niro), a decorated veteran from WWII who gets himself involved with a crime family, the Bufalinos, whose boss is Russell (Joe Pesci). Now, as an old man, he begins to reflect on the definitive events of his career in the crime world, which played an essential part in the disappearance of his friend, trade union leader Jimmy Hoffa (Al Pacino).)

Ok, antes de falar sobre o filme em si, vou dedicar algumas linhas falando sobre minhas expectativas para o filme. Antes de “O Irlandês” ser anunciado, eu não tinha assistido à nenhum dos filmes de máfia que o Martin Scorsese tinha feito. Há algum tempo atrás, finalmente tive a chance de assistir a “Os Bons Companheiros” e adorei. Pra acrescentar, tinha visto algumas críticas falando que esse filme estava na mesma veia do que “Os Bons Companheiros”, então coloquei minhas expectativas lá no alto. E além do mais, temos Martin Scorsese, Robert De Niro, Joe Pesci, Al Pacino e Harvey Keitel em um só filme. Só por causa dessa reunião de dar inveja, “O Irlandês” é um filme que vale a pena assistir. Pode-se dizer que esse filme representa dois extremos máximos na carreira de Scorsese: é o filme mais longo e o filme mais caro que ele já fez. Se brincar, é a produção mais ambiciosa que a Netflix fez até agora. E essa ambição realmente valeu a pena, porque o filme é muito bom, apesar que, na minha opinião, outros filmes do Scorsese são um pouquinho melhores. Ok, vamos ao roteiro. Bom, para aqueles que nunca viram um filme de máfia na vida, saibam que não é pancadaria, tiro e porrada o tempo inteiro. Filmes do gênero tendem a possuir muito diálogo, o que colabora para uma maior compreensão do que está acontecendo. E é exatamente isso que acontece aqui: o filme tem cenas de ação muito violentas e realistas, mas ele também é repleto de diálogos explicativos e, como é baseado em fatos reais, eles tornam o filme muito mais interessante. O roteiro transita entre 3 linhas temporais diferentes de forma bem orgânica, principalmente por conta da edição. O artifício da narração em voice-over colabora para que o espectador não fique perdido nas 3h30min de duração (agora, “O Irlandês” é oficialmente o filme mais longo que eu já vi na vida). O filme tem personagens muito bem construídos, eles têm muita personalidade e incentivam o espectador a pesquisar mais sobre eles quando os créditos começarem a ser exibidos. O roteiro consegue muito bem transitar entre dois estados de espírito: ao mesmo tempo que o filme é muito engraçado, ele também consegue ser muito triste, pois é um filme que, essencialmente, lida com os conceitos de pertencimento e culpa. E essa culpa é muito bem abordada, especialmente nos momentos finais do filme, que são de cortar o coração.

(Ok, before I start talking about the film itself, I'm going to dedicate some time to talk about my expectations for it. Before “The Irishman” was announced, I had never seen any of the mafia films that Martin Scorsese had directed before. Some months ago, I finally got the chance to see “Goodfellas” and I loved it. And to make it even better, I had read in some reviews that this movie followed the same vibe as “Goodfellas”, so my expectations were sky high. And besides, we have Martin Scorsese, Robert De Niro, Joe Pesci, Al Pacino and Harvey Keitel working together in one film. Just because of this reunion to die for, “The Irishman” is a film worth watching. It can be said that this movie represents two maximum extremes in Scorsese's career: it is both his longest-running and most expensive film he's ever made. This is probably the most ambitious production Netflix has ever been involved in, for that matter. And that ambition really paid off, because it is a great movie, although, in my opinion, some other Scorsese movies are a little bit better. Ok, let's talk about the script. Well, for those who haven't seen a mafia movie ever, know that it's not just endless violence, with punches, blood, and guns galore. Films in this genre tend to have a lot of dialogue, which collaborates for a higher comprehension to what's going on. And that's exactly what happens here: it does have violent and realistic action scenes, but it is also filled with explanatory dialogue, which, because of the fact that it is based on a true story, makes it a whole lot more interesting to watch. The script follows 3 different timelines, and the transition between them is made in a way that is very organic, thanks to the editing. The voice-over narration really helps the viewer in knowing what's going on, so that they don't get lost in the extensive running time of 3 hours and 30 minutes (which makes “The Irishman”, officially, the longest-running movie I've ever seen in my life). It also has really well-developed characters, filled with personality and they motivate the viewer in researching for their story after the credits start rolling. One thing that the script does wonderfully is transitioning between two moods: while it is really funny, it can also be very sad, as it essentially deals with themes of belonging and guilt. And that guilt is very well dealt with, especially in the film's final moments, which are truly heart-wrenching.)

Além de ter um roteiro muito ambicioso, o elenco é de dar inveja a qualquer outro cineasta. A começar pela trindade composta por Robert De Niro, Joe Pesci e Al Pacino: ao meu ver, o Robert De Niro pode dificultar (e muito) a corrida de Joaquin Phoenix ao Oscar de Melhor Ator, porque ele está MUITO bom. A crise de identidade que o personagem dele tem ao longo da trama é um dos pontos principais do filme, e o ator consegue lidar com essa crise de modo estupendo. O Joe Pesci e o Al Pacino são tão relevantes para a trama do que o De Niro, mas acho que no Oscar, eles serão indicados a Melhor Ator Coadjuvante, porque as performances deles estão inacreditavelmente boas. O Joe Pesci não chega a ser tão sádico quanto o seu personagem em “Os Bons Companheiros”, mas ele dá outra performance digna de prêmios e extremamente convincente. Mas quem rouba o holofote é o Al Pacino. Esse é um que tenho certeza que não vai sair do Oscar de mãos vazias, pois ele interpreta um homem bem misterioso e muito sarcástico, o que faz do Jimmy Hoffa de Al Pacino o meu personagem favorito do filme. Em papéis coadjuvantes, mas que valem a pena mencionar, temos Bobby Canavale, Ray Romano, Anna Paquin, Stephen Graham, Harvey Keitel, Jesse Plemons e Jack Huston, e todos trabalham muito bem com o material que é dado a cada um.

(Besides having a very ambitious script, the cast of “The Irishman” can cause envy to every other filmmaker. Starting with the trinity composed by Robert De Niro, Joe Pesci and Al Pacino: in my opinion, Robert De Niro can make Joaquin Phoenix's race for the Oscar for Best Actor (a lot) harder, because he's REALLY good. The identity crisis his character suffers with throughout the plot is one of the movie's main points, and he manages to deal with this crisis in a stupendous way. Joe Pesci and Al Pacino are just as relevant to the plot as De Niro is, but I think that, in the Oscars, they will be nominated for Best Supporting Actor, because their performances are unbelievably good. Joe Pesci's character here is not as sadistic as his character in “Goodfellas”, yet he delivers another award-worthy, extremely convincing performance. But the showstopper here is Al Pacino. I'm sure this one won't leave the Oscars empty-handed, as he plays a very mysterious and really sarcastic man, which makes Al Pacino's Jimmy Hoffa my favorite character in the film. In supporting, yet worth mentioning roles, we have Bobby Canavale, Ray Romano, Anna Paquin, Stephen Graham, Harvey Keitel, Jesse Plemons and Jack Huston, and all of them work really well with the material that's given to each one of them.)

Os aspectos técnicos aqui são impecáveis, o que pode ser uma consequência do altíssimo orçamento. A direção de fotografia é bem fluida, a câmera se movimenta de maneira bem natural, o que é ótimo. A direção de arte recria muito bem todas as épocas que o filme retrata, dos figurinos aos cenários. Mas se alguns dos aspectos técnicos aqui fossem 100% irretocáveis, esses seriam a edição, os efeitos especiais e a maquiagem. A edição porque, como dito anteriormente, o filme transita entre 3 linhas temporais diferentes, e de um modo que não perde a atenção do espectador. Os efeitos especiais porque há um raro caso de rejuvenescimento digital que realmente é convincente e quase invisível aqui, exceto em um flashback da Segunda Guerra Mundial, onde o rosto do Robert De Niro pareceu algo que saiu de um videogame bem atualizado. E a maquiagem porque é um dos principais modos pelo qual o espectador percebe a passagem de tempo, o que é muito criativo. Na minha opinião, esse filme corre na frente na disputa para alguns dos prêmios técnicos ano que vem, em especial Melhor Montagem, Maquiagem e Penteado e Efeitos Visuais.

(The technical aspects here are flawless, which may be a consequence of its really high budget. The cinematography is really fluid, the camera moves in a very natural way, which is great. The art direction manages to recreate, in a very believable way, all the times the movie is set in, from the costumes to the sets. But if some of the technical aspects here were 100% perfect, those would be the editing, the visual effects and the make-up. The editing because, as I said before, the film transitions between 3 different timelines, and in a way that doesn't lose the viewer's attention. The visual effects because, here, we have a rare case of really convincing, almost invisible digital de-aging, except in a WWII flashback, where Robert De Niro's face looked like something out of a really recent videogame. And the make-up because it's one of the main ways in which the viewer can notice the passage of time, which is really creative. In my opinion, this film is a frontrunner in the race for some of the technical categories in the Oscars, especially Best Film Editing, Makeup and Hairstyling and Visual Effects.)

Resumindo, “O Irlandês” é um excelente filme. Com uma história real impressionante como base, e fazendo uso de um elenco muito talentoso e aspectos técnicos incríveis, Martin Scorsese retorna ao gênero de máfia com grande estilo e ambição, o que pode ajudar o filme a se tornar um destaque nas premiações do ano que vem!

Nota: 9,0 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que vocês tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “The Irishman” is an excellent film. With an astounding true story as its basis, and making use of a very talented cast and incredible technical aspects, Martin Scorsese returns to the mafia genre with great style and ambition, which may really help the film in becoming a highlight in next year's award season!

I give it a 9,0 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Doutor Sono": a melhor adaptação de Stephen King do ano (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, e venho aqui trazer para vocês a resenha de mais uma adaptação de Stephen King. Dirigido por um dos melhores diretores de terror da atualidade, o filme em questão consegue servir como sequência tanto do livro “O Iluminado”, de Stephen King, quanto da adaptação de 1980, dirigida por Stanley Kubrick. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Doutor Sono”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you doing? I'm back, and I come to bring the review of yet another Stephen King adaptation to you. Directed by one of the finest horror directors in recent times, the film I'm about to review serves as a sequel to both the novel “The Shining”, by Stephen King, and the 1980 adaptation, directed by Stanley Kubrick. So, without further ado, let's talk about “Doctor Sleep”. Let's go!)

O filme é ambientado décadas após os eventos de “O Iluminado”, acompanhando Danny Torrance (Ewan McGregor), que agora atende como Dan, em sua vida adulta. Ainda marcado pelos eventos de sua infância, Dan recorre ao álcool para suprimir suas habilidades como iluminado. Um dia, ele se comunica com uma garota, Abra Stone (Kyliegh Curran), que, por possuir as mesmas habilidades de Dan, vira alvo de uma seita que se alimenta de iluminados para prolongarem suas vidas, liderados por Rose, a Cartola (Rebecca Ferguson).

(It is set decades after the events of “The Shining”, following Danny Torrance (Ewan McGregor), now being known as Dan, in his adult life. Still traumatized by the events of his childhood, Dan resorts to alcohol in order to suppress his Shining abilities. One day, he communicates with a girl, Abra Stone (Kyliegh Curran), who, by possessing the same abilities as Dan's, becomes the target of a cult who feeds on people who Shine in order to live longer, a cult which is led by Rose the Hat (Rebecca Ferguson).)

Aí vai um fato interessante: essa é a quarta adaptação cinematográfica de Stephen King em 2019, depois de “Cemitério Maldito”, “It: Capítulo Dois”, e “Campo do Medo”, o que significa que, juntando com “Doutor Sono”, tivemos mais adaptações de Stephen King esse ano do que filmes da Marvel. Ok, vou começar com o seguinte fato: “Doutor Sono” serve sim como sequência tanto do livro “O Iluminado”, quanto do polêmico filme de Stanley Kubrick. Eu, por exemplo, só tive o filme do Kubrick como base ao assistir a sequência e entendi tudo. E, diferente do filme de Kubrick, que pega a essência do livro de King e transforma em sua própria história, aqui temos um filme que realmente parece algo do próprio King, com aspectos fantásticos, complexos, e assustadores, possuindo uma veia típica dos filmes de terror dos anos 80. E a escolha do diretor certo para comandar o filme foi um ponto essencial para que a obra andasse pra frente. E, felizmente, Mike Flanagan, responsável pela minissérie fantástica “A Maldição da Residência Hill”, acerta em cheio o diálogo entre a narrativa de King e a estética de Kubrick. Ok, vamos ao roteiro. Roteirizado pelo próprio Mike Flanagan, “Doutor Sono” possui um equilíbrio perfeito entre cenas no presente e flashbacks. O filme não reconta a obra de Kubrick, apenas selecionando (e recriando) pequenas cenas que marcaram o filme, e que poderiam servir para alguma coisa no enredo da sequência. E uma das melhores coisas sobre “Doutor Sono” é que o diretor tem plena consciência de quem ele é, não tentando, em momento algum, em “ser” Stanley Kubrick. Ele simplesmente pega tudo o que o Kubrick construiu, e insere sua própria visão nisso. A atmosfera desse filme é diferente de “O Iluminado”, sendo mais similar às atmosferas das próprias obras de Flanagan, como “O Espelho”, “Ouija: Origem do Mal” e o próprio “A Maldição da Residência Hill”. Em sentidos de dar continuidade aos dois materiais-fonte, “Doutor Sono” aprofunda em aspectos do livro de King que foram explorados apenas pela superfície no filme de Kubrick, como o alcoolismo de Jack, pai de Danny, por exemplo. Assim como nos filmes anteriores de Flanagan, esse é um filme que se importa com seus personagens. Há muito mais desenvolvimento de personagens aqui do que sustos, e isso, em um roteiro de terror, é um raro sopro de ar fresco. É bom avisar que esse filme é um pouco mais complexo e violento do que “O Iluminado”, por possuir mais uma veia de Stephen King mesmo, especialmente nos aspectos que envolvem a seita d'O Verdadeiro Nó, que é antagonista do filme. Mas aqueles que estão acostumados com a mente genial, e ao mesmo tempo, maluca de King irão aproveitar cada segundo de “Doutor Sono”. Outro aspecto do roteiro que é bom mencionar é o ritmo. Assim como o filme de Kubrick, “Doutor Sono” se movimenta lentamente, não apressando em nada, justificando sua bem-aproveitada duração de 2 horas e meia.

(There goes an interesting fact: this is the fourth Stephen King movie adaptation in 2019, following “Pet Sematary”, “It: Chapter Two”, and “In the Tall Grass”, which means that, along with “Doctor Sleep”, we've had more Stephen King adaptations this year than Marvel movies. Ok, let's start with a fact: yes, “Doctor Sleep” is a sequel to both “The Shining” novel and Stanley Kubrick's controversial adaptation. I, for example, only watched Kubrick's movie ahead of the sequel, and I understood everything. And, unlike Kubrick, who took the essence of King's story and transformed it into his own, here we have a movie that feels a lot more like something from King himself, with fantastical, complex and terrifying aspects, possessing an '80s horror sense to it. Also, the choice of the right director to put this work on the right track was an essential point for the film to move forward. And, fortunately, Mike Flanagan, who created the incredible miniseries “The Haunting of Hill House”, nails the dialogue between King's narrative style and Kubrick's aesthetics. Ok, let's talk about the script. Written for the screen by Mike Flanagan himself, “Doctor Sleep” has a perfect balance between present scenes and flashbacks. It doesn't entirely re-tell Kubrick's work, reducing itself into selecting (and recreating) scenes that made that movie iconic, and that could work something out in the sequel. And one of the best things about it is that the director knows exactly who he is, not trying in any moment, to “be” Stanley Kubrick. He simply takes everything that Kubrick built, and inserts his own vision into it. The atmosphere in this movie is a little different from “The Shining”, being a lot more similar to Flanagan's own work, like “Oculus”, “Ouija: Origin of Evil”, and hell, even “The Haunting of Hill House”. In the sense of giving continuity to both the source materials, “Doctor Sleep” dives deeper into aspects in King's novel which were only explored in the surface in Kubrick's film, like the alcoholism of Jack, Danny's father, for example. Just like in Flanagan's previous work, this is a movie that cares about its characters. There's a lot more character development in this than just scares, and that aspect, in a horror script, is a rare breath of fresh air, in my opinion. I think it's fair to warn that this is a more complex and violent movie than “The Shining”, because it has more of a Stephen King feel than a Kubrick one, especially when it comes to the True Knot cult, which is the main antagonist of the film. But those who are used to King's genius, and at the same time, crazy mind will enjoy every single second of “Doctor Sleep”. Another aspect about the script that it's worth mentioning is the pacing. Just like Kubrick's “The Shining”, this movie moves more slowly, not rushing into anything, justifying its well-done running time of 2 hours and 30 minutes.)

Além de ter um roteiro muito bom, o elenco desse filme esbanja talento, em especial o trio principal composto por Ewan McGregor, Kyleigh Curran e Rebecca Ferguson. McGregor consegue transmitir bem o trauma estabelecido pelo Danny Lloyd no filme de Kubrick, enquanto também traz sua própria versão do personagem. Eu fiquei felizmente surpreso com a atuação da estreante Kyleigh Curran. Como ela interpreta uma das personagens mais cruciais do filme, muito material foi escrito para ela, e ela trabalha com esse material de forma esplêndida. Mal posso esperar pelos outros trabalhos dessa atriz. Mas quem rouba o holofote, sem sombra de dúvidas, é a Rebecca Ferguson. Ela é uma atriz tão incrível, que a presença dela em um elenco já involuntariamente classifica um filme como bom na minha cabeça. Ela é tudo o que a personagem dela deveria ser: misteriosa, ameaçadora, imperdoável, e, acima de tudo, aterrorizante. Outro ator que vale a pena ser mencionado é o Carl Lumbly, que interpreta o cozinheiro do Overlook, Dick Hallorann, interpretado no filme de Kubrick por Scatman Crothers. E ele tem muito mais cenas aqui, se for comparado com o número de cenas dele em “O Iluminado”, sendo um personagem importantíssimo para o desenvolvimento de Dan no filme. Outros atores notáveis incluem Cliff Curtis, Zahn McClarnon e Emily Alyn Lind, que trabalham bem com o que lhes é dado. Um easter egg involuntário dos filmes anteriores de Flanagan é a presença de membros dos elencos anteriores das obras do diretor, como Bruce Greenwood, Carel Struycken (que participaram de “Jogo Perigoso”), Jacob Tremblay (que protagonizou “O Sono da Morte”), e Henry Thomas (que participou de grande parte dos projetos de Flanagan, em especial “A Maldição da Residência Hill”).

(Besides having an amazing script, “Doctor Sleep” also has a very talented cast, headlined by Ewan McGregor, Kyleigh Curran and Rebecca Ferguson. McGregor manages to transmit the trauma established by Danny Lloyd in Kubrick's film really well, while also creating his own version of the character. I was happily surprised by newcomer Kyliegh Curran's performance. As one of the most important characters in the plot, a lot of material was written for her, and she works with that material in a splendid way. I can't wait for what she does next. But who steals the spotlight here is, surely, Rebecca Ferguson. She is such an amazing actress, to the point that her presence in a film's cast involuntarily classifies the film as good in my head. She is everything her character is supposed to be: mysterious, threatening, ruthless, and, above all, terrifying. Another actor that's worth mentioning is Carl Lumbly, who portrays the Overlook's cook, Dick Hallorann, who was portrayed by Scatman Crothers in Kubrick's film. And he has a lot more scenes here, if compared to “The Shining”, being a really important character for the development of Dan in the movie. Other notable actors are Cliff Curtis, Zahn McClarnon and Emily Alyn Lind, who work really well with their material. An involuntary easter egg to Flanagan's previous works is the presence of cast members from the director's previous movies, like Bruce Greenwood, Carel Struycken (who were in “Gerald's Game”), Jacob Tremblay (who starred in “Before I Wake”) and Henry Thomas (who was in most of Flanagan's projects, most notably “The Haunting of Hill House”).)

Assim como o filme de Kubrick, “Doutor Sono” encontra seu aliado mais forte nos aspectos técnicos. A direção de fotografia de Michael Fimognari consegue resgatar tanto a atmosfera que Kubrick estabeleceu em “O Iluminado”, replicando as técnicas de Steadicam com perfeição, quanto a atmosfera familiar dos trabalhos de Flanagan. A trilha sonora dos Newton Brothers, que trabalharam na maioria dos projetos do diretor, faz um ótimo trabalho de inserir a trilha sonora icônica de Wendy Carlos na visão de Flanagan. É enervante, incômoda e assustadora. Assim como nas obras de época de Flanagan, o principal destaque aqui é a direção de arte. Os flashbacks de “O Iluminado” são filmados em tons mais claros, sendo um pouquinho mais pro sépia, para fazer o contraste com um tom mais azulado e sombrio das cenas ambientadas no presente. O hotel Overlook é recriado com perfeição, apesar do filme não girar em torno do estabelecimento. Certas tomadas e cenas em “Doutor Sono” são calculadas para parecerem idênticas à enquadramentos do filme de Kubrick, o que eu achei genial. Mas um dos aspectos mais brilhantes do filme é a edição, que é feita pelo próprio Flanagan. Vendo “O Espelho” e “A Maldição da Residência Hill”, vemos que Flanagan sabe exatamente onde cortar e onde prolongar. A melhor coisa sobre a edição de “Doutor Sono” é que ela é muito enganosa, fazendo o espectador se perguntar o tempo inteiro se o que ele está vendo é real ou não, se está na cabeça de um personagem ou não, e isso é uma das principais razões pelas quais eu considero o Mike Flanagan um gênio.

(Just like in Kubrick's film, “Doctor Sleep” finds its greatest ally in the technical aspects. Michael Fimognari's cinematography manages to rescue both the atmosphere that Kubrick established in “The Shining”, replicating the Steadicam techniques perfectly, and the familiar atmosphere of Flanagan's work. The score by the Newton Brothers, who worked on most of the director's projects, does a great job in inserting Wendy Carlos's iconic score into Flanagan's vision. It's unnerving, it bothers you, and it is terrifying. Just like in Flanagan's period work, what stands out here is the art direction. The “Shining” flashbacks are filmed in lighter, more sepia-ish tones, in order to make a contrast with the blue, darker tones of the scenes set in the present. The Overlook Hotel is recreated with perfection, even though the film doesn't spin around it, it's not the main event. Some takes and scenes in “Doctor Sleep” are calculated to seem identical to frames from Kubrick's film, which I thought it was genius. But one of the most brilliant aspects in the film is the editing, done by Flanagan himself. By watching “Oculus” and “The Haunting of Hill House”, we see that Flanagan knows exactly where to cut and where to continue filming. The best thing about the editing in this movie is that it could be very deceiving, leading the viewer to ask himself constantly if what he's seeing is real or not, if it's in someone's head or not, and that is one of the many reasons why I consider Mike Flanagan to be a genius.)

Resumindo, “Doutor Sono”, sob o comando de um dos melhores diretores de terror da atualidade, consegue conciliar as visões diferentes que Stephen King e Stanley Kubrick tinham para “O Iluminado”, juntando o melhor dos dois mundos para criar uma obra que agradará tanto aos fãs de King quanto os de Kubrick. Fazendo uso de um ótimo roteiro, um elenco talentoso e aspectos técnicos extraordinariamente similares aos do filme de Kubrick, Mike Flanagan faz de “Doutor Sono” a melhor adaptação de Stephen King de 2019.

Nota: 10 de 10!

Então, é isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Doctor Sleep”, conducted by one of the best horror directors in recent times, manages to reconcile Stephen King and Stanley Kubrick's different visions for “The Shining”, gathering the best of both worlds to create something that will please both King fans and Kubrick fans. Making use of a great script, a talented cast and technical aspects that are extraordinarily similar to the ones in Kubrick's film, Mike Flanagan makes “Doctor Sleep” the best Stephen King adaptation of the year.

I give it a 10 out of 10!

So, that's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Parasita": um filme necessário, relevante, subversivo e universal (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Então, estava planejando em voltar ao blog somente com a resenha de “Doutor Sono”, pela minha resenha anterior ter sido sobre “O Iluminado”, mas decidi voltar mais cedo, porque eu preciso falar sobre esse filme que irei resenhar agora. Vencedor da Palma de Ouro em Cannes, o filme em questão é subversivo, realista, universal e necessário, e é a prova viva de que não se deve julgar um filme pelo trailer. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Parasita”. Vamos lá!

(What's up, my fellow film buffs! How are you guys doing? So, I was planning on returning to the blog only with the review of “Doctor Sleep”, as my previous review was about “The Shining”, but I decided to return a little earlier, because I need to talk about the film I'm about to review. Winner of the Palme d'Or in Cannes, this movie is subversive, realistic, universal and necessary, and it is living proof that one must not judge a film by its trailer. So, without further ado, let's talk about “Parasite”. Let's go!)

O filme segue a família Kim, uma família de baixa renda composta por quatro pessoas: Ki-taek (Song Kang-ho), o pai; Chung-sook (Jang Hye-jin), a mãe; e os dois filhos, Ki-woo (Choi Woo-shik) e Ki-jeong (Park So-dam). Sendo uma família pobre, eles recorrem a vários bicos para ganharem dinheiro. Certo dia, Ki-woo ganha uma chance para trabalhar como tutor da filha de uma família muito rica, os Park. Aproveitando essa oportunidade, os Kim começam a se infiltrar na casa da família Park, um por um.

(The movie follows the Kim family, a lower-class family composed by 4 people: Ki-taek (Song Kang-ho), the father; Chung-sook (Jang Hye-jin), the mother; and two siblings, Ki-woo (Choi Woo-shik) and Ki-jeong (Park So-dam). As a poor family, they search for several little jobs to earn some money. One day, Ki-woo gets a chance to work as a tutor for the daughter of a really rich family, the Parks. Making use of the opportunity in front of them, the Kims begin to infiltrate themselves inside the Parks' house, one by one.)

Sempre tive receio ao assistir filmes que venceram a Palma de Ouro em Cannes, porque temia que esses filmes seriam excessivamente artísticos, narrativamente parados, e que não iriam possuir nenhuma fonte de entretenimento. Dos vencedores da Palma que eu assisti (Pulp Fiction, Taxi Driver e A Fita Branca), só um realmente me manteve engajado na história, combinando um caráter artístico com um teor de entretenimento. Outro aspecto que me deu receio foi o fato do trailer não mostrar simplesmente nada de relevância ao enredo, o que, por um lado, é bom, porque guarda todos os segredos e reviravoltas para o filme em si, mas também não ajuda a capturar a atenção do espectador. Bom, devo dizer que esse filme subverteu todas as minhas expectativas e tirou todos os meus preconceitos a respeito da Palma de Ouro. Como disse acima, é um filme que não deve ser julgado pelo trailer, então, se você tiver a oportunidade de assistir “Parasita”, se possível, nem veja o trailer, porque esse é um daqueles filmes onde a experiência é mais completa e gratificante sem ter nenhum conhecimento anterior sobre o filme. Eu já tinha visto dois trabalhos do diretor de “Parasita”, o sul-coreano Bong Joon-ho, (“Expresso do Amanhã” e “Okja”) e ele é muito bom. Uma coisa que Joon-ho faz como ninguém é misturar gêneros. Por exemplo, em “O Hospedeiro”, ele mistura terror com sátira política; em “Expresso do Amanhã”, ele mistura drama, ficção científica e ação. E essa mistura de gêneros colabora para uma subversão de expectativas por parte do espectador. Durante a primeira hora de “Parasita”, temos um clima mais de comédia de humor negro, com piadas inteligentes sobre Wi-Fi e tecnologias aqui e ali, e nós esperamos que o filme siga aquele tom pelo resto da projeção. Mas o diretor muda o curso do enredo e insere um momento específico na jornada dos protagonistas que transforma o filme num suspense muito tenso. O roteiro consegue trabalhar muito bem essas duas vertentes, e o momento dessa mudança de curso faz o espectador gritar em voz alta: “MAS O QUE DIABOS ESTÁ ACONTECENDO?”. Outra coisa que o roteiro faz bem é em apresentar seus personagens. Todos os personagens têm dois lados aqui, ninguém é taxado como “herói” ou “vilão”, algo muito parecido com o que aconteceu com “Coringa”, que aborda temas semelhantes. A família Park apresenta mais camadas do que só ser “aquela família riquinha”, e o filme nos dá todas as motivações para acreditar que é impossível categorizar as duas famílias em colunas opostas. Por incrível que pareça, em nenhum momento eu me senti entediado durante o filme, ele consegue ser extremamente cativante, devido à relevância e à universalidade do tema. E o final é, ao mesmo tempo, inesperado e perfeito. E isso é tudo que tenho a falar sobre o roteiro, para não entrar em território de spoiler.

(I was always fearful of watching Palme d'Or winning films, because I feared they would be excessively artistic, narratively slow, and that they wouldn't have any entertainment factor in them. Out of all the Palme winners I'd seen (Pulp Fiction, Taxi Driver and The White Ribbon), only one of them managed to keep me invested in the story, combining an artistic vein with an entertainment factor. Another aspect that made me fearful was the fact that the trailer didn't show anything relevant to the plot, which, on one side, is good, because they can keep all the secrets and twists to the movie itself, but that also doesn't help in capturing the viewer's attention. Well, I must say that this film has subverted all of my expectations and excluded every kind of prejudice I had against the Palme d'Or. As I said above, it is a film that mustn't be judged by its trailer, so, if you ever have the opportunity to watch “Parasite”, don't even watch the trailer, if possible, as this is one of those films where the viewing experience is much more complete and gratifying without any prior knowledge. I had already seen two films from the director of “Parasite”, South-Korean Bong Joon-ho (“Snowpiercer” and “Okja”), and he is really good. One thing that Joon-ho does better than anybody is mixing genres. For example, in “The Host”, he mixes horror with political satire, in “Snowpiercer”, he mixes drama, sci-fi and action. And that mix of genres collaborates to a subversion of expectations from the viewer. During the first hour of “Parasite”, we have a dark comedy-ish mood, with jokes about Wi-Fi and technology here and there, and we expect that that tone is followed all the way through the very end. But then the director changes the course of the story and inserts a very specific moment in the protagonists's journey, which turns the movie into a really tense thriller. The script works out these two veins really well, and in the moment that mood changes, the viewer feels the need to shout out: “WHAT THE HELL IS GOING ON?”. Another thing that the script excels at is presenting its characters. Every character has two sides here, no one is categorized as the “good guys” or as the “bad guys”, which is really similar to what happened in “Joker”, a movie that follows similar themes. The Park family presents more layers than just settle on being “that little rich family”, and the film gives us all the motivations to believe that it's impossible to categorize these two families in opposite categories. As incredible as it may seem, I did not feel bored at any moment in the movie, it manages to be extremely engaging, due to the relevance and the universality of the theme in it. And the ending is, at the same time, unexpected and perfect. And that's all I'm going to say about the script, so that I don't enter into spoiler territory.)

O elenco desse filme é extremamente convincente. O Song Kang-ho, que interpreta o pai dos Kim, é o que trabalha melhor com o que lhe é dado. Ele é engraçado, sarcástico, e é dono de algumas das melhores cenas do filme, em especial um monólogo que seu personagem faz na segunda metade, que é simplesmente brilhante. A Jang Hye-jin, o Choi Woo-shik, e a Park So-dam também são muito bons, colaborando para reforçar a química entre a família Kim, que é um dos fios condutores do filme, e tudo isso graças ao talento que o elenco tem. O Lee Sun-kyun e a Cho Yeo-jong conseguem trabalhar as várias camadas dos Park muito bem. E por último, mas não menos importante, temos a Lee Jung-eun, em um papel crucial para a trama, onde ela transita entre estados de espírito completamente opostos de uma forma excepcional. Novamente, para não entrar em spoilers e especificidades, é tudo o que eu tenho a dizer sobre o elenco.

(The cast in this film is extremely convincing. Song Kang-ho, who plays the Kim's father, is the one who works the best with what he's given. He's funny, sarcastic, and owns some of the best scenes in the film, especially a monologue that his character gives in the second half of it, which is simply brilliant. Jang Hye-jin, Choi Woo-shik, and Park So-dam are also really good, collaborating to reinforce the chemistry between the Kim family, which is one of the film's guiding forces, and all that thanks to the talent of the cast. Lee Sun-kyun and Cho Yeo-jong manage to work with the several layers the Parks have beautifully. And at last, but not least, we have Lee Jung-eun, in a vital role to the plot, where she oscillates between completely opposite moods in an exceptional way. Again, in order to not enter into spoilers and specific territory, that's all I have to say about the cast.)

Agora, vamos aos aspectos técnicos, onde temos várias coisas incrivelmente bem feitas. A fotografia é bem movimentada, a câmera nunca fica estática em um ângulo só. Há algumas tomadas onde a câmera acompanha os personagens em um percurso que são simplesmente sensacionais. A montagem é muito bem feita, justificando a duração prolongada do filme, que é muito bem aproveitada. Algo que se destaca nos aspectos técnicos de “Parasita”, e que certamente, refletirá nos prêmios do ano que vem, é a direção de arte. O contraste entre o modo de vida das duas famílias é feito quase que inteiramente pela direção de arte, e é simplesmente perfeito. Quando estamos na casa dos Kim, vemos algo mais primitivo, sujo, podre, com tons mais acinzentados e mofados; já quando estamos na casa dos Park (que foi construída do zero especialmente para o filme), vemos algo mais moderno, limpo, cristalino, puro, com tons mais claros, e eu achei isso incrível.

(Now, let's get to the technical aspects, where we have several things that have been done beautifully. The cinematography moves really well, the camera never stands still in one single angle. There are some tracking shots that follow the characters as they walk which are simply sensational. The editing is really well done, justifying the film's long running time, which is never wasted, in any moment. Something that stands out in the technical aspects of “Parasite”, which will certainly reflect on next year's awards, is the art direction. The contrast between the way of life of the two families is established almost entirely through the art direction, and it is simply perfect. When we are at the Kim's house, we see something more primitive, dirty, rotten, with moldy, gray-ish tones; while at the Park's house (which was built from scratch specifically for the film), everything's more modern, clean, pristine, pure, with clearer tones, and I thought that was amazing.)

Agora, fora um pouco da análise do filme em si, venho discutir algo que é bem raro de acontecer, mas que possui uma enorme chance de se realizar no Oscar do ano que vem. Desde a vitória em Cannes, o filme está sendo criticamente aclamado, e categorizado como um dos principais indicados ao Oscar do ano que vem, o que é bem similar ao que aconteceu com “Roma”, de Alfonso Cuarón, que levou 3 Oscars, e foi indicado à categoria de Melhor Filme. Então, a pergunta é: “Parasita” será o novo “Roma”, no quesito de ser um filme estrangeiro com potencial de ser indicado nas principais categorias? Bom, ao meu ver, sim, e tem toda a capacidade de fazer o que o filme de Cuarón não fez e realmente ganhar o Oscar de Melhor Filme. O filme possui essa força pelo fato dos temas abordados por ele possuírem um teor universal, ao invés de serem contidos na realidade da Coréia do Sul. Minhas previsões para esse filme no Oscar 2020 seguem assim: para as categorias principais, as com maior chance do filme ser indicado são em Melhor Filme, Diretor e Roteiro Original, pela força narrativa que “Parasita” tem e pelo impulso que a distribuidora americana do filme está investindo; nas categorias de atuação, é algo mais difícil, porque é muito raro ver indicados que não são norte-americanos nessas categorias, salvo algumas exceções, mas se acontecer, não ficarei surpreso em ver o Song Kang-ho sendo indicado a Melhor Ator e talvez a Lee Jung-eun sendo indicada a Melhor Atriz Coadjuvante; nas categorias técnicas, apostaria que o filme conseguiria ser indicado à Melhor Fotografia, Direção de Arte e Melhor Trilha Sonora Original, que são alguns dos aspectos mais comentados do filme; e é claro, temos o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, onde “Parasita” é o favorito. Então, se minhas previsões estivessem corretas, teríamos 9 indicações para o filme, o que não é tão longe das 10 indicações que “Roma” recebeu no Oscar desse ano. Na minha opinião, o filme tem potencial para ser indicado à essas categorias, mas vamos ver o que a Academia tem a dizer a respeito de “Parasita” quando as indicações saírem.

(Now, a little bit outside of the review itself, I'm going to discuss something that's really rare, but has an enormous chance of happening in next year's Oscars. Ever since the film's victory in Cannes, it has been gathering great acclaim from critics, and people have been labeling it as an Oscar frontrunner, which is quite similar to what happened to Alfonso Cuarón's “Roma”, that ended up winning 3 Oscars, besides being nominated for the main category of Best Picture. So, the question is: Is “Parasite” the new Roma, in the aspect of being a foreign language film with potential of being nominated in the main categories? Well, in my point of view, yes, and it has all the capacity of doing what Cuarón's film didn't do and actually win Best Picture. It has this type of strength because it makes its themes universal, rather than containing them into the reality of South Korea. My predictions for this movie at next year's Oscars stand like this: in the main categories, it has a bigger chance on being nominated for Best Picture, Director and Original Screenplay, because of its narrative strength and the investments that its American distributor is boosting on it; in the acting categories, it's a bit harder, because it's so rare to see non-American people nominated for these categories, but if it happens, I won't be surprised in seeing Song Kang-ho nominated for Best Actor, and maybe Lee Jung-eun nominated for Best Supporting Actress; in the technical categories, I believe it could achieve nominations for Best Cinematography, Art Direction and Best Original Score, which are some of the most talked-about aspects of the film; and of course, we have the Oscar for Best International Feature Film, in which “Parasite” is the frontrunner to win the award. So, if my predictions turned out to be correct, we would have 9 nominations for the film, which is not that far from “Roma”'s 10 nominations at this year's Oscars. In my opinion, it really has potential to be nominated in these categories, but let's see what the Academy has in store for “Parasite” when the nominations are revealed.)

Resumindo, “Parasita” é um tremendo filme. Ele possui uma narrativa cativante que subverte as expectativas do espectador, misturando gêneros muito bem; o filme faz uso de um elenco talentoso que é crucial para a movimentação da trama; os aspectos técnicos são dignos de prêmios. E por último, mas não menos importante, ele aborda temas importantes, necessários, relevantes, e acima de tudo, universais.

Nota: 10 de 10!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Parasite” is one hell of a film. It has an engaging narrative that subverts the viewer's expectations, mixing genres really well; it makes use of a talented cast, which is vital for the film to move forward; its technical aspects are award-worthy. And at last, but not least, it deals with important, necessary, relevant, and, above all, universal themes.

I give it a 10 out of 10!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"O Iluminado": uma obra relevante, revolucionária e aterrorizante, até mesmo nos dias de hoje (Bilíngue) [SPOILERS]

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E aí, galerinha de cinéfilos! Estou de volta, e venho aqui falar sobre um dos maiores clássicos do gênero terror. Sendo, especificamente, uma adaptação de Stephen King, o filme em questão ganhou notoriedade por desviar do seu material fonte, para o desgosto do autor do livro, com o objetivo de criar uma obra única, atemporal, e aterrorizante, até mesmo nos dias de hoje. Em preparação para o aguardado “Doutor Sono”, vamos falar sobre “O Iluminado”. Vamos lá!

(What's up, film buffs! I'm back, and I come here to talk about one of the biggest classics in the horror genre. Being, specifically, a Stephen King adaptation, this movie was notorious for deviating of its source material, for King's disgust, with the objective of creating a unique, timeless, and terrifying film, even for today's times. In preparation for the awaited sequel, “Doctor Sleep”, let's talk about “The Shining”. Let's go!)

Com o objetivo de curar seu bloqueio criativo, um escritor alcóolatra, Jack Torrance (Jack Nicholson), aceita o trabalho de zelador em um hotel nas montanhas do Colorado durante o inverno. Ele se muda para lá com a esposa, Wendy (Shelley Duvall), e o filho, Danny (Danny Lloyd), que é atormentado por visões do passado sombrio do hotel. Devido ao isolamento causado pelas constantes nevascas, Jack descobre os segredos trágicos do local onde mora, e começa a perder sua sanidade.

(In order to cure his writer's block, an alcoholic writer, Jack Torrance (Jack Nicholson), accepts a janitor job in a hotel located in the Colorado Rockies during the winter. He moves there with his wife, Wendy (Shelley Duvall), and his son, Danny (Danny Lloyd), who is tormented by visions of the hotel's dark past. Due to the isolation caused by the constant blizzards, Jack discovers the tragic secrets of the place where he lives, and starts to lose his sanity.)

“O Iluminado” é uma daquelas raras adaptações que desviam do seu material fonte, com o objetivo de criar algo ainda mais rico. Dirigido por alguém que dispensa apresentações, Stanley Kubrick pega a essência básica do livro de Stephen King, e faz um filme de Kubrick a partir dessa essência, em vez de fazer apenas uma mera adaptação. E, para quem gosta de filmes do gênero, funciona perfeitamente. Infelizmente, não pode se dizer o mesmo para Stephen King, que até os dias de hoje, despreza o que Kubrick fez com seu livro, chegando ao ponto de gravar uma minissérie com um enredo mais fiel ao material fonte, mas que, tecnicamente, não possui as mesmas qualidades. Pode-se dizer que “O Iluminado” é o filme mais acessível de Stanley Kubrick, servindo como um ótimo ponto de partida para a filmografia de alguém que é considerado um dos melhores diretores de todos os tempos. Ok, vamos ao roteiro. Há duas versões diferentes desse filme: a internacional, que beira as 2 horas de duração; e a americana, que possui 20 minutos a mais. A versão que assisti foi a do Blu-ray, que é a internacional, então só irei considerar os aspectos próprios dela. “O Iluminado” tem um roteiro maravilhoso, com um passo meticulosamente calculado. Os personagens são apresentados de forma apropriada, e a ambientação do filme, no caso, o Hotel Overlook, é algo essencial para que a história se movimente. O caráter isolado do hotel dá um teor restrito e até claustrofóbico para o roteiro, o que faz dele algo ainda mais aterrorizante. Atualmente, temos vários filmes de terror que não fazem uso de jumpscares para causar arrepios na espinha da plateia, como “A Bruxa”, “Midsommar” e “Hereditário”. O clássico de Kubrick também não faz uso desse artifício, criando uma atmosfera mais perturbadora do que, especificamente, assustadora. E fico feliz em dizer que “O Iluminado” ainda tem gás mesmo nos dias de hoje, ou seja, quase 40 anos depois de seu lançamento. É um filme de terror? Sim, mas está longe de ser um terror convencional. Temos aqui um filme que é aberto a interpretações. Ao final do filme, nos fazemos várias perguntas, como: o Jack realmente via os fantasmas ou era tudo uma alucinação causada pela “febre da cabana”?; o que o Grady quis dizer quando falou que o Jack “sempre foi” o zelador do Hotel Overlook?; e por quê o Jack está em uma foto tirada há quase 60 anos antes dele se tornar o zelador do Hotel?. É um filme que foi, é, e ainda será discutido pelas gerações que virão, devido à sua atemporalidade.

Resumindo, o roteiro de “O Iluminado” desvia de seu material fonte, e entrega uma obra rica, claustrofóbica (no bom sentido) e aterrorizante, até mesmo para os dias de hoje.

(“The Shining” is one of those rare adaptations that deviate from its source material, in order to create something even richer. Directed by someone that needs no introduction, Stanley Kubrick takes the basic essence of Stephen King's book, and he makes a Kubrick movie out of that essence, rather than just a mere adaptation. And, for those who enjoy watching horror films, it works perfectly. Unfortunately, the same cannot be said about Stephen King, who despises what Kubrick did to his book to this day, to the point of filming a miniseries that has a more faithful plot, but doesn't reach the film's technical qualities. It can be said that “The Shining” is Stanley Kubrick's most acessible film, being a great starting point for the filmography of someone considered to be one of the best directors of all time. Okay, let's talk about the script. There are two different versions of this film: the international one, which has a 2-hour running time; and the American one, which is 20 minutes longer. The version I watched was the one in the Blu-ray, the international one, so that's the one I'll discuss here. “The Shining” has a wonderful script, with a meticulously calculated pace. The characters are presented in an appropriate way, and the setting of the film, in this case, the Overlook Hotel, is essential for the story to move forward. The isolated character of the hotel gives a restricted, and even claustrophobic tone to the script, which makes it even more terrifying. Recently, we've had a good number of horror films that didn't make use of jumpscares in order to give its audience the chills, like “The Witch”, “Midsommar” and “Hereditary”. Kubrick's classic also doesn't make use of this artifice, creating an atmosphere that's more disturbing than, necessarily, scary. And I'm glad to say that “The Shining” still scares even today, that is, almost 40 years since its release. Is it a horror film? Yes, but it's far from being your conventional horror. We have a movie that's open to different interpretations. When the credits start rolling, we ask ourselves several questions, like: did Jack actually see the ghosts or was it all just a hallucination caused by cabin fever?; what did Grady mean when he said Jack “has always been” the caretaker for the Overlook?; and why is Jack present in a photo taken 60 years prior to his job at the hotel?. It's a film that has, is, and will be discussed for generations to come, due to its timelessness.

In a nutshell, the script for “The Shining” deviates from its source material, delivering a rich, claustrophobic (in a good way) and terrifying piece of work, even for today's times.)

Além de um roteiro muito bem escrito, temos aqui um elenco muito bem escalado. O fato de que Jack Nicholson não foi indicado ao Oscar de Melhor Ator por esse filme ainda me assusta. O desenvolvimento dele aqui é inacreditável. As expressões faciais dele causam um desconforto enorme no espectador, especialmente quando se torna claro que ele está perdendo a sanidade. Falando nisso, há um modo bem interessante de perceber o declínio da sanidade do personagem. (P.S.: Prestem bastante atenção no cabelo do Jack ao longo do filme.) Ao enlouquecer, Jack possui uma habilidade fascinante em oscilar entre estados de humor, e isso é refletido pela atuação forte, assustadora, compromissada e icônica de Nicholson. Algo polêmico aqui é a performance de Shelley Duvall como Wendy. Foi reportado que a atriz ficou traumatizada durante as gravações do filme, onde Kubrick repetiu uma mesma cena 127 vezes, o que quase levou Duvall à loucura. Mas, para falar a verdade, através da atuação dela, temos o que seria a nossa reação aos eventos retratados no filme. Como o Jack vai ficando louco, e o Danny possui habilidades sobrenaturais, temos, em Wendy, a única personagem humana e sã da história, e isso é refletido de forma perfeita em sua atuação, que alguns podem taxar como exagerada, mas que tem um tom realista e até natural inserido nela. E, completando o trio principal, temos Danny Lloyd como Danny. Ele é um ótimo ator mirim, e as reações dele às visões que o personagem tem sobre o hotel são críveis e legítimas. Ele faz um ótimo trabalho de manipulação de voz, transitando entre o tom doce e inocente de Danny e o tom grotesco e inquietante de Tony, amigo imaginário do personagem, com perfeição. Além dos 3 principais, temos performances significativas de Scatman Crothers, que serve para dar um pouco de exposição para a história e as habilidades de Danny; Philip Stone, que manipula o personagem de Nicholson; e Joe Turkel, que interpreta um barman que é curiosamente próximo de Jack.

(Besides having a well-written script, we have here a cast that perfectly fits their characters. The fact that Jack Nicholson did not get nominated for the Oscar for Best Actor because of this still scares me. His development here is unbelievable. His facial expressions cause an enormous discomfort in the viewer, especially when it becomes clear that he's losing his sanity. Speaking of that, there's a very interesting way in perceiving his descent into insanity. (P.S.: Pay attention to the character's hair throughout the film.) By going mad, Jack possesses the fascinating ability of oscillating through different moods, and that's reflected through Nicholson's strong, terrifying, committed and iconic performance. One thing that causes a certain controversy here is Shelley Duvall's performance as Wendy. It has been reported that the actress was traumatized during the film's production, where Kubrick repeated the same scene 127 times, which nearly drove Duvall mad. But, truth be told, through her performance, we have what would be our reaction to the events of the film. As Jack gradually goes insane, and as Danny has special abilities, we have, in Wendy, the only human, sane character in the story, and that is perfectly reflected in her performance, which some may label as exaggerated, but that has a realistic and even natural tone inserted in it. And, to round up the main trio, we have Danny Lloyd as Danny. He is a great child actor, and his reactions to the visions his character has about the hotel are believable and legitimate. He does a great job in manipulating his voice, transitioning between the sweet and innocent tone in Danny's voice and the grotesque, unsettling tone in the voice of Tony, the character's imaginary friend, with perfection. Besides the main three, we have significant performances by Scatman Crothers, who gives a little exposition to the story and Danny's abilities; Philip Stone, who manipulates Nicholson's character; and Joe Turkel, as a bartender who is curiously close to Jack.)

Se tem uma coisa que não possui defeitos em “O Iluminado”, são os aspectos técnicos. Se brincar, esse filme é o mais tecnicamente perfeito que eu já vi. São justamente alguns de seus aspectos técnicos que tornam o filme tão influente para o gênero nos dias de hoje. Por exemplo, o filme é conhecido por ser um dos pioneiros do Steadicam, um método de filmagem que permite sequências contínuas mais fluidas, sem serem picotadas pela edição. A equipe de fotografia faz um ótimo uso desse método, especialmente na cena inicial, com aquele take aéreo da estrada; e na cena do Danny andando em seu triciclo no hotel, onde a câmera acompanha o personagem com uma enorme precisão. A equipe de fotografia também faz um ótimo trabalho em fazer enquadramentos quase que perfeitamente simétricos. Tão simétricos, que se você dividir a imagem ao meio, dá exatamente a mesma “quantidade” de imagem em cada lado. Algo que contribui para a atmosfera inquietante do filme é a montagem. Por exemplo, na cena do pesadelo de Danny, onde ele imagina uma cascata de sangue saindo do elevador do hotel, são inseridas várias cenas menores que causam um grande desconforto e até curiosidade no espectador, tudo isso graças à edição. O aspecto também colabora para a falta de jumpscares no filme, o que é algo bom, não se enganem quanto a isso. Algo que também marca seu território em “O Iluminado” é a trilha sonora, composta por Wendy Carlos e Rachel Elkind, que é tão inquietante quanto os eventos que vemos na tela. A direção de arte é um dos aspectos mais belos do filme. Os cenários são hipnotizantes, eles nos dão um senso de acomodação, mas ao mesmo tempo, eles nos enervam, e essa mistura de sentimentos feita através da direção de arte é simplesmente brilhante.

(If there's one thing that is 100% flawless in “The Shining”, it's the technical aspects. Actually, this may be the most technically perfect film I've ever seen. It's exactly some of its technical aspects that make this movie so influential for the genre. For example, it is known for being one of the pioneers for Steadicam, a filming method that allows more fluid tracking shots, without being roughly cut in the editing room. The cinematography team makes a great use of this method, especially in the initial scene, with that aerial take of the road; and in the scene where Danny rides his tricycle across the hotel, where the camera follows the character with an enormous precision. The cinematography team also does a great job in creating almost perfectly symmetrical frames. So symmetrical that, if you divide the image into two halves, you'll have the same “quantity” of picture in each half. One thing that contributes to the unsettling atmosphere of the film is the editing. For example, during Danny's nightmare scene, where he witnesses a cascade of blood coming out of the Overlook's elevator, several shorter scenes are inserted in it. That gives some curiosity and discomfort in the viewer, all thanks to the editing. It also collaborates to the lack of jumpscares in the film, which is a good thing, don't be mistaken about that. Another thing that also marks its territory is the score, composed by Wendy Carlos and Rachel Elkind, which is just as unsettling as the events we see on the screen. The art direction is one of the most beautiful aspects in the film. The scenarios are hypnotizing, they give us a sense of coziness, but they are also unnerving, and that mix of feelings caused through the art direction is simply brilliant.)

Algo que gostaria de ressaltar sobre o filme é como ele ainda tem relevância hoje em dia. Devido às várias referências colocadas em filmes, séries e até desenhos, personagens como Jack, Danny, as gêmeas Grady, e cenas como a do elevador, a da icônica frase “Here's Johnny!”, e a própria cena onde Danny encontra as gêmeas no corredor são extremamente conhecidas por cinéfilos de todas as idades. Confesso que nunca me surgiu uma vontade de realmente ver o filme até ele ser referenciado na melhor cena de “Jogador Número 1”, de Steven Spielberg, onde os personagens exploram o Hotel Overlook em busca de um objetivo em comum, a qual vocês podem ver abaixo. É simplesmente fascinante como um filme que foi inicialmente massacrado pela mídia e crítica se tornou algo extremamente relevante e influente para o cinema nos dias de hoje. “O Iluminado” é um filme icônico, e com razão. Ele faz uso de uma boa história, possui incríveis atuações de seu elenco, e é elevado à enormes alturas através de seus aspectos técnicos, que foram revolucionários para a época. É um filme que ainda fascina, e irá fascinar todos aqueles que assistirem ao filme no futuro, sem dúvidas.

(One thing I'd like to make clear about the film is how it is still relevant today. Due to the several references put in movies, TV shows and even cartoons, characters like Jack, Danny, the Grady sisters, and scenes like the elevator one, the one with the iconic phrase “Here's Johnny!”, and the scene where Danny encounters the Grady sisters in the hall are extremely well-known by film buffs of all ages. I confess that I never wanted to actually see the film until it got referenced in the best scene in Steven Spielberg's “Ready Player One”, where the characters explore the Overlook Hotel searching for a common objective, a scene you can check out below. It's simply fascinating how a movie that was initially massacred by the media and the critics became something extremely relevant and influential for cinema today. “The Shining” is an iconic film, and rightfully so. It makes use of a good story, has amazing performances by its cast, and is elevated to enormous heights through its technical aspects, which were revolutionary at the time. It's a movie that's still able to fascinate, and it will, without a doubt, fascinate every single person who watches it in the future.)

Resumindo, “O Iluminado” é uma obra-prima. É mais uma prova que Stanley Kubrick é um dos melhores diretores de todos os tempos. Claro, pode não ser uma adaptação fiel ao livro de Stephen King, mas é uma obra rica, relevante, revolucionária e aterrorizante, até mesmo para os dias de hoje. Que venha “Doutor Sono”!!

Nota: 10 de 10!!

Então, é isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “The Shining” is a masterpiece. It's one more proof that Stanley Kubrick is one of the greatest directors of all time. Sure, it may not be a faithful adaptation to Stephen King's book, but it is a rich, relevant, revolutionary, and terrifying piece of work, even for today. Can't wait for “Doctor Sleep”!!

I give it a 10 out of 10!!

So, that's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Looking for Alaska": uma história emocionante, honesta e verdadeira sobre amadurecimento (Bilíngue)

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E aí, galerinha de cinéfilos! Estou de volta, e irei falar, nesse post, sobre uma minissérie que acabou de sair do forno, e que já merece a sua atenção. Até agora, tivemos duas ótimas adaptações dos livros de John Green, sendo elas “A Culpa é das Estrelas” e “Cidades de Papel”, mas essa minissérie, baseada em “Quem é Você, Alasca?”, provavelmente é a adaptação mais honesta, emocionante e realista das três até agora. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Looking for Alaska”. Vamos lá!

(What's up, film buffs! I'm back, and I'll say my thoughts, in this post, on a miniseries that just premiered, and that already deserves your attention. Until now, we've had two great adaptations of John Green's books, which are “The Fault in Our Stars” and “Paper Towns”, but this miniseries, based on “Looking for Alaska”, probably is the most honest, emotional and realistic adaptation out of the three. So, without further ado, let's talk about “Looking for Alaska”. Let's go!)

A minissérie é ambientada no início dos anos 2000, e conta a história de Miles Halter (Charlie Plummer), um adolescente fissurado por últimas palavras que vive uma vida sem graça na Flórida. Um dia, seus pais decidem matriculá-lo em um internato no Alabama, a Escola Culver Creek, onde Miles se envolve em pegadinhas com seu colega de quarto, Chip “Coronel” Martin (Denny Love), e onde ele se apaixona por Alaska Young (Kristine Froseth), uma garota misteriosa e emocionalmente instável.

(The miniseries is set in the early 2000s, and tells the story of Miles Halter (Charlie Plummer), a teenager who is fascinated by last words, and that lives a pretty boring life in Florida. One day, his parents decide to enroll him in a boarding school in Alabama, Culver Creek High School, where Miles gets involved in pranks with his roommate, Chip “The Colonel” Martin (Denny Love), and where he falls in love with Alaska Young (Kristine Froseth), a mysterious and emotionally unstable girl.)

Ok, pra começar, eu não li o livro antes de ver a série, mas confesso que, depois de ver 7 dos 8 episódios, dei uma breve folheada no livro, e percebi que é uma adaptação bem fiel ao material fonte. Até partes que parecem não significar nada em um livro, como uma fala qualquer, são adaptadas perfeitamente na série. Aliás, a jogada de transformar o livro em uma minissérie ao invés de um filme de 2 horas foi incrivelmente bem feita, porque temos aqui 8 horas para desenvolver e adaptar a trama de um livro de 230 páginas. Outra coisa que me convenceu a ver essa minissérie foi o fato de ser uma adaptação de um trabalho do John Green. Eu simplesmente amei tanto “A Culpa é das Estrelas” quanto “Cidades de Papel”, porque são retratos honestos, verdadeiros, e muito emocionantes sobre amadurecimento. E aqui, felizmente, não é diferente. Há tantas séries de drama adolescente atualmente, mas fico feliz que escolheram o criador de algumas das mais famosas séries do gênero para desenvolver “Looking for Alaska”: Josh Schwartz, que criou “The O.C.” e “Gossip Girl”. Ok, vamos ao roteiro. Em geral, é uma trama muito bem desenvolvida, com um equilíbrio perfeito entre comédia e drama. É uma história que consegue capturar um retrato muito bem calculado de uma adolescência conturbada. Se for para comparar com outra obra, eu faria uma comparação positiva com “As Vantagens de ser Invisível”, que é outro livro maravilhoso sobre amadurecimento. Nós somos apresentados ao nosso protagonista, que começa sendo um garoto tímido e introvertido. E ao longo da série, suas atitudes vão mudando gradualmente, de forma lenta, assim como o Charlie, de “As Vantagens...”. Algo que os fãs do livro irão notar é a expansão no número de pontos de vista na série se comparado à obra original, que é narrada sobre o ponto de vista de Miles. Temos aqui vários “narradores”, ou seja, muitas perspectivas, em especial as do “Coronel”, o colega de quarto do protagonista, e as da Alaska, e isso colabora para fazer com que nos importemos com todos os personagens. Nós rimos com eles, nós choramos com eles, nós sentimos por eles, e principalmente, nós crescemos com eles. E o mais interessante, “Looking for Alaska”, além de ser um ótimo entretenimento, nos ensina lições, algo que não acontece em “Riverdale”, por exemplo. Aqui, lidamos com temas como saúde mental, vícios, luto, crenças, e traumas, de uma forma bem mais elaborada e menos chocante do que “13 Reasons Why”, outra série do gênero drama adolescente. Não teve um minuto nessa minissérie onde eu me senti entediado, eu me senti investido na história desde a primeira cena. E assim como as adaptações anteriores de John Green, “Looking for Alaska” é extremamente emocionante, inesperada, e acima de tudo, verdadeira e honesta, então já é certo que irá atrair os fãs do autor.

Resumindo, o roteiro de “Looking for Alaska” faz uso de 8 horas para fazer uma adaptação que consegue ser fiel ao livro que a inspirou, mas que também expande o seu próprio universo.

(Ok, for starters, I did not read the book before watching the series, but I confess that, after watching 7 out of the 8 episodes, I flicked through some pages of it, and realized it's a pretty faithful adaptation of its source material. Even parts that seem not to mean anything on a book, like a random line, is adapted perfectly into the series. By the way, the idea of adapting the novel into a miniseries rather than a 2-hour movie was a genius one, because, here, we have 8 hours to develop and adapt the plot of a 230-page book. Another thing that convinced me into watching this series was the fact that it was a John Green adaptation. I simply loved both “The Fault in Our Stars” and “Paper Towns”, because they are honest, true and really emotional portraits of people coming of age. And here, fortunately, it's not different. There are so many teen drama TV shows recently, but I'm glad that they chose the creator of some of the most famous shows in the genre to develop this specific show: Josh Schwartz, who created “The O.C.” and “Gossip Girl”. Ok, let's talk about the script. Generally, it's a really well-developed plot, with a perfect balance between comedy and drama. It's a story that can capture a well-calculated portrait of a teenage life turned upside down. If I had to compare it to another novel, I would make a very positive comparison to “The Perks of Being a Wallflower”, which is a marvelous coming-of-age book. We are presented to our protagonist, who starts off as a shy, introverted boy. And throughout the series, his attitudes gradually change, much like Charlie, from “The Perks...”. Something that fans of the book will notice is the expansion of points of view in the show if compared to the source material, which is narrated by Miles. Here, we have several “narrators”, many perspectives, especially the ones of the “Colonel”, Miles's roommate, and Alaska herself, which collaborates in making us care about these characters. We laugh with them, we cry with them, we feel for them, and most importantly, we grow with them. And the most interesting thing about “Looking for Alaska” is that, besides being a great source of entertainment, it also teaches us lessons, something that doesn't happen in “Riverdale”, for example. Here, we deal with themes like mental health, addictions, grief, beliefs and traumas, in a much more elaborate and much less shocking way than “13 Reasons Why”, another series in the teen drama genre. There wasn't a minute in this miniseries where I felt bored, I got myself invested into it from the very first scene. And just like previous John Green adaptations, “Looking for Alaska” is extremely emotional, unexpected, and above all, true and honest, so that it will surely attract the fans of the author.

In a nutshell, the script for “Looking for Alaska” makes a great use of 8 hours to make an adaptation that is faithful to the book that inspired it, while it also expands its universe.)

Ao falar do elenco, todos os atores nessa minissérie têm uma coisa em comum: todos fazem um trabalho maravilhoso em expressar diversas emoções. O Charlie Plummer dá um show aqui como Miles. Ele começa sendo aquele garoto esquisito, tímido, mas ao longo da série, vemos um desenvolvimento claro no personagem, que é sentido na performance dele. Outro personagem de John Green que me faz lembrar bastante do Miles é o Quentin, de “Cidades de Papel”, que possui um desenvolvimento bem similar, mas não tão emocionante quanto o protagonista dessa minissérie. A Kristine Froseth ganhou meu coração como a Alaska. Ela é o que a Margo, de “Cidades de Papel”, deveria ser: misteriosa, instável, que oscila entre vários estados de espírito. E ela encaixa perfeitamente no papel. Eu prevejo um futuro brilhante para essa atriz, e talvez, até algumas indicações para prêmios por causa dessa atuação. Temos um dos melhores personagens da série no “Coronel” de Denny Love, que consegue ser um fantástico alívio cômico, mas que também expressa um número surpreendentemente maior de emoções. É aquele raro alívio cômico com camadas, e eu adorei esse personagem. Temos desenvolvimentos menores, mas significativos nos personagens de Jay Lee e Sofia Vassilieva. E no elenco adulto, temos os personagens vividos por Timothy Simons, Ron Cephas Jones e Deneen Tyler, que, ao mesmo tempo que os mesmos se desenvolvem, também servem para mover os protagonistas adolescentes para frente, junto com a trama.

(When talking about the cast, there's one thing that every actor in this miniseries has in common: they all do a marvelous job in expressing several emotions. Charlie Plummer gives the performance of his life as Miles. He starts off as that weird, shy kid, but throughout the series, we see a clear development in his character, which is felt through his performance. Another John Green character that reminds me a lot of Miles is Quentin, from “Paper Towns”, who has a very similar development, although it's not as emotional as Miles's in this miniseries. Kristine Froseth won my heart over as Alaska. She is what Margo, from “Paper Towns”, should've been: mysterious, unstable, moody. And she fits the part perfectly. I predict a bright future for this actress, and maybe, even some award nominations because of her performance. We have one of the best characters in the show in Denny Love's “Colonel”, who manages to be an amazing comic relief, but he also expresses a surprisingly bigger quantity of emotions. He's that rare comic relief that also has layers, and I loved his character. We have smaller, but significant developments in the characters portrayed by Jay Lee and Sofia Vassilieva. And in the adult cast, we have Timothy Simons, Ron Cephas Jones and Deneen Tyler as significant adult roles that, at the same time that they develop their own story, also are there to move the teenage protagonists forward, along with the plot.)

Nos aspectos técnicos, não há nada de novo. Em tempos onde quase não é possível distinguir um filme de uma série pela qualidade técnica, “Looking for Alaska” segue as regras que séries de streaming estabeleceram no passado. A fotografia é muito boa, a edição faz um bom trabalho em deixar certos eventos implícitos, e em estabelecer pontos diferentes de linhas temporais. Por exemplo, quando há um flashback, o formato de tela aumenta, enquanto na época da série, a tela assume um formato mais widescreen, algo bem parecido com o que aconteceu em “O Grande Hotel Budapeste”, de Wes Anderson. Uma coisa que me atraiu bastante ao assistir a série foi a trilha sonora. Como a obra é ambientada no início dos anos 2000, temos uma trilha sonora que equilibra perfeitamente os sucessos da época, como The Killers, Coldplay e Gorillaz, mas também temos clássicos de décadas anteriores. É incrível como uma série consegue nos estabelecer em uma linha temporal por meio da trilha sonora. A direção de arte também é muito bem feita, conseguindo replicar perfeitamente as particularidades da época que serve de ambientação para a minissérie. Há um uso bem feito de CGI em um aspecto específico na minissérie, o qual os fãs do livro irão saber de imediato, mas nada de spoilers aqui.

(In the technical aspects, there's nothing new. In times where it's almost not possible to tell the difference between a movie and a TV show by its technical quality, “Looking for Alaska” follows the rules that streaming service shows have established in the past. The cinematography is really good, the editing does a great job in maintaining some events as implicit, and in establishing different points in the timeline. For example, when there's a flashback, the screen's format expands, while in the series's timeline, it assumes more of a widescreen format, something really similar to what happened in Wes Anderson's “The Grand Budapest Hotel”. One thing that really pulled me in while watching it was the soundtrack. As it is set in the early 2000s, we have a soundtrack that perfectly balances the hits of that time, like The Killers, Coldplay and Gorillaz, but we also have classics from previous decades. It's simply amazing how a TV series can insert you in a timeline through the soundtrack. The art direction is also really well done, managing to replicate the particular things about that time perfectly. There's a really good use of CGI in a very specific aspect in the miniseries, which fans of the book will immediately recognize, but no spoilers here.)

Resumindo, “Looking for Alaska” é uma minissérie imperdível. É um retrato bem dirigido, escrito e atuado sobre amadurecimento, que faz ótimo uso de 8 horas para desenvolver uma adaptação fiel ao livro que o inspirou, enquanto também expande o universo da obra original. O desempenho do elenco é simplesmente espetacular, e a trilha sonora é uma representação perfeita da época em que a minissérie é ambientada. Altamente recomendo para os fãs do livro e do John Green!

Nota: 10 de 10!

Então, é isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Looking for Alaska” is a miniseries you can't miss. It's a well-directed, written and performed portrait on growing up, which makes good use of 8 hours to develop a faithful adaptation to the book that inspired it, while also expanding on the original novel's universe. The performances by the cast are simply spectacular, and the soundtrack is a perfect representation of the time where the miniseries is set. Highly recommend it to fans of the book and fans of John Green!

I give it a 10 out of 10!

So, that's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)