Especial Nolan - "Dunkirk": uma experiência imersiva na atmosfera melancólica da Segunda Guerra Mundial (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para finalmente trazer para vocês a última parte da nossa postagem especial sobre o trabalho de Christopher Nolan. Uma das obras mais curtos da carreira do diretor, o décimo filme de Nolan consegue retratar as consequências emocionais da guerra de forma perfeitamente melancólica, por meio de uma experiência audiovisual imersiva e impactante. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Dunkirk”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to finally bring to you the final part in our special post on the work of Christopher Nolan. One of the director's shortest-running work, Nolan's tenth film manages to portray the emotional consequences of war in a perfectly melancholic way, through an immersive, impactful audiovisual experience. So, without further ado, let's talk about “Dunkirk”. Let's go!)

O filme é ambientado durante a Segunda Guerra Mundial, onde a Alemanha avança rumo à França e cerca as tropas aliadas nas praias de Dunkirk. Sob cobertura aérea e terrestre das forças britânicas e francesas, as tropas são lentamente evacuadas da praia.

(The film is set during World War II, where Germany heads towards France and surrounds Allied troops around the beaches of Dunkirk. Under air and land protection from the British and French forces, the troops are slowly evacuated from the beach.)

Esse foi o único filme de Christopher Nolan que tive o prazer de ver no cinema, e até hoje, fico feliz em ter escolhido assistir a ele do que “Em Ritmo de Fuga”, para fechar minhas férias de 2017 com chave de ouro. Não estava com minhas expectativas muito altas, por causa do gosto meio amargo que a minha primeira vez vendo “Interestelar” deixou, mas todos esses preconceitos rapidamente se dissiparam na hora em que as luzes se apagaram na sala e assisti à “Dunkirk”. Para os desavisados, esse não é aquele tipo de filme de guerra cujo foco é a ação; tanto que, mesmo que as cenas de ação sejam excelentes e tensas, são bem poucas. O roteiro é escrito pelo próprio diretor, e ele faz um trabalho muito bom em retratar as emoções que passam na cabeça daqueles que se envolveram, de algum modo, na guerra. O medo, o desespero, a agonia, a tristeza, a tensão enervante sentida quando, em qualquer momento, sua tropa pode ser bombardeada pelo exército inimigo. Tanto que nem se pode dizer que o roteiro desenvolve bem seus personagens individualmente, porque o “personagem principal” da trama é a guerra em si, e, dentro dessa caracterização, são exploradas as consequências e cicatrizes que ela deixa na vida das pessoas. Nesse ponto, é um filme de guerra excelente. Claro, “Dunkirk” não tem metade da brutalidade que “Até o Último Homem” ou os primeiros minutos de “O Resgate do Soldado Ryan” têm, mas o espectador se sente imerso na atmosfera melancólica da guerra, em cada situação difícil, claustrofóbica, e aparentemente impossível que as tropas Aliadas tiveram que passar. Através dessas situações, nós somos repetidamente induzidos a torcer pela sobrevivência dessas pessoas, e mesmo que nenhum desses personagens seja desenvolvido de uma forma mais profunda, eles ganham o respeito e a simpatia do espectador. Assim como todos os filmes de Christopher Nolan, o tempo de duração, mesmo que curto (1 hora e 46 minutos, aproximadamente), é aproveitado ao máximo. Cada segundo merece a nossa atenção. Algo que realmente gostei em “Dunkirk” em relação aos filmes mais recentes do diretor, é o retorno do uso da narrativa não-linear. O filme tem basicamente 3 pontos de vista principais: o molhe, onde se encontram as tropas Aliadas; o mar, onde acompanhamos barcos de lazer atarefados para o resgate das tropas em Dunkirk; e o ar, onde acompanhamos pilotos de caça tentando proteger as tropas de bombardeios nas praias e nos destróieres. E o filme transita entre esses pontos de vista com perfeição, tanto que em algumas vezes, o mesmo evento é visto por perspectivas distintas, fazendo o espectador pensar “Ah, então foi aí que tal personagem foi parar! Esse Nolan é gênio demais!”. Como dito anteriormente, “Dunkirk”, apesar de não concentrar nisso, possui cenas de ação bem tensas, que fazem o espectador ficar roendo as unhas de ansiedade pelo resultado final. O tempo de duração curto é usado de forma tão perfeita, que o passo da história nos dá a impressão de que estamos testemunhando uma contagem regressiva para um evento potencialmente desastroso, o que nos enche de ansiedade para que essas tropas consigam ser resgatadas o mais rápido possível, algo muito similar ao que aconteceu no enredo de “1917”, dirigido por Sam Mendes, envolvendo a missão que precisa ser cumprida pelos dois protagonistas. Resumindo, o roteiro de “Dunkirk” é conciso, tenso e engajante, fazendo um uso inteligente da narrativa não-linear para inserir o espectador dentro da atmosfera melancólica da Segunda Guerra Mundial.

(This was the only Christopher Nolan film I was lucky enough to see in theaters and, to this day, I'm glad I chose this film rather than “Baby Driver” to finish off my 2017 vacation period with a bang. My expectations for it weren't really high, because of the bitter taste that my first viewing of “Interstellar” left on me, but all these prejudices quickly faded away when the lights went out on the movie theater and I watched “Dunkirk”. For those who still don't know, this isn't one of those war films focused on the action of it; to prove that, even though the action scenes in it are excellent and tense; there are very few of them. The screenplay was written solely by the director himself, and he does a really great job in portraying all the emotions that go through the heads of people that, somehow, got involved in war. Fear, despair, agony, sadness, the unnerving tension that's felt when, at any moment, your troop can be attacked by the enemy. The atmosphere is so immersive, that you can't say that its characters are well-developed individually, as the plot's main “character” is the War itself and, inside that characterization, all the consequences and scars it leaves on people are perfectly explored. In that point, it is an excellent war film. Of course, “Dunkirk” doesn't have half the brutality that “Hacksaw Ridge” or the first minutes of “Saving Private Ryan” have, but the viewer feels immersed into the War's melancholic atmosphere, going through every hard, claustrophobic and apparently impossible situation these people need to go through. Through these situations, we are repeatedly induced into hoping for the characters' survival, and even though none of them is developed in a deeper way, they end up winning the viewer's respect and sympathy. Just like every Christopher Nolan film, its running time, albeit short (1 hour and 46 minutes, approximately), is extremely concise. Every single second deserves the viewer's attention. Something I really liked about “Dunkirk” regarding Nolan's more recent films was the return of the use of a non-linear narrative. It has basically 3 main points of view: the mole, where the Allied troops are at; the sea, where we follow pleasure boats tasked with rescuing the troops in Dunkirk; and the air, where we follow fighter pilots trying to protect their troops from bombs on land and in the destroyers. And the film transitions between these points of view perfectly, in a way that, sometimes, the same event is seen through different perspectives, making the viewer think “Oh, so that's where that character ended up in! God, this Nolan guy's a genius!”. As previously said, “Dunkirk”, although it doesn't focus on it, does have some quite tense action scenes, that leave the viewer biting his nails in anxiety for the final result of it. Its short running time is used so perfectly, that the story's pace makes us feel that we're witnessing a countdown to a potentially disastrous event, which fills us up with anxiety for those troops to be rescued as soon as possible, which was something really similar to what happened with the plot of Sam Mendes's “1917”, regarding the mission that must be accomplished by the two main characters. In a nutshell, the screenplay for “Dunkirk” is short, tense and engaging, making a clever use of the non-linear narrative to insert the viewer into the melancholic atmosphere of World War II.)

Como disse antes, nenhum dos personagens é bem desenvolvido o suficiente para chamarmos de um desenvolvimento profundo, mas todos os atores conseguem transmitir todas as emoções que passariam por uma pessoa que estivesse na mesma situação do que os seus personagens. Temos boas atuações pelo elenco composto pelo Fionn Whitehead, Tom Glynn-Carney, Harry Styles e Aneurin Barnard nesse sentido. Conseguimos ver um pouquinho mais de nuance através do elenco “veterano” do filme, entre eles Jack Lowden, James D'Arcy, Kenneth Branagh, Mark Rylance, Tom Hardy e Cillian Murphy, esse último sendo o ator que melhor conseguiu transmitir o medo e as consequências emocionais sofridas por alguém que passou por muita coisa em menos de um ano. Outro destaque fica com o Barry Keoghan, que, mesmo interpretando um papel menor aqui, consegue mostrar o porquê dele ter entrado nesse mercado, algo que só iria se fortalecer com sua performance sensacional no bizarro “O Sacrifício do Cervo Sagrado”, lançado no mesmo ano.

(As previously mentioned, none of the characters is well-developed enough for us to call it a deeper character development, but every actor manages to transmit every type of emotion that would go through someone in the same situation as their characters. We have good performances by the cast composed by Fionn Whitehead, Tom Glynn-Carney, Harry Styles and Aneurin Barnard in that sense. We manage to see a little bit more of nuance through the film's “veteran” cast, among them Jack Lowden, James D'Arcy, Kenneth Branagh, Mark Rylance, Tom Hardy and Cillian Murphy, the latter being the actor that had the better emotional control in conveying the fear and emotional consequences suffered by someone that has gone through a lot of stuff in less than a year. Another highlight stays with Barry Keoghan, who, even though portraying a smaller role here, manages to show why he entered showbiz, something that would only gain more strength with his sensational performance in the bizarre “The Killing of a Sacred Deer”, which was released in the same year.)

Se teve uma coisa que foi o destaque da campanha de marketing de “Dunkirk”, foram os aspectos técnicos. E esse filme, junto com “A Origem” e “Interestelar”, foram os filmes de Christopher Nolan que fizeram um melhor proveito de tais aspectos. Toda parte técnica em “Dunkirk” ajuda bastante na imersão do espectador na trama e nas situações enfrentadas pelos personagens. A direção de fotografia do Hoyte van Hoytema faz um uso primoroso das câmeras IMAX, que, pelo fato de filmarem cenas em tela cheia, dão ao espectador um senso maior ainda de imersão. Se o Roger Deakins não tivesse ganho o Oscar pelo trabalho espetacular em “Blade Runner 2049” (o que eu acho praticamente impossível), acho que a direção de fotografia de Hoytema seria o próximo candidato ao prêmio. A direção de arte, juntamente com as equipes de edição e mixagem de som, conseguem tornar cada momento em algo tenso, com o espectador simplesmente não sabendo quando algo vai acontecer, o que nos gruda nos nossos assentos e mantém nossos olhos fixados na tela, tornando os Oscars ganhos por Edição e Mixagem de Som 100% merecidos. A montagem do Lee Smith, mais uma vez, consegue transitar entre os diferentes pontos de vista retratados com primor. Mais um Oscar merecidíssimo. Adorei o uso de efeitos visuais nesse filme, que suponho que sejam, em sua grande maioria, efeitos práticos, o que aumenta o realismo e o teor verdadeiro da obra. E por último, mas com certeza, não menos importante, temos a trilha sonora do Hans Zimmer que, mais uma vez, é simplesmente perfeita. Ela consegue ditar o tom de cada cena, e construir a atmosfera a partir de sons inusitados, como o tique-taque de um relógio, reforçando cada vez mais aquela contagem regressiva anteriormente mencionada que o roteiro impõe.

(If there was one thing that was highlighted in the marketing campaign of “Dunkirk”, that thing was its technical aspects. And this film, along with “Inception” and “Interstellar”, were the Christopher Nolan films that used those aspects to the max. Every technicas part in “Dunkirk” helps a lot in inserting the viewer into the plot and into the situations faced by its characters. Hoyte van Hoytema's cinematography makes a stunning use of IMAX cameras, which, as they film fullscreen scenes, give the viewer an ever bigger sense of immersion. If Roger Deakins hadn't won the Oscar for his spectacular work in “Blade Runner 2049” (which I think was practically impossible), I think Hoytema's cinematography would be the next contender to it. The art direction, in partnership with the sound editing and mixing departments, manage to turn every moment into a tense one, with the viewer simply not knowing what will happen next, which glues us to our seats and keeps our eyes focused on the screen, making its Oscar wins for Best Sound Editing and Sound Mixing 100% deserving. Lee Smith's editing, once again, manages to transition between the film's different points of view perfectly. One more deserving Oscar win. I loved the use of special effects in it, which I suppose were, in their great majority, practical ones, which augment the realism and the accuracy of the film. And at last, but definitely not least, we have Hans Zimmer's score, which, once again, is simply perfect. It manages to dictate the tone for every scene, and build the atmosphere from unexpected sounds, like the ticking of a clock, reinforcing more and more the screenplay's sense of the viewer witnessing a countdown mentioned earlier.)

Resumindo, “Dunkirk” é mais uma prova de que Christopher Nolan é um dos cineastas mais talentosos dos tempos atuais. Fazendo uso de um roteiro conciso, atuações dedicadas de seu elenco, e aspectos técnicos aproveitados ao máximo, Nolan consegue inserir o espectador na atmosfera melancólica da Segunda Guerra Mundial com primor.

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado desse especial (e que venha “Tenet”!)!! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Dunkirk” is yet another proof that Christopher Nolan is one of the most talented filmmakers in recent times. Making use of a concise script, committed performances by its cast, and exceptionally used technical aspects, Nolan successfully manages to insert the viewer into the melancholic atmosphere of World War II.

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked this special post (now, Warner can bring in “Tenet”!)!! See you next time,

João Pedro)

"Palm Springs": uma das maiores surpresas que tive em 2020 (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para falar sobre uma das maiores surpresas do ano para mim. Fazendo uso de uma fórmula estabelecida com a adição de poucas, mas eficientes novidades; a obra em questão é carregada pelo enorme carisma de seu elenco, e pode muito bem ser o melhor filme sobre loops temporais desde “Feitiço do Tempo”. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Palm Springs”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to talk about one of the year's biggest surprises, for me. Making use of an established formula with the addition of few, but efficient new things; the film I'm about to review is carried by its cast's enormous charisma, and may as well be the best movie about time loops since “Groundhog Day”. So, without further ado, let's talk about “Palm Springs”. Let's go!)

O filme acompanha Sarah (Cristin Milioti), que será madrinha no casamento de sua irmã (Camila Mendes). Na noite do evento, Sarah conhece Nyles (Andy Samberg), um dos convidados. O tempo vai passando, e os dois realmente parecem se entender. Graças à um evento bizarro, Sarah começa a reviver o mesmo dia repetidas vezes, em um loop no qual Nyles já faz parte. Sendo aparentemente impossível sair do loop, os dois decidem viver a vida ao máximo.

(The film follows Sarah (Cristin Milioti), who is to be a maid of honor at her sister's (Camila Mendes) wedding. At the night of the event, Sarah meets Nyles (Andy Samberg), one of the guests. Time goes by, and the two really seem connected. Thanks to a bizarre event, Sarah starts to re-live the same day over and over again, in a loop which Nyles is already a part of. Seeming apparently impossible to get out of the loop, the pair decides to live life to the max.)

Para falar a verdade, eu não esperava nada surpreendente desse filme. Ele conta com uma premissa que já foi usada em vários filmes e séries, e o trailer faz parecer que seria uma comédia romântica cheia de clichês com um artifício de ficção-científica para tornar o filme “diferente” dos outros dentro do mesmo gênero. Mas daí descobri que foi aclamado pela crítica em um dos únicos festivais de cinema que tiveram a sorte de serem realizados antes da pandemia, o Festival de Sundance, e que “Palm Springs” foi a aquisição mais cara de um filme saído do Festival, beirando os US$25 milhões. Outro fator que me convenceu a assistir foi o envolvimento do grupo The Lonely Island, composto por Andy Samberg, que interpreta um dos protagonistas do filme; Jorma Taccone e Akiva Schaffer, que são produtores. Além de serem um grupo musical bem talentoso, o trio também é responsável pelos hilários curtas digitais do programa de TV “Saturday Night Live”; e alguns anos atrás, se consolidaram como um sucesso nas telonas graças ao hilário “Popstar: Sem Parar, Sem Limites”. Então, a partir desse ponto, minhas expectativas aumentaram bastante. O roteiro de “Palm Springs” é escrito por Andy Siara, baseada em uma ideia original de Siara e Max Barbakow, que estreia na direção com esse filme. A primeira cena já começa com um evento aparentemente desconexo com o restante da trama, que não tem uma explicação bem direta, mas como “Palm Springs” é um filme completamente despretensioso, que não pretende reinventar a roda, essa explicação não acaba sendo necessária, porque o foco da narrativa não é as origens desse evento, e sim a dinâmica explosiva entre os dois protagonistas presos no loop temporal, que é desenvolvida de forma incrível nos curtos 90 minutos (1h30min) de duração. A química entre eles começa na mesma linha do que a grande maioria das comédias românticas: antes de Sarah entrar no loop, ela é mais retraída (e isso, no começo, não oferece explicação, mas ao longo do filme, passa a fazer muito sentido), e Nyles faz a primeira jogada. A partir de um tempo, nós percebemos que Nyles conhece vários detalhes do dia que eram desconhecidos para Sarah. E aí, o evento bizarro mencionado na sinopse finalmente acontece, e somos lançados no bloco principal de “Palm Springs”, que é o loop temporal. No começo, Sarah age quase que exatamente como o protagonista de “Feitiço do Tempo” agiu quando se encontrou na situação retratada: ela fica meio “Eu não já vivi esse dia?”. A trama já dá algumas torcidas na fórmula, pois ao invés dela estar sozinha, ela encontra refúgio em Nyles, que explica tudo aquilo que está acontecendo com os dois. E ao invés de ela ficar entediada e tentar se matar das mais variadas formas, Sarah acha várias maneiras diferentes de viver o mesmo dia com Nyles, o que acaba aproximando os dois. É um roteiro hilário, que acha um recurso extremamente eficiente para comédia através do artifício do loop temporal. A dinâmica entre os dois protagonistas é o fio condutor do filme, e os diálogos compartilhados pelos dois são significativos, e nos fazem entender o passado (e as falhas) deles, dando uma certa humanidade aos personagens. Há algumas reviravoltas bem interessantes, que chegam a ser comoventes e até reflexivas, e que farão muito sentido ao final do filme. Algo que, para mim, passou a ser muito importante em filmes de comédia é a existência de um “coração” no roteiro, um núcleo emocional que faz com que nos importemos com os personagens, ao invés de só encher o tempo de duração com piadinhas desconexas e sem sentido. E fico muito feliz em dizer que “Palm Springs” tem um núcleo emocional forte e pulsante, fazendo do filme algo bem agradável de se ver.

(To tell you the truth, I wasn't expecting anything amazing from this film. It relies on a premise that has been far used in movies and TV shows, and the trailer made it look like a cliché-filled rom-com with a sci-fi twist to it, so that it's “different” from the enormous amount of work belonging to the same genre. But then I found out it was critically acclaimed at its showing in one of the only film festivals lucky enough to have been realized before the COVID-19 pandemic, the Sundance Film Festival, and that “Palm Springs” was the most expensive acquisition of a film that came out of it, with its purchase getting very close to US$25 million. Another aspect that led me into watching it was the involvement of the comedy troupe The Lonely Island, composed by Andy Samberg, who is one of the film's protagonists; Jorma Taccone and Akiva Schaffer, who produce it. Besides being an enormously talented musical group, the trio is also responsible for the hilarious digital shorts for the sketch show “Saturday Night Live”; and some years ago, they consolidated themselves as a big-screen hit, thanks to the hilarious “Popstar: Never Stop Never Stopping”. So, from that point, my expectations were exponentially levelled up. The screenplay for “Palm Springs” was written by Andy Siara, based on an original idea by Siara, and Max Barbakow, who makes his directorial debut with this film. The first scene already starts off with an apparently unconnected event to the rest of the plot, which doesn't have a direct explanation, but as “Palm Springs” is a completely unpretentious film, that doesn't wish to reinvent the wheel, such an explanation ends up not being necessary, as the main focus of the plot isn't that event's origins, but the explosive dynamics between the two protagonists stuck in the time loop, which is incredibly well-explored in its short running time of 90 minutes (1hr30mins). Their chemistry starts off very much alike most rom-coms out there: before Sarah enters the loop, she is more closed (which, in the beginning, doesn't seem to make sense, but it really does as the film moves forward), and Nyles makes the first move. At a certain point, we notice that Nyles knows a lot of specific details about that day that were unknown to Sarah. And then, the bizarre event previously mentioned finally happens, and we're propelled into the main point of “Palm Springs”, which is the time loop. At first, Sarah reacts almost exactly how the main character of “Groundhog Day” did when he found himself in the same situation: she starts asking herself “Didn't I already live through this day?”. The plot already adds a few twists to its formula, because rather than leaving her alone to go through this situation, she finds refuge in Nyles, who explains what they are both going through. And rather than leading her into becoming bored and trying to kill herself in a variety of forms, Sarah finds different ways of reliving the same day with Nyles, which ends up bringing them closer. It is an hilarious script, which makes an efficient use of comedy through its time loop aspect. The dynamics between the two protagonists is the conducting force of the film, and the dialogues shared by them are significant and really allow us to understand their past (and flaws), which ends up giving the characters a certain humanity. There are some interesting plot twists, which turn out to be moving and even thought-provoking, and that will make tons of sense by the film's ending credits. Something that, for me, is now important for comedy films to have is a “heart” in its script, a strong emotional core that makes us care about its characters, rather than just filling up the running time with meaningless and unconnected jokes. And I am really glad to say that “Palm Springs” has a strong, pulsating emotional core, making it very enjoyable to watch.)

O roteiro pode até ter suas inovações na fórmula do loop temporal, mas é no elenco que “Palm Springs” encontra o seu maior ponto forte. A começar pela dupla principal de Andy Samberg e Cristin Milioti. A vantagem aqui é que tanto Samberg quanto Milioti não são estranhos ao gênero de comédia: além do trabalho em “Saturday Night Live”, Samberg é protagonista de uma das séries cômicas mais conhecidas e adoradas da atualidade, que é “Brooklyn Nine-Nine”; e Milioti, por sua vez, interpretou um papel recorrente na icônica “How I Met Your Mother”, e sua performance indicada ao Tony na adaptação da Broadway de “Apenas uma Vez” tinha um teor cômico cativante. E acho que nem é preciso dizer que a química entre esses dois carrega o filme nas costas. Eles são hilários quando estão juntos em tela, e compartilham diálogos que nos fazem torcer cada vez mais que eles se tornem um casal no final. Mas ao mesmo tempo, especialmente quando os dois estão separados, há um teor dramático bem interessante em suas performances, o que prova a versatilidade de Samberg e Milioti ao transitar entre dois gêneros que causam reações opostas do espectador. Mesmo não tendo um papel tão recorrente na trama, as performances pelo elenco coadjuvante composto por Camila Mendes, Tyler Hoechlin, Meredith Hagner, Dale Dicky, Peter Gallagher e Jacqueline Obradors ajudam a desenvolver os protagonistas de uma forma mais profunda. E por último, mas não menos importante, temos o clássico rouba-cenas por meio do J.K. Simmons. Ele tem uma dinâmica divertidíssima com o personagem de Samberg (inclusive, tem uma cena no meio dos créditos envolvendo os dois que é hilária), e protagoniza uma das cenas mais poéticas e comoventes do filme, o que realmente bota o espectador pra refletir, algo não tão presente assim em comédias.

(The script may even have its innovative aspects in the time loop formula, but it's in the cast that “Palm Springs” finds its biggest strength. Starting off with the main duo of Andy Samberg and Cristin Milioti. Their advantage here is that both Samberg and Milioti aren't strangers to the comedy genre: besides his work in “Saturday Night Live”, Samberg is the lead actor in one of the most known and beloved comedy shows in recent times, which is “Brooklyn Nine-Nine”; and Milioti, in turn, played a recurring role in the iconic “How I Met Your Mother”, and her Tony-nominated performance in the Broadway adaptation of “Once” had a captivating comic twist to it. And I don't think I have to say that the chemistry between these two carries the film almost entirely. They are hilarious when together on-screen, and share dialogues that make us cheer for them to become a couple by the end. But at the same time, especially when they are apart, there is a really interesting dramatic turn in their performances, which proves Samberg and Milioti's versatility when transitioning between two genres that cause opposite reactions from the viewer. Even though they don't have a thoroughly recurring role in the plot, the performances by the supporting cast composed by Camila Mendes, Tyler Hoechlin, Meredith Hagner, Dale Dicky, Peter Gallagher and Jacqueline Obradors help developing its main characters in a deeper way. And at last, but not least, we have the classic scene-stealer through J.K. Simmons. He has the funniest chemistry with Samberg's character (by the way, there's a mid-credits scene involving the two of them, which is hilarious), and is a central piece to one of the film's most poetic and moving scenes, which really makes the viewer think, something that's not very usual for comedy films.)

Os aspectos técnicos conseguem transmitir a época de lançamento do filme (verão americano) perfeitamente. A direção de fotografia da Quyen Tran, junto com a direção de arte, consegue construir um cenário vibrante, bonito de se ver. Há algumas cenas filmadas debaixo d'água, pra realmente nos dar essa sensação de verão, mesmo com o filme em si sendo ambientado em novembro. A montagem faz algo bem interessante ao apresentar pontos de vista diferentes a partir de um evento em particular; assim como consegue, com sucesso, transitar entre as experiências pessoais da Sarah e do Nyles em seus respectivos ciclos. A direção do Max Barbakow para os atores, que precisam repetir as mesmas falas e ações várias vezes, é impecável. Eu não sei porque, mas a trilha sonora do Matthew Compton me lembrou (e muito) da trilha sonora do Arcade Fire pra “Ela”, do Spike Jonze, e de algum modo, as melodias bem parecidas se encaixam na situação de ambos os filmes. E há um uso aceitável de CGI em algumas cenas, por causa do artifício de loop temporal no qual o enredo gira em torno.

(The technical aspects manage to portray the film's release time (American summer) perfectly. Quyen Tran's cinematography, along with the art direction, manages to build a vibrant, good-looking scenario. There are some scenes filmed underwater, to really gives us this summer vibe, even with the film itself being set in November. The editing does something really interesting when presenting different points of view from particular events; and it also manages, sucessfully, to transition between Sarah and Nyles's personal experiences in their respective cycles. Max Barbakow's directing towards his actors, who need to repeat the same lines and actions several times, is flawless. I don't know why, but Matthew Compton's score reminded me (a lot) of Arcade Fire's score for Spike Jonze's “Her”, and somehow, these really similar melodies fit into both films' situations. And there is an acceptable use of CGI in some scenes, because of the time loop aspect in which the plot revolves around.)

Resumindo, “Palm Springs” é uma das melhores surpresas que tive em 2020, junto com “O Homem Invisível” e “Dois Irmãos: Uma Jornada Fantástica”. O roteiro traz algumas inovações à fórmula popularizada por “Feitiço do Tempo”, e conta com performances dedicadas e hilárias de Andy Samberg e Cristin Milioti, resultando em uma experiência extremamente agradável e gostosa de se ver.

Nota: 9,5 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Palm Springs” is one of the best surprises I had in 2020, along with “The Invisible Man” and “Onward”. The script adds some innovations to the formula made popular by “Groundhog Day”, and relies on committed and hilarious performances by Andy Samberg and Cristin Milioti, resulting in an extremely feel-good, crowd-pleasing experience.

I give it a 9,5 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

Especial Nolan - "Interestelar": o filme mais ambicioso de Christopher Nolan até agora (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para trazer a penúltima parte da nossa postagem especial sobre o trabalho de Christopher Nolan. Em seu nono filme, o diretor traz novamente seu irmão Jonathan para co-roteirizar uma história que faz uso de conceitos objetivos para abordar temas subjetivos, resultando no filme mais ambicioso de Nolan até agora. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Interestelar”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to bring the penultimate part in our special post on the work of Christopher Nolan. In his ninth film, the director once again reunites with his brother Jonathan to co-write a story that makes use of objective concepts to deal with subjective themes, resulting in Nolan's most ambitious film so far. So, without further ado, let's talk about “Interstellar”. Let's go!)

O filme é ambientado em um futuro distópico onde as reservas naturais da Terra estão chegando ao fim, e então um grupo de astronautas, liderado pelo ex-piloto da NASA Joseph Cooper (Matthew McConaughey), recebe a missão de verificar possíveis planetas para receberem a população mundial, possibilitando a continuação da raça humana.

(The film is set in a dystopian future where Earth's natural reservations are coming to an end, so a group of astronauts, led by former NASA pilot Joseph Cooper (Matthew McConaughey), receives the mission of checking out possible planets that would welcome the world's population, therefore opening the possibility of continuing the human race.)

Ontem, foi a segunda vez que assisti a esse filme, e lembro bem que, na primeira vez que assisti, não achei essa Coca-Cola toda não. Todo mundo estava tipo: “MEU DEUS! “INTERESTELAR” É O MELHOR FILME JÁ FEITO!”, “CHRISTOPHER NOLAN É UM GÊNIO!”, “O OSCAR NÃO SABE DE NADA!”, e isso exponencialmente aumentou minhas expectativas para ver o filme. Lembro que achei “Interestelar” bom, mas na época, não bom o bastante para assistir de novo. Essa é uma daquelas vezes que eu me sinto feliz por estar errado. 6 anos depois, revisitei o filme depois de ter assistido a toda a filmografia de Nolan até 2014, o que me fez acostumar com o estilo cinematográfico do diretor, e isso acabou me dando uma nova perspectiva sobre o filme. Eu meio que já sabia o que esperar. Então, acho que nem precisa ser dito que aproveitei muito mais nessa segunda vez do que na primeira. O roteiro, como anteriormente dito, é escrito pelo diretor e por seu irmão, Jonathan Nolan, que escreveu a versão inicial da história em 2007, junto com o físico teórico Kip Thorne, que, por sua vez, iria vencer o Prêmio Nobel da Física em 2017, pelo seu auxílio em um experimento que detecta ondas gravitacionais. É um roteiro denso, com um passo friamente calculado, que acaba sendo cientificamente correto, graças à consultoria de Thorne no projeto. O primeiro ato não dá nenhuma explicação em particular sobre como o mundo ficou do jeito que o filme retrata, mas acabamos por perceber que tal explicação não é necessária. Em seus primeiros 20 e poucos minutos, o roteiro já nos introduz ao foco da trama, que é a relação entre os membros da família do personagem de Matthew McConaughey, e como os laços entre essa família vão mudando com o passar do tempo. Em certo ponto, o roteiro oferece uma decisão difícil para seu protagonista, que é explorada de forma sensacional e emocionante ao longo do filme, através de diálogos reflexivos com o resto da tripulação, e tais diálogos nos ajudam a entender qual é o tema por trás de “Interestelar”. Esse filme não é qualquer história sobre uma tripulação de astronautas que recebe uma missão aparentemente impossível, seguindo uma fórmula já usada em várias obras, como “Apollo 13” e “O Primeiro Homem”. Acima de tudo, o roteiro dos irmãos Nolan faz uso de conceitos de física, poemas filosóficos e discussões sobre a relatividade do tempo para falar sobre o poder transcendental do amor, que não diminui com o passar do tempo. Todos os personagens, especialmente os astronautas, são muito bem desenvolvidos a partir desse tema, com cada um tendo uma conexão extraordinariamente forte com alguém na Terra, e nós sentimos cada emoção que eles sentem, vendo suas pessoas amadas ficarem mais velhas ao longo de sua missão, cujo fim é desconhecido pela tripulação. É algo bem comovente, e Christopher Nolan faz um ótimo uso de uma duração gigantesca de 2 horas e 50 minutos para desenvolver as relações entre seus personagens de forma perfeita. Entre as cenas comoventes, temos ótimas e frenéticas cenas de ação, que irão manter os olhos do espectador grudados na tela, e que ajudam o filme a não ficar monótono. Assim como todo filme bom de Nolan, há várias reviravoltas ao longo da duração de “Interestelar”, com algumas que irão deixar o espectador pensando: “Ah, então foi por isso que tal coisa aconteceu!”, e então um sorriso de orelha a orelha surge no rosto dele ao final. É sem dúvida, o filme mais ambicioso do diretor, e um de seus roteiros mais reflexivos, que mais despertam discussões.

(Yesterday, it was the second time I had watched this film, and I remember very well that, when I first watched it, I didn't think it was all that. Everyone was like: “OH MY GOD! “INTERSTELLAR IS THE BEST FILM EVER MADE!”, “CHRISTOPHER NOLAN IS A GENIUS!”, and “THE OSCARS DON'T KNOW ANYTHING!”, and those types of reactions exponentially magnified my expectations for it. I remember thinking “Interstellar” was good, but at the time, not good enough for a second viewing. This is one of those times when I felt glad to be wrong. 6 years later, I revisited it, after watching Christopher Nolan's entire filmography to that point, which made me get used to his cinematic style, and that ended up giving me a whole new perspective on the film. I kind of already knew what to expect. So, I don't think it even needs to be said that I enjoyed it much more the second time around than in the first watch. The script, as previously said, was written by its director and his brother, Jonathan Nolan, who came up with the initial version of the story in 2007, along with theoretical physicist Kip Thorne, who, in turn, would win the Nobel Prize for Physics in 2017, for his help in an experiment that detects electromagnetic waves. It is a dense script, with a deeply calculated pace, which ends up being scientifically accurate, thanks to Thorne's involvement in the project. The first act doesn't give any particular explanation on how the world turned up to be how it is portrayed in the film, but we realise we don't need one. In its first 20 minutes or so, we already are introduced to the main focus of the plot, which is the relationship between the family members of Matthew McConaughey's character, and how their bonds change with the passage of time. At a certain point, the main character is presented with a difficult decision, which is explored in a brilliant and emotional way throughout the film, through thought-provoking dialogue with the rest of the crew, and those dialogues help us figure out what is the theme behind “Interstellar”. This film is not just any story of a crew of astronauts tasked with an apparently impossible mission, following a formula already used in movies like “Apollo 13” and “First Man”. Above anything, the script by the Nolan brothers makes use of physics concepts, philosophical poems, and discussions on the relativity of time to talk about the transcendental power of love, which doesn't fade away as time goes by. All characters, especially the astronauts, are really well developed from that theme, with each one having an extraordinarily strong connection to someone on Earth, and we feel every emotion that they feel, watching their loved ones grow old before their very eyes throughout their mission, whose conclusion is unknown by the crew. It's something really moving, and Christopher Nolan makes a terrific use of a gigantic running time of 2 hours and 50 minutes to develop the relationship between these characters perfectly. In-between the touching scenes, we have great, frenetic action scenes, which keep the viewer's eyes glued to the screen, and help avoid the film from being boring. Just like every good Nolan film, there are several plot twists throughout “Interstellar”, and some of them will leave the viewer thinking: “Oh, so that's why that thing happened!”, and then an ear-to-ear smile starts to appear on his face by the end. It's, without a doubt, Christopher Nolan's most ambitious film so far, and also one of his most reflexive scripts, which could spark thought-provoking discussions.)

Se tem algo que aprendemos com o elenco dos filmes anteriores do diretor, é que Christopher Nolan sabe juntar um bom elenco, e “Interestelar” não é uma exceção. Temos aqui um elenco repleto de futuros indicados e vencedores ao Oscar, assim como atores que já foram reconhecidos pela Academia. A começar pelo Matthew McConaughey, que tinha saído de sua atuação vencedora do Oscar por “Clube de Compras Dallas”, e ele entrega aqui uma das melhores performances de sua carreira. A manipulação das emoções pelas quais seu personagem tem que passar feita pelo ator é crível e altamente comovente, especialmente pela evidente química que ele tem com a personagem da Jessica Chastain, e essa química é praticamente o fio condutor do filme. É a principal forma que o roteiro encontra de explorar seu tema principal. A personagem de Chastain é interpretada por Mackenzie Foy e Ellen Burstyn em tempos diferentes, e as 3 possuem a mesma essência. É algo impressionante. A relação dela com o personagem do Casey Affleck é algo explosivo de ver na tela. Michael Caine, o nosso eterno Alfred, nos dá o ar de sua presença com graça. Seu personagem não aparece por muito tempo, mas ele é altamente crucial para a missão na qual o filme gira em torno, e também é de vital importância para o desenvolvimento da personagem da Anne Hathaway. Temos uma performance até impressionante do Matt Damon, e quanto menos eu falar sobre o personagem dele, melhor. Além dos mencionados, temos performances memoráveis de John Lithgow, Wes Bentley, David Gyasi, Timothée Chalamet, Topher Grace, e Bill Irwin.

(If there's something we've learned from the cast of the director's previous films, is that Christopher Nolan knows how to assemble a good cast, and “Interstellar” is no exception. We have here a cast that's filled with future Oscar winners and nominees, as well as actors who were already recognized by the Academy. Starting off with Matthew McConaughey, who had just left his Oscar-winning performance in “Dallas Buyers Club”, and he delivers one of his best performances in his career here. The actor's manipulation of the emotions that his character needs to go through is believable and extremely moving, especially because of the evident chemistry he shares with Jessica Chastain's character, which is the main conducting force of the film. Their chemistry is the main way the screenplay finds of exploring its main theme. Chastain's character is portrayed by Mackenzie Foy and Ellen Burstyn in different times, and all 3 actresses have the same essence of their character. It's something impressive. Her relationship with Casey Affleck's character is something explosive to behold on-screen. Michael Caine, our Alfred, graces us with his presence here as well. His character isn't on screen for a very long time, but he is highly crucial for the mission the film revolves around, and is of vital importance to the development of Anne Hathaway's character. We have an impressive performance by Matt Damon, and the less I talk about his character, the better. Besides the already mentioned, we have memorable performances by John Lithgow, Wes Bentley, David Gyasi, Timothée Chalamet, Topher Grace and Bill Irwin.)

E por último, mas não menos importante, temos os aspectos técnicos, que, como de costume, elevam o filme à maiores alturas. A começar pela direção de fotografia do Hoyte van Hoytema, que é de tirar o fôlego. Ele já tinha me impressionado com a fotografia de “Ela”, dirigido por Spike Jonze, mas ele faz uso de tanto câmeras normais como IMAX para compor as cenas de “Interestelar”. Enquanto as cenas em widescreen são mais “realistas”, digamos assim, as cenas gravadas em IMAX nos oferecem o ponto de vista em tela cheia, com panorâmicas lindas. Esse belo trabalho deveria ter sido indicado ao Oscar. A direção de arte é igualmente incrível. Ambiciosa, futurística, algo bem parecido com o trabalho feito em “A Origem”. A montagem do Lee Smith consegue transitar entre as cenas filmadas em widescreen e em IMAX com bastante fluidez, evitando que o espectador sinta que o filme está picotado. A trilha sonora do Hans Zimmer é um deleite para os ouvidos. Tiveram tantas trilhas sonoras boas em 2014: a do Alexandre Desplat para “O Grande Hotel Budapeste” (que venceu o Oscar daquele ano), a de Jóhann Jóhannsson para “A Teoria de Tudo”, e a de Zimmer para “Interestelar” está no mesmo nível. E por último, gostaria de destacar os efeitos visuais, que, em sua grande maioria, foram práticos, por incrível que pareça. As cenas onde o CGI foi usado são feitas de modo belíssimo e não poluem o filme, pelo contrário, só tornam ele mais bonito. Oscar de Melhores Efeitos Visuais merecidíssimo.

(And, at last, but not least, we have the technical aspects, which, as per usual, elevate the film to greater heights. Starting off with Hoyte van Hoytema's cinematography, which is breathtaking. He'd already impressed me with the cinematography for “Her”, directed by Spike Jonze, but he makes use of both normal and IMAX cameras to build the scenes of “Interstellar”. While the widescreen scenes are more “realistic”, to put it this way, the scenes filmed in IMAX offer us the fullscreen point of view, with gorgeous pan shots and wide shots. This beautiful work should've been Oscar-nominated. The art direction is equally amazing. Ambitious, futuristic, something very much alike with the work done in “Inception”. Lee Smith's editing manages to transition between the widescreen and IMAX scenes with real fluidity, avoiding the viewer to feel the film is chopped up. Hans Zimmer's score is a delight to the ears. There were so many good scores in 2014: Alexandre Desplat's for “The Grand Budapest Hotel” (which won the Oscar that year), Jóhann Jóhannsson's for “The Theory of Everything”, and Zimmer's for “Interstellar” is on the same level. And at last, I'd like to highlight its visual effects, which, in their great majority, were practical, as hard as it may seem. The scenes where CGI was used are beautifully made and do not pollute the film, on the contrary, they just make it more good-looking. They earned that Oscar for Best Visual Effects.)

Resumindo, “Interestelar” é o filme mais ambicioso de Christopher Nolan até agora. Fazendo um uso calculado de um tempo de duração gigantesco; um elenco estelar; e aspectos técnicos de primeira linha, Nolan conta uma bela história sobre o poder transcendental do amor através de conceitos físicos muito interessantes.

Nota: 9,5 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Interstellar” is Christopher Nolan's most ambitious film so far. Making a calculated use of a gigantic running time; a stellar cast, and top-notch technical aspects, Nolan tells a beautiful story on the transcendental power of love through very interesting physical concepts.

I give it a 9,5 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"The Last of Us Parte II": uma sequência mais ambiciosa, mais brutal e altamente reflexiva (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para falar sobre uma das experiências mais esperadas do ano para mim. Sendo uma sequência do melhor videogame de todos os tempos (na minha opinião), o videogame em questão dobra na brutalidade da jogabilidade e na qualidade dos gráficos, enquanto conta uma história emocionalmente aterradora que lida com temas bem interessantes. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “The Last of Us Parte II”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to talk about one of my most anticipated experiences of the year. As a sequel to the greatest video game of all time (in my opinion), the game I'm about to review doubles on its gameplay's brutality and on the details of its graphics, while telling an emotionally devastating story which deals with some very interesting themes. So, without further ado, let's talk about “The Last of Us Part II”. Let's go!)

Ambientado 4 anos após os acontecimentos de “The Last of Us”, a sequência acompanha Ellie (Ashley Johnson), agora com 19 anos, que, após um evento brutal que abala toda a cidade de Jackson, parte em uma jornada para Seattle para se vingar daqueles que tiraram a paz que ela tanto desejava.

(Set 4 years after the events of “The Last of Us”, the sequel follows Ellie (Ashley Johnson), now 19 years old, who, after a brutal event terrifies the entire city of Jackson, sets off on a journey towards Seattle to seek revenge against those who kept her from the peace she desired for a long time.)

Se eu fosse dedicar algumas linhas para expressar o quanto eu estava animado para esse jogo, provavelmente, ia demorar bastante para falar do roteiro. Eu já comprei meu PS4 com o objetivo de quando essa sequência chegasse, eu pudesse jogar, e o primeiro jogo que comprei para ele foi o primeiro “The Last of Us”, justamente para me preparar para a Parte II. Eu baseei minhas expectativas somente pelo material promocional divulgado pela Sony e pela Naughty Dog, tentando evitar qualquer tipo de spoiler. Sofri em cada adiamento que esse jogo sofreu, mas quando o lançamento se consolidou no dia 19 de junho, minhas expectativas só foram aumentando. E que campanha de marketing absolutamente genial que esse jogo teve! A começar pelo trailer de anúncio lançado em 2016, que trouxe Ellie e Joel de volta para o delírio do público. Depois, veio o trailer da Paris Games Week de 2017, introduzindo novos personagens e novas ameaças, e já causando polêmicas pelo retrato da violência que seria usada no jogo. Em 2018, veio o primeiro trailer de gameplay, que mostrava alguns detalhes inéditos da jogabilidade, em meio às técnicas replicadas do primeiro game. Em 2019 e 2020, foram lançados trailers de cinemáticas que revelaram mais detalhes da trama. Mas absolutamente ninguém esperava o que os roteiristas Neil Druckmann e Halley Gross tinham planejado para o resultado final do enredo. Os trailers não cobrem nem um quarto da narrativa de “The Last of Us Parte II”, que, diga-se de passagem, é enorme. Se for levado em comparação o padrão de horas gastas para zerar os dois jogos, a Parte II levaria quatro vezes o tempo gasto para zerar o primeiro jogo. Como o jogo mais ambicioso da Naughty Dog, a narrativa da sequência de “The Last of Us” também é lotada de ambição. É uma história densa, longa, emocionante, e altamente reflexiva. Algo bem interessante que os roteiristas aplicaram no roteiro e, consequentemente, na jogabilidade é a ambiguidade moral dos personagens jogáveis. Há decisões difíceis que o jogador precisa fazer que testarão suas convicções morais, e tais decisões podem fazê-lo se sentir “sujo”, uma vez tomadas. Uma coisa que várias pessoas vêm criticando em “The Last of Us Parte II” foram algumas das escolhas que os roteiristas tiveram ao elaborar a narrativa, resultando em uma abordagem nada convencional em que não existem mocinhos e vilões. Todos os personagens, inclusive os principais, são puramente humanos, com muitas falhas, e podem sofrer consequências que qualquer pessoa poderia sofrer. Todos eles “estão no mesmo barco”. Nesse sentido, a sequência já alcançou uma profundidade até filosófica que não foi vista no primeiro jogo. A história faz um uso constante e eficiente de flashbacks que conseguem preencher as lacunas deixadas pelo jogo anterior com sucesso. Em comparação com o antecessor, “The Last of Us Parte II” é extraordinariamente mais violento, fazendo uso da violência para enfatizar a brutalidade e o senso de adrenalina e sobrevivência que permeia o universo fictício do game. Mas, assim como no game original, há alguns momentos tocantes de calma e paz para que o jogador “descanse” um pouco de tantos eventos que seriam traumatizantes na vida real. A melhor coisa que a história desse jogo faz é permitir que o jogador veja (e controle) os dois lados da moeda, pois isso o levará a perceber que não há quase nada que diferencie um lado do outro. Eu fiquei positivamente surpreso por causa desse aspecto. A trama se movimenta sem nenhuma pressa, fazendo de “The Last of Us Parte II” uma experiência para se saborear. Cada cinemática, cada canto do ambiente, cada possibilidade. É um verdadeiro presente para quem é fã de um bom jogo e de uma história bem contada. À respeito do final, eu fico dividido: ao mesmo tempo que acho que a Parte II encerrou a narrativa e os arcos dos protagonistas de forma quase perfeita, parte de mim acha que a história pode ser continuada. Talvez não por meio de um game completo, mas por meio de uma DLC, igual a do primeiro jogo (Left Behind), ou por meio de outro veículo, como os quadrinhos ou por meio de animações.

(If I dedicated some lines to fully express how excited I was for this game, it would take forever to talk about the script. I'd already bought my PS4 with the objective of playing it when it launched, and the first game I ever bought for it was the first “The Last of Us”, in order to prepare myself for Part II. I've based my expectations only on the promo material officially released by Sony and Naughty Dog, attempting to avoid every possible spoiler. I suffered with every delay that this game suffered, but when the launch date was confirmed to June 19, my expectations were only growing. And what an absolutely genius marketing campaign this game had! Starting off with the announcement trailer in 2016, which brought Ellie and Joel back to the delight of the audience. Then, came the Paris Games Week trailer in 2017, introducing new characters and threats, and already being the target of controversy for the portrayal of violence that would be used in the game. In 2018, the first gameplay trailer came out, which showed new and unexpected details in its techniques, while recycling some from its predecessor. In 2019 and 2020, cinematic trailers which showed more details on the plot were released. But absolutely no one would've expected what writers Neil Druckmann and Halley Gross had in store for the plot's final form. The trailers don't cover a fourth of the sequel's narrative, which is huge, by the way. If one compares the pattern of hours took to finish each of the two games, Part II would be 4 times longer to finish. As Naughty Dog's more ambitious game, its plot is also loaded with ambition. It's a dense, long, emotionally shattering and thought-provoking story. Something quite interesting that the writers applied to the script, and consequently, to the gameplay is the playable characters' moral ambiguity. There are hard decisions the player has to make which will test his moral convictions, and such decisions might make him feel “dirty”, once they're made. One thing most people have been criticizing in “The Last of Us Part II” are the choices the writers had while elaborating its narrative, resulting in a totally unconventional approach in which there are no good or bad guys. Every character, including the main ones, is purely human, deeply flawed, and may suffer consequences that anyone could suffer. They are all “in the same boat”. In that sense, the sequel already reached an impressive philosophical depth that wasn't seen in the original game. The story makes a constant and efficient use of flashbacks in order to fill in the gaps left in the first game successfully. In comparison with its predecessor, “The Last of Us Part II” is extraordinarily more violent, and it uses violence to enhance the brutality and the sense of adrenaline and survival that are very much present in the atmosphere of the game's fictional universe. But, just like in the original game, there are touching moments of calm and peace which lead the player to “rest” after facing events that would make people traumatized in real life. The best thing that this game's narrative does is allowing the viewer to see (and control) the two sides of the coin, as this will lead him to see that there is actually no difference between them. I was positively surprised by this aspect. The plot moves forward without any kind of rush, making “The Last of Us Part II” an experience to savor. Every cinematic, every corner of the environment, every possibility. It is a true gift for those who enjoy a good game and a story well-told. As for the ending, I am divided over it: at the same time I think Part II closed the narrative and its characters' story arcs almost perfectly, part of me thinks that the story could be continued. Maybe not through a full game, but through a DLC, like the one in the first game (Left Behind), or through another media, like comics or an animated series.)

O desenvolvimento dos personagens é feito de forma perfeita. Vemos uma performance bem mais amadurecida da Ashley Johnson como a Ellie. As técnicas avançadas de captura de movimento foram capazes de captar expressões inéditas e cada vez mais humanas no rosto dela. A raiva, o ódio, o senso animalesco de vingança que domina a personagem ao longo da narrativa. Mais uma vez, Ashley Johnson arrasou como Ellie, que encontra duas âncoras emocionais por meio de Joel, interpretado mais uma vez por Troy Baker, e Dina (introduzida no trailer de 2018), interpretada por Shannon Woodward. Os pequenos momentos que Ellie compartilha com esses dois personagens aprofundam cada vez mais o desenvolvimento da protagonista, tornando ela cada vez mais humana. O quanto menos eu falar da personagem da Laura Bailey (introduzida no trailer de 2017), melhor. Por enquanto, só direi que ela é a melhor personagem introduzida na sequência, para não entrar em território de spoiler. Bailey tem uma boa química com os personagens interpretados pelo Ian Alexander, que tem um desenvolvimento surpreendente na trama, e pela Victoria Grace. Outras performances memoráveis que aprofundam o desenvolvimento dos protagonistas e o senso de ambiguidade moral presente na história incluem as de Patrick Fugit, Ashly Burch, Stephen Chang, e o retorno de Jeffrey Pierce e Ashley Scott como Tommy e Maria. Novamente, reforço o esforço que a equipe da Naughty Dog fez para tornar os personagens de seus jogos cada vez mais humanos, seja por meio das expressões ou daquilo que eles precisam fazer para que a história siga em frente. É algo verdadeiramente impressionante.

(The development of its characters is done in a perfect way. We see a way more mature performance by Ashley Johnson as Ellie. The advanced techniques of motion capture were able to capture new and even more human expressions on her face. Her anger, her hate, her primal sense of vengeance which dominates her throughout the narrative. Once again, Ashley Johnson nails it as Ellie, who finds two emotional anchors through Joel, portrayed once again by Troy Baker, and Dina (introduced in the 2018 trailer), portrayed by Shannon Woodward. The little moments that Ellie shares with these characters give its protagonist even more depth, making her more and more human. The less I talk about Laura Bailey's character (introduced in the 2017 trailer), the better. For now, I'll just say she's the best new character introduced in the sequel, so that I don't enter into spoiler territory. Bailey has a good chemistry with the characters portrayed by Ian Alexander, who has a surprising development throughout the plot, and Victoria Grace. Other memorable performances which give the protagonists more depth and deepen the story's sense of moral ambiguity include the ones by Patrick Fugit, Ashly Burch, Stephen Chang, and the return of Jeffrey Pierce and Ashley Scott as Tommy and Maria. Again, I reinforce the effort the Naughty Dog team made to make their games's characters more and more human, through their expressions or what they need to do for the story to move forward. It's something truly impressive.)

Tecnicamente, “The Last of Us Parte II” é um jogo impecável. Só para terem uma ideia, foram 7 anos desde o lançamento do primeiro jogo no PS3 para o lançamento da sequência no PS4, e a Naughty Dog passou 6 anos desenvolvendo este jogo. E quando você vê o resultado final, claramente verá que valeu cada segundo. Assim como disse na resenha do primeiro jogo, os ambientes visitados na trama evocam uma personalidade mais sombria, com destroços para todo lado, carros abandonados, pontes que caíram pela metade; mas ao mesmo tempo, é um ambiente muito bonito de se ver, quase todo dominado pela natureza. Os ambientes exteriores são muito bem detalhados, as cidades reais retratadas no jogo são extremamente fiéis à vida real. Os avanços nas técnicas de captura de movimento são bem evidentes, tanto nos personagens humanos quanto nos temidos Infectados, que ficaram ainda mais sinistros, se comparado ao jogo original. O movimento deles ficou bem mais fluido e dinâmico. Para vocês verem o número de pessoas envolvidas em um só jogo, vejam os créditos finais. Tem cada função específica que eu nem imaginava que existia! As cinemáticas (ou, dizendo de forma bem tosca, os “filminhos”) entre as sequências de jogabilidade são absolutamente extraordinárias, ao ponto do jogador quase nem conseguir diferenciar aquilo de pessoas de verdade. A trilha sonora do Gustavo Santaolalla, mais uma vez, é simplesmente sensacional, ditando a atmosfera de cada ponto da história com maestria. Ou seja, conforme o esperado, “The Last of Us Parte II” é tecnicamente perfeito. Não tenho nada a reclamar.

(Technically, “The Last of Us Part II” is a flawless game. Just for your information, there were 7 years between the original game's release on the PS3 and the sequel's release on the PS4, and Naughty Dog spent 6 years developing this game. And when you see the final result, you'll clearly see it was worth every damn second. As I said in the review of the first game, the environments visited throughout the plot evoke a darker personality, with debris everywhere, abandoned cars, bridges torn in half; but at the same time, they're something really beautiful to behold, as it's almost entirely dominated by nature. The exterior environments are very well detailed, the real cities portrayed in the game are extremely faithful to real life. The advances in the motion capture techniques are really evident, both in the human characters and the feared Infected, who are even more sinister, if compared to the original game. Their movements are way more fluid and dynamic. For you to see the number of people involved in one single game, check out the ending credits sequence. There are some strangely specific functions that I didn't even know they existed! The cinematics (or, in a primitive way, the “movie clips”) in-between the gameplay sequences are absolutely extraordinary, to the point where the player almost can't tell the difference between that and real people. Gustavo Santaolalla's score is, once again, simply sensational, masterfully dictating the atmosphere of every point in the story. In a nutshell, as expected, “The Last of Us Part II” is technically perfect. Nothing to complain about here.)

A jogabilidade é bem mais avançada, se comparada com a do primeiro jogo. Como agora controlamos a Ellie ao invés do Joel, as sequências de combate são bem mais frenéticas, tanto que o jogador precisa prestar bastante atenção em seus movimentos, porque eles podem ajudá-lo a sobreviver. As ameaças aumentaram exponencialmente, com 3 facções humanas de inimigos, cada uma com suas particularidades; e 6 estágios de Infectados, cada um mais complicado de derrotar do que o outro. É possível dizer que é um jogo mais difícil do que o primeiro, tanto em termos de tecnologia quanto em termos de moralidade. Aí vai um exemplo sem spoilers: uma das facções de inimigos humanos faz uso de cães farejadores para rastrear os movimentos anteriores do jogador. De acordo com o diretor Neil Druckmann, é possível zerar o jogo sem machucar os coitados dos doguinhos. Infelizmente, isso foi algo que eu não consegui fazer, tanto que se o John Wick soubesse quantos cachorros eu matei nesse jogo, eu já estava morto faz tempo... (Risos) Há algumas novidades da jogabilidade que encaixam na fisicalidade que a Ellie oferece como personagem jogável, como pular, quebrar janelas, e usar cordas para subir ou descer de um lugar; assim como há algumas atualizações interessantes no arsenal de armas fabricáveis do jogo, incluindo silenciadores e munição explosiva. Assim como no primeiro jogo, senti quase toda emoção que é possível sentir ao jogar “The Last of Us Parte II”: alegria, tristeza, raiva, compaixão, adrenalina, tensão, ódio, mais raiva... (Risos) Tanto que não tenho vergonha em dizer que precisei da nobre ajuda do meu irmão (que entende BEM mais de jogos do que eu) para passar uma fase em que eu morri mais de 10 vezes tentando passar, e ele passou numa tacada só. Mas, ei, pelo menos foi uma fase a menos que eu precisei da ajuda dele, se comparado ao primeiro jogo. Assim como no game original, reforço que é importante explorar cada canto dos ambientes, para coletar suprimentos, armas escondidas e artefatos que contam mini-histórias de personagens que nem aparecem no jogo, mas que já chamam sua atenção. Como dito anteriormente, não é um jogo para os fracos ou menores de 18 anos. Além dos Infectados, há algumas partes aqui bem explícitas e chocantes, que não são gratuitas de maneira alguma. Pelo contrário, eles usam a violência para explorar a similaridade entre os dois lados da moeda de modo genial.

(The gameplay is way more advance, if compared to the original game. As we now control Ellie, instead of Joel, the combat sequences are more frenetic, and the player needs to pay attention to his moves, as they may help him survive. The threats are exponentially enhanced, with 3 different factions of human enemies, each one with their own peculiarities; and 6 stages of Infected, each one more complicated to defeat than the other. It's possible to say that it's a harder game, both technologically and morally. Here's a spoiler-free example: one of the human enemy factions uses tracking dogs to pick up the player's scent and follow his previous moves. According to director Neil Druckmann, it's possible to finish the game and not hurt the poor doggies. Unfortunately, that wasn't my case, as if John Wick found out how many dogs I killed in this game, I would already be dead... (LOL) There are some new details in the gameplay that fit the physicality that Ellie offers as a playable character, such as jumping, breaking windows, and using ropes to climb up and down places; just as there are also some interesting upgrades to the arsenal of buildable weaponry, such as silencers and explosive ammo. Just like in the first game, I felt every emotion I was capable to feel while playing “The Last of Us Part II”: happiness, sadness, anger, compassion, adrenaline, tension, hatred, more anger... (LOL) And I am not ashamed to say I required the noble help of my brother (who is a WAY better gamer than me) to pass a level in which I died over 10 times trying to overcome, and he passes it in one go. But, hey, at least it was just this once rather than two in the original game. Just like in the original game, I reinforce that it's important to explore every corner in the environment, to collect supplies, hidden weapons, and artefacts that tell mini-stories of characters that don't even appear in the game, but that already catch your attention. As previously said, it's not a game for the weak of heart or those under 18 years old. Besides the Infected, there are some explicit, shocking parts here, which aren't gratuitous at all. On the contrary, they use violence to explore the similarity between both sides of the coin brilliantly.)

Resumindo, “The Last of Us Parte II” é uma obra-prima. Com 6 anos de desenvolvimento, a Naughty Dog faz o uso de uma história densa, engajante, e emocionalmente aterradora; performances dedicadas de seu elenco; personagens muito bem desenvolvidos; tecnologias impecáveis, e uma jogabilidade frenética para explorar o ciclo da violência e suas consequências em uma sequência que se equipara ao original em todos os sentidos possíveis. Uma das melhores experiências que tive nesse ano até agora.

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “The Last of Us Part II” is a masterpiece. With 6 years of development, Naughty Dog uses a dense, engaging and emotionally shattering story; committed performances by its cast; very well developed characters; flawless technology and frenetic gameplay to explore the cycle of violence and its consequences in a sequel that lives up to its predecessor in every possible way. One of the best experiences I've had this year so far.

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

Especial Nolan - "Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge": a conclusão perfeita para a trilogia do Cavaleiro das Trevas (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para dar continuidade à nossa postagem especial sobre o trabalho de Christopher Nolan. Após o revolucionário “A Origem”, Nolan retorna à Gotham City para concluir a trilogia do Cavaleiro das Trevas em um filme tenso, engajante, e com uma carga emocional surpreendentemente forte. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, in order to continue with our special post on the work of Christopher Nolan. After the revolutionary “Inception”, Nolan returns to Gotham City to bring the Dark Knight trilogy to a close in a tense, engaging film with a surprisingly large emotional baggage. So, without further ado, let's talk about “The Dark Knight Rises”. Let's go!)

Oito anos após os acontecimentos de “Batman: O Cavaleiro das Trevas”, Gotham City se vê ameaçada mais uma vez quando um terrorista, Bane (Tom Hardy) começa a instaurar o caos na cidade. Disposto a livrar Gotham da ameaça de Bane, Bruce Wayne (Christian Bale) decide assumir mais uma vez o manto de Batman, mesmo depois de ter sido falsamente acusado de assassinar Harvey Dent.

(Eight years after the events of “The Dark Knight”, Gotham City sees itself threatened once again when a terrorist, Bane (Tom Hardy) starts installing chaos in the city. Willing to relieve Gotham of Bane's menace, Bruce Wayne (Christian Bale) decides to don the identity of the Batman once again, even after being falsely accused of murdering Harvey Dent.)

Para falar a verdade, esse é o primeiro filme da trilogia do Cavaleiro das Trevas que lembro ter visto. Como eu não tinha visto “Batman Begins” ou “Batman: O Cavaleiro das Trevas”, confesso que, na primeira vez que assisti à parte final da trilogia, fiquei um pouco perdido. Mas agora, após ter assistido aos filmes anteriores, como parte dessa postagem especial sobre o trabalho de Christopher Nolan, posso tranquilamente colocar a trilogia do Cavaleiro das Trevas na minha lista de melhores trilogias da história do cinema. Trilogias de blockbuster normalmente começam com um filme normal, com nada fora dos eixos ou das fórmulas típicas presentes nesse tipo de filme; elevam o nível com o segundo filme, que oferece algumas mudanças significativas à fórmula citada; e no terceiro filme, é onde a ambição reina em seu maior poder. É exatamente isso que acontece com essa trilogia: em “Batman Begins”, temos um filme que introduz seus personagens e atmosfera, para que, em “Batman: O Cavaleiro das Trevas”, haja uma completa reinvenção da fórmula do primeiro filme. E agora, em “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge”, temos uma conclusão ambiciosa, que fecha o ciclo começado em “Batman Begins”, e que amarra todas as pontas soltas que poderiam ter sido deixadas nos filmes anteriores. Assim como no segundo filme da trilogia, o roteiro de “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge” é escrito pelos irmãos Christopher e Jonathan Nolan, com uma história elaborada pelo diretor e por David S. Goyer, que co-roteirizou “Batman Begins”. É um roteiro bem robusto, sendo o filme mais longo da franquia, com 2 horas e 45 minutos de duração, que passam bem rápido, graças ao passo bem calculado da história. Cada momento nesse filme é tão engajante, que o espectador simplesmente não consegue tirar os olhos da tela. A primeira cena de “O Cavaleiro das Trevas Ressurge” já introduz o vilão de forma espetacular, assim como aconteceu no filme anterior com o Coringa. É um momento carregado de tensão, e já prepara o terreno para o que iremos assistir em seguida. O desenvolvimento dos personagens presentes na trilogia inteira, como Bruce Wayne, Alfred, Comissário Gordon e Lucius Fox, é feito e concluído de forma perfeita e até emocionante. Os diálogos entre o protagonista e seu mordomo são carregados de um teor emocional que não foi visto nos dois filmes anteriores. Foi algo realmente impressionante para mim. Os vilões do filme são apresentados quase que da mesma maneira que “Batman Begins” estabeleceu: isto é, um vilão leva a outro vilão, que por sua vez, leva ao chefão final, normalmente revelado através de uma reviravolta. E essa fórmula funciona de uma maneira até melhor e mais surpreendente aqui do que no filme que a estabeleceu. Eu simplesmente adorei o jeito que o Nolan trata um tema, um valor em cada filme dessa trilogia: em “Batman Begins”, há uma exploração do medo em sua forma mais pura, através de seu protagonista e um de seus vilões; em “Batman: O Cavaleiro das Trevas”, a identidade de herói é explorada através da dualidade entre o protagonista e Harvey Dent; e, em “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge”, temos uma história de superação dos medos explorados no primeiro filme, e a redenção de seu protagonista perante os eventos do segundo filme. E o melhor é que o capítulo final da trilogia não serve somente para redimir Bruce Wayne; há vários outros personagens que também encontram sua redenção ao longo da trama. E isso foi simplesmente genial, porque aí o espectador não vê o filme somente pelos olhos de seu protagonista, mas também pelos olhos de vários personagens. O final é algo bem parecido com o que “A Origem” fez, deixando-o aberto à interpretação do espectador. Resumindo, o roteiro de “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge” é ambicioso, tenso, e altamente engajante, resultando em uma história que conclui uma das melhores trilogias de filmes de forma extremamente satisfatória.

(To tell you the truth, this is the first film in the Dark Knight trilogy that I remember to have watched. As I didn't watch “Batman Begins” or “The Dark Knight”, I confess that, by the first time I watched the final part of the trilogy, I couldn't help but feel a little lost. But now, after watching the previous films, as a part of this special post on the work of Christopher Nolan, I can safely put the Dark Knight trilogy in my list of best film trilogies of all time. Blockbuster trilogies usually start off with a normal film, which doesn't walk the extra line or make any changes to its established formula; the stakes become higher on the second film, which offers some significant changes to said formula; and in the third film, that's where ambition reigns supreme. That's exactly what happens in this trilogy: in “Batman Begins”, we have a film that introduces its characters and atmosphere, so that, in “The Dark Knight”, there is a complete reinvention of the formula established in the first film. And now, in “The Dark Knight Rises”, we have an ambitious conclusion, which closes the cycle that “Batman Begins” started, and that ties up all loose ends that previous films might have left untied. Just like in its second film, the script for “The Dark Knight Rises” is written by brothers Christopher and Jonathan Nolan, with a story by its director and David S. Goyer, who co-wrote the screenplay for “Batman Begins”. It's a pretty robust script, with the longest running time in the trilogy, clocking in at 2 hours and 45 minutes, which go by really quick, thanks to the story's well-calculated pace. Every single moment in this film is so engaging, that the viewer simply can't take his eyes off the screen. The first scene in “The Dark Knight Rises” already introduces its villain in a spectacular way, just like it happened in the second film with the Joker. It's a moment loaded with tension, which prepares the ground for what comes next. The development of the characters that were in all 3 films, such as Bruce Wayne, Alfred, Commissioner Gordon and Lucius Fox, is done and concluded in a perfect and even emotional way. The scenes of dialogue between the protagonist and his butler are filled with an emotional strength that wasn't seen in the previous 2 movies. It was something really impressive for me. Its villains are presented almost in the same way they were in “Batman Begins”: which is, a villain that leads to another villain, which in turn leads to the final boss, usually revealed through a plot twist. And that formula works in an even better way here than in the film that established it. I simply loved the way Nolan explored a theme, a value in every film in this trilogy: in “Batman Begins”, there is an exploration of fear in its purest form, through its protagonist and one of its villains; in “The Dark Knight”, the identity of a hero through the duality between the protagonist and Harvey Dent; and, in “The Dark Knight Rises”, we have a story that leads its protagonist into overcoming his fears established in the first film, and redeeming himself in face of the second film's events. And the best thing is that the film isn't there only to redeem Bruce Wayne; there are several other characters that also get their redemption throughout the plot. And that move was simply genius, because the viewer doesn't watch the film only through the main character's point of view; but also from the point of view of other characters. The ending is something very much alike what happened with “Inception”, leaving it open to the viewer's interpretation. In a nutshell, the script for “The Dark Knight Rises” is ambitious, tense and highly engaging, resulting in a story that concludes one of the best film trilogies of all time in an extremely satisfying way.)

Reprisando seus papéis na trilogia, temos o retorno de Christian Bale como o Homem-Morcego, Michael Caine como Alfred, Gary Oldman como o Comissário Gordon e Morgan Freeman como Lucius Fox. Eu simplesmente adorei como Bale e Oldman lidaram com as consequências dos eventos do segundo filme em suas performances. Há uma perceptível sensação de culpa que é explorada de maneira perfeita na atuação dos dois. Essa é, definitivamente a melhor atuação do Michael Caine como o Alfred. Depois dos dois filmes anteriores, nós sentimos uma preocupação maior dele em respeito ao seu patrão, e é algo extremamente comovente. Ele devia ter sido indicado a Melhor Ator Coadjuvante. Novas adições no elenco incluem Tom Hardy, Anne Hathaway, Marion Cotillard e Joseph Gordon-Levitt. Começando pelo Tom Hardy, que é simplesmente o Bane perfeito. Eu amei como os roteiristas apresentaram ele quase que da mesma maneira do que o Coringa do Heath Ledger, como um vilão já na ativa, extremamente realista e nada cartunesco. A fisicalidade, a voz, a força bruta do personagem. Hardy acerta tudo em cheio aqui. A Anne Hathaway cumpre todos os requisitos de uma boa Mulher-Gato: a manipulação das emoções, a flexibilidade, a química evidente com o protagonista. Ela é a melhor Mulher-Gato desde a Michelle Pfeiffer. A Marion Cotillard tem um dos desenvolvimentos mais interessantes do filme, começando como um interesse amoroso para o protagonista, e depois virando alguém completamente diferente, que fecha algumas pontas e faz algumas referências ao primeiro filme. E o Joseph Gordon-Levitt faz um policial que faz parceria com o Comissário Gordon, e o desenvolvimento de seu personagem tem uma conclusão que fará os fãs do Homem-Morcego gritarem de emoção.

(Reprising their roles in the trilogy, we have the return of Christian Bale as Batman, Michael Caine as Alfred, Gary Oldman as Commissioner Gordon and Morgan Freeman as Lucius Fox. I simply loved how Bale and Oldman dealt with the consequences of the second film's events in their performances. There's a perceptible sense of guilt which is explored perfectly in both performances. This is, definitely, the best performance by Michael Caine as Alfred. After the two previous films, we feel a bigger concern in him towards his master, and it's something extremely moving. He should've been nominated for Best Supporting Actor. New additions to the cast include Tom Hardy, Anne Hathaway, Marion Cotillard and Joseph Gordon-Levitt. Starting off with Tom Hardy, who is simply the perfect Bane. I loved how the screenwriters introduced him almost like in the same way as Heath Ledger's Joker, as an already active villain, who's extremely realistic and not cartoonish at all. His physicality, his voice, the character's brute strength. Hardy gets everything right here. Anne Hathaway fulfills every demand of a good Catwoman: her manipulation of emotions, her flexibility, her evident chemistry with the main character. She's the best Catwoman since Michelle Pfeiffer. Marion Cotillard has one of the most interesting character developments in the film, starting off as a love interest for the protagonist, and then turning into someone completely different, which ties some ends and makes a few references to the first film. And Joseph Gordon-Levitt plays a cop who partners up with Commissioner Gordon, and the development of his character has a conclusion that will make Batman fans squeal in delight.)

Assim como nos filmes anteriores da trilogia, os aspectos técnicos de “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge” elevam o filme à novas alturas. A direção de fotografia do Wally Pfister ajuda a construir uma atmosfera mais sombria para esse último filme, em parceria com a direção de arte, que aproveita cenários antigos e introduz cenários novos em circunstâncias inéditas para a trilogia. A montagem do Lee Smith é mais uma vez fantástica, especialmente quando ela expressa a passagem de tempo, através de coisas bem simples, ao invés de um aviso enorme avisando quanto tempo passou desde tal cena. A trilha sonora do Hans Zimmer é espetacular, como de costume. E esse filme tem o maior uso de efeitos visuais, tanto práticos quanto em CGI, na trilogia inteira. E por incrível que pareça, esses efeitos não estragam o filme. Claro, eles podem dar um aspecto mais cartunesco, se comparado a seus antecessores, mas é apenas um instrumento usado para aumentar a tensão estabelecida no roteiro. E para esse fim, a abundância de efeitos visuais usada em “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge” é mais que bem-vinda.

(Just like it happened in previous films in the trilogy, the technical aspects of “The Dark Knight Rises” elevate it to new heights. Wally Pfister's cinematography helps building a more somber atmosphere for this last film, along with the art direction, which re-uses old scenarios and introduces new ones under first-time circumstances in the trilogy. Lee Smith's editing is once again fantastic, especially when it expresses the passage of time, through very simple things, rather than an enormous title card that tells viewers how much time has passed since the previous scene. Hans Zimmer's score is spectacular, as usual. And this film has the biggest use of visual effects, both practical and CGI, in the entire trilogy. And as hard as it may seem, they don't ruin the film. Of course, they can give it a more cartoonish feel, if compared to its predecessors, but it is only an instrument used to build up the tension established by the script. And to that end, the abundance of visual effects in “The Dark Knight Rises” is more than welcome.)

Resumindo, “Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge” é uma parte final extremamente satisfatória para a já icônica trilogia de Christopher Nolan, contando com um roteiro tenso, performances engajantes de seu elenco, e aspectos técnicos ambiciosos, para concluir o desenvolvimento de seus personagens principais de forma bem-sucedida e até comovente.

Nota: 10 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “The Dark Knight Rises” is an extremely satisfying final chapter to Christopher Nolan's already iconic film trilogy, relying on a tense script, engaging performances by its cast, and ambitious technical aspects, in order to bring its characters' development to a close, in a successful and even moving way.

I give it a 10 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)