"His Dark Materials": uma adaptação ambiciosa e extremamente fiel ao material fonte (Bilíngue)

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E aí, meus cinéfilos queridos! Tudo bem com vocês? Eu estou de volta, para trazer a última resenha crítica do ano. E dessa vez não se trata de um filme, mas sim de uma série. Sendo uma das obras audiovisuais mais esperadas do ano para mim, a série em questão consegue ser uma adaptação fiel ao material fonte, ao mesmo tempo que cria uma própria identidade para si. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre a primeira temporada de “His Dark Materials”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys? I'm back, with the last review of the year. And this time, it's not a review of a film, but of a TV show. As one of the most awaited TV productions of the year, for me, the show I'm about to discuss not only is a faithful adaptation to its source material, but it also creates its own, unique identity. So, without further ado, let's talk about the first season of “His Dark Materials”. Let's go!)

A série é ambientada em um mundo paralelo ao nosso, onde as pessoas são acompanhadas de seres conhecidos como daemons, que assumem a forma de animais que combinam com a personalidade da pessoa. A primeira temporada acompanha Lyra Belacqua (Dafne Keen), uma órfã que foge da universidade em que mora para procurar Roger (Lewin Lloyd), seu amigo, que desaparece durante uma estranha onda de sequestros de crianças. Durante sua jornada, Lyra recebe a ajuda de gípcios, feiticeiras, ursos de armadura, e aeróstatas, fazendo uso de um misterioso instrumento para guiar seu caminho.

(The show is set in a world that's parallel to ours, where people are accompanied by beings known as daemons, which assume the form of animals that match the person's personality. The first season follows Lyra Belacqua (Dafne Keen), an orphan who runs away from the college she lives in order to look for Roger (Lewin Lloyd), her friend, who disappears during a strange wave of child kidnappings. During her journey, Lyra relies on the aid of Gyptians, witches, armored bears and aeronauts, using a mysterious instrument to guide her path.)

Ok, antes de começar a falar da série em si, vou dedicar algumas linhas para falar da trilogia de livros em que ela é baseada: a trilogia Fronteiras do Universo, escrita por Philip Pullman, composta pelos livros “A Bússola de Ouro”, “A Faca Sutil” e “A Luneta Âmbar”. Inicialmente, essa trilogia foi promovida como uma obra infantil, o que foi uma jogada totalmente mal feita, porque os livros são muito complexos para uma criança de 8 anos, por exemplo. A melhor maneira de descrever a trilogia como um todo é essa: é complexa o suficiente para manter a curiosidade e a imaginação do leitor ativas, e auto-explicativa o suficiente para mantê-lo engajado e antenado na história e seus conceitos. O primeiro livro é basicamente uma introdução dos conceitos da trilogia, o segundo já injeta uma quantidade imensa de tensão, violência e realismo à trama principal, e o terceiro e último investe bastante na mitologia do universo fictício dos livros, transitando entre vários pontos de vista, para depois juntá-los de uma maneira concisa. Agora, com essa introdução dita, vamos à série. Pelo fato de ser uma co-produção da BBC com a HBO, minhas expectativas já estavam no alto, pois estamos falando de uma parceria entre a emissora responsável pela minha série favorita (Doctor Who), e a emissora responsável por uma das séries mais ambiciosas dos últimos tempos (Game of Thrones). E fico muito feliz em dizer que essa série atendeu a todas as minhas expectativas, como um fã da trilogia. É uma obra narrativamente muito rica, cheia de temáticas e subtextos muito interessantes e reflexivos. Como uma adaptação, é uma releitura muito fiel do material fonte, com um passo mais lento, o que muita gente pode reclamar, mas o livro também é assim, é bem descritivo e não é apressado. Claro, não é 100% igual ao livro, algumas liberdades foram tomadas aqui no processo de adaptar o material para a televisão, e algumas decisões são bem similares às que foram tomadas pelo filme “A Bússola de Ouro”, lançado há mais de 10 anos, que falhou em criar uma trilogia de filmes, pelas mãos da New Line, a mesma produtora de “O Senhor dos Anéis”. O mais interessante é que, para quem leu a saga, a série toma a liberdade de introduzir personagens e conceitos que só serão introduzidos ou mais explorados nos outros dois livros já na primeira temporada, o que é muito bom, pelo menos, no meu ponto de vista, porque aí, nas próximas temporadas, a trama já poderá partir para a ação sem precisar de muita explicação. Mas, como alguém que leu o livro e viu o filme, alguns aspectos deixaram a desejar, porque mesmo que a série tenha conseguido capturar a essência da trilogia de uma maneira melhor do que “A Bússola de Ouro”, o fator de emoção do livro (e, por consequência, do filme) foi suavizado um pouco, em uma jogada das emissoras para não chocar o público mais jovem que provavelmente se sentirá atraído pelo enredo. Mesmo com essa aproximação mais leve com os conteúdos mais pesados, a série aborda os temas que taxaram os livros como polêmicos de uma maneira bem sutil, se comparado ao material fonte, mas bem explícita, se comparado ao filme, que foi amplamente criticado por justamente não abordar esses temas, que fazem parte de um subtexto muito importante na trilogia Fronteiras do Universo.

(Ok, before I start talking about the show itself, I'm going to dedicate a few lines to talk about the book trilogy that it was based on: the His Dark Materials trilogy, written by Philip Pullman, composed by “The Golden Compass”, “The Subtle Knife” and “The Amber Spyglass”. Initially, this trilogy was marketed as children's literature, which was a bad move, because they are way too complex for an 8-year-old, for example. The best way to describe the trilogy as a whole is this one: it's complex enough to keep the reader's curiosity and imagination fully active, and it's self-explanatory enough to keep him (or her) invested in its story and concepts. The first book is basically an introduction of its concepts, the second one injects an impressive amount of tension, violence and realism to the main plot, and the third and final book invests on the universe's mythology, relying on multiple points of view, which come together in a very concise, comprehensible way by the novel's conclusion. Now, with that intro out of the way, let's talk about the show. As a BBC and HBO co-production, my expectations for this were already sky high, because we're talking about a partnership between the channel that makes my favorite TV show ever (Doctor Who) and the channel responsible for one of the most ambitious TV shows ever made (Game of Thrones). And I am so glad to say that it went exactly as I expected it to be, as a fan of the trilogy. It is a narratively rich fantasy work, filled with extremely interesting, yet though-provoking themes and subtexts. As an adaptation, it is really faithful to the source material. It is slower-paced, which may annoy a few viewers, but it's very much like the first book, which is very descriptive and doesn't rush its plot at any moment. Of course, it's not 100% like the novel, some liberties were taken in the process of adapting it to television, and some of the decisions were very similar to those present in the film “The Golden Compass”, released in 2007, which failed to generate a film trilogy, produced by New Line, the production company responsible for the Middle-earth film series, directed by Peter Jackson. The most interesting thing about the show is that, if you've read the books, some of the characters and concepts that will only be introduced or further explored in the last two novels are already introduced in the first season, which, in my opinion, is a really good choice, because in future seasons, we will get more action and less explanation in the main plot. But, as someone who has read the book and seen the movie, some aspects were a little underdeveloped, because even though the show managed to capture the essence of the books in a more successful way than “The Golden Compass”, the book's (and consequently, the movie's) emotional/thrill factor was toned down a little bit, so that it doesn't shock a younger audience that may feel attracted to its plot. Even with this lighter approach to the more violent, shocking content, the show deals with the themes that made the books controversial in a very subtle way, if compared to the source material, but much more explicit, if compared to the film, which was widely criticized because it didn't deal with these themes at all, which play a very important part in an essential subtext in the His Dark Materials trilogy.)

Assim como o roteiro da série, o elenco também faz um ótimo trabalho em adaptar as personalidades irretocáveis dos personagens às fisionomias de seus intérpretes. A Dafne Keen, conhecida por interpretar a X-23 em “Logan”, incorpora a Lyra de uma maneira impressionante, acertando em cheio na teimosia e na rebeldia que a personagem possui nos livros, mas deixando um pouco a desejar na emoção que ela precisa transmitir em algumas cenas. A Ruth Wilson está sensacional como a Sra. Coulter. É, de longe, a melhor atuação do programa. Ela transmite uma selvageria hipnotizante, algo que a Nicole Kidman não foi capaz de fazer no filme, o que faz a conexão com o daemon dela ainda mais complexa e interessante. Não será uma surpresa se ela for indicada a prêmios por causa dessa atuação. Fiquei surpreso positivamente com a perspectiva que foi dada à Mãe Costa, interpretada pela Anne-Marie Duff. Ela está muito mais guerreira do que eu imaginava, o que encaixa direitinho no modelo de vida dos gípcios. Dois personagens que eu não esperava que seriam tão desenvolvidos foram o Lorde Boreal, interpretado pelo Ariyon Bakare, que fará uma presença maior na já confirmada segunda temporada, e o Farder Coram, interpretado de uma maneira emocionante pelo James Cosmo. Eu não achava que iria gostar do Lin-Manuel Miranda como o Lee Scoresby, porque imaginava alguém bem mais velho no papel, mas ele é um ótimo alívio cômico e possui uma química bem legal com a Dafne Keen, assim como o Lewin Lloyd, que interpreta Roger. Como personagens menos desenvolvidos, mas muito memoráveis (e que serão importantes em futuras temporadas), temos Ruta Gedmintas, que interpreta a feiticeira Serafina Pekkala; e James McAvoy, que está ameaçador, como esperado, no papel de Lorde Asriel.

Além do elenco live-action, temos um excelente trabalho de voz por parte de Kit Connor, Helen McCrory e Cristela Alonzo, que interpretam os daemons de Lyra, Lorde Asriel e Lee Scoresby, respectivamente, e de Joe Tandberg, que injeta uma personalidade única em sua atuação como o urso de armadura Iorek Byrnison.

(Just like its script, the cast of the show also does a superb job in adapting the characters's flawless personalities to their performers's physical boundaries. Dafne Keen, known for portraying X-23 in “Logan”, embodies Lyra in an impressive way, getting the character's stubbornness and rebel personality right, but lacking a little bit in the emotion she needs to transmit in some scenes. Ruth Wilson is sensational as Mrs. Coulter. It is, by far, the best performance in the show. She channels a hypnotizing savagery in her performance, something that Nicole Kidman wasn't able to do in the film, which makes the connection with her daemon even more complex and interesting. I won't be surprised if she ends up getting nominated for awards because of this. I was positively surprised by the perspective that was given to Ma Costa, portrayed by Anne-Marie Duff. She's a lot more warrior-like than I imagined, which fits perfectly in the Gyptians's way of life. Two characters I didn't expect to be that much developed were Lord Boreal, portrayed by Ariyon Bakare, who will make a larger appearance in the already confirmed second season, and Farder Coram, portrayed in a very emotional, heartfelt way by James Cosmo. I didn't expect to like Lin-Manuel Miranda as Lee Scoresby, as I imagined someone much older playing him, but he's a great comic relief and has a noticeable chemistry with Dafne Keen, as Lewin Lloyd, who plays Roger, also does. As less developed, but very memorable characters (who will be important in future seasons), we have Ruta Gedmintas, who plays the witch Serafina Pekkala; and James McAvoy, who is threatening, as expected, in the role of Lord Asriel.

Besides the live-action characters, we have an excellent voice cast here through Kit Connor, Helen McCrory and Cristela Alonzo's performances as the daemons of Lyra, Lord Asriel and Lee Scoresby, respectively, and through Joe Tandberg, who injects an unique personality in his performance as armored bear Iorek Byrnison.)

Nos aspectos técnicos, a série é ambiciosa, em todos os sentidos. Lendo o livro, eu pensei que o visual do mundo da Lyra seria bem mais no estilo vitoriano, mas a aproximação da versão da série com a realidade foi muito bem-vinda, pois entendo que a equipe fez isso com o objetivo de retratar um mundo quase real. Como dito anteriormente, alguns conceitos de livros futuros já são introduzidos na primeira temporada, e o contraste entre os temas presentes na maioria da trama dessa leva e alguns que farão uma presença maior nas próximas temporadas é bem visível. O trabalho de efeitos especiais é maravilhoso e muito mais refinado do que o do filme. Os daemons e os ursos de armadura tem uma textura bem palpável, o que é bom, porque isso injeta personalidade aos personagens não-humanos. A trilha sonora do Lorne Balfe é épica, e faz presença em várias cenas, ditando o tom de cada uma delas. Por exemplo, em uma cena de luta, a trilha é mais ágil, energética, e tensa; já em cenas mais calmas, a trilha é mais doce, serena e agradável. A direção da série é incrível, sendo comandada por diretores como Tom Hooper (Os Miseráveis), Otto Bathurst, Euros Lyn e Jamie Childs (conhecidos por dirigir episódios de Doctor Who), que sabem muito bem o que fazem.

(In the technical aspects, the show is ambitious in every single way. Reading the book, I imagined Lyra's world to be somewhat Victorian-styled, but the show's version of it and its approximation to reality were very much welcome, as I understand that they made that choice in order to portray Lyra's world as close to ours. As I said before, some concepts of future novels are already introduced in the first season, and the contrast between the themes present in most of this season's plot, and some that will make a bigger presence in future seasons is pretty visible. The visual effects work is wonderful and way more sophisticated than the ones in the movie. The daemons and the armored bears have a very palpable texture, which is good, because it injects personality in the non-human characters. Lorne Balfe's score is epic, and it makes a presence in several scenes, dictating the tone of each of them. For example, in a fight scene, the music is more agile, energetic, and tense; and in scenes that are more calm, the music is sweeter, more serene and pleasant. The direction of this season is amazing, being helmed by directors like Tom Hooper (Les Miserables), Otto Bathurst, Euros Lyn and Jamie Childs (known for directing episodes of Doctor Who), who know what they're doing very well.)

Resumindo, a primeira temporada de “His Dark Materials” é uma adaptação maravilhosa e extremamente fiel ao material fonte, que faz uso de um elenco que esbanja talento e uma equipe técnica muito bem capacitada para apresentar conceitos muito interessantes e preparar o terreno para a já confirmada segunda temporada!

Nota: 10 de 10!

É isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, the first season of “His Dark Materials” is a wonderful adaptation, which is extremely faithful to its source material. It makes use of a very talented cast and a marvelous technical crew in order to introduce really interesting concepts and to pave the way for the already confirmed second season!

I give it a 10 out of 10!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Star Wars: A Ascensão Skywalker": uma familiar, mas satisfatória conclusão para a saga Skywalker (Bilíngue)

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E aí, meus cinéfilos queridos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, para falar sobre uma das conclusões mais esperadas do ano. Desprezada pelos críticos e aceita pelos fãs, é um final familiar, mas satisfatório, tanto para a trilogia nova quanto para a saga de 9 filmes, que começou em 1977. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Star Wars: A Ascensão Skywalker”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you guys doing? I'm back, and I come here to talk about one of the most awaited conclusions of the year. Despised by critics and embraced by fans, it's a familiar yet satisfying ending to both the sequel trilogy and the 9-film saga, that started way back in 1977. So, without further ado, let's talk about “Star Wars: The Rise of Skywalker”. Let's go!)

Com o retorno do Imperador Palpatine (Ian McDiarmid), todos voltam a temer seu poder, e com isso, a Resistência toma a frente da batalha que ditará os rumos da galáxia. Treinando para se tornar uma completa Jedi, Rey (Daisy Ridley) ainda se encontra em conflito com seu passado e futuro, mas teme pelas respostas que pode conseguir a partir de sua complexa ligação com Kylo Ren (Adam Driver), que também se encontra em conflito pela Força.

(With the return of Emperor Palpatine (Ian McDiarmid), the whole galaxy is surrounded in fear of his power, and because of that, the Resistance takes the front stand in the battle that will decide the future of the galaxy. In training to become a full-fledged Jedi Knight, Rey (Daisy Ridley) still finds herself in conflict with her past and future, and fears for the answers she may get through her complex bond with Kylo Ren (Adam Driver), who also finds himself in conflict in the Force.)

Quando as primeiras reações a esse filme surgiram, fiquei meio chocado, pois foi o contrário do episódio anterior, Os Últimos Jedi. No caso do episódio VIII, os críticos adoraram, e os fãs odiaram. No caso desse episódio, os críticos desprezaram e os fãs tiveram uma reação mais positiva. Os críticos falam que esse filme é muito familiar, não é muito ousado, e é mais um filme pra fã, e os fãs falam que não é nada disso, que é um filme maravilhoso, uma conclusão épica, etc., etc., etc. Como parte dos dois públicos (crítica e fã de Star Wars), meu consenso fica no meio desses dois extremos. É um bom filme, não é o desastre que os críticos falam que é, nem a obra-prima que os fãs falam que é. É um filme que possui várias referências aos episódios anteriores, e algumas delas são divertidíssimas, mas não chega a ser corajoso e até ousado como Os Últimos Jedi foi. Não me levem a mal, Os Últimos Jedi não foi isento de problemas, mas foi um filme que atravessou a barreira entre o familiar, estabelecido em O Despertar da Força, e o inédito, que foi consolidado com Rogue One, que pra mim, ainda é o melhor filme de Star Wars feito após a compra da Lucasfilm pela Disney. O filme tem uma boa estrutura de roteiro, e conta com algumas reviravoltas, algumas são até boas, já outras são completamente bizarras, e algumas até desrespeitam o cânone da trilogia original. O desenvolvimento de personagens é feito de maneira distinta, dependendo do personagem. Os personagens mais desenvolvidos nesse filme são, sem dúvida, a Rey e o Kylo Ren, e o arco dos dois é fechado de uma maneira bem satisfatória. O JJ Abrams tinha um desafio nesse filme: não só estabelecer um final para uma trilogia, mas também para uma saga de 9 filmes que percorre há mais de 40 anos. Nesse aspecto, ele acerta parcialmente, porque, ao mesmo tempo que a maioria das perguntas tenha sido respondida, algumas perguntas cruciais para a compreensão desse filme (e da nova trilogia como um todo) não foram respondidas ao final da projeção. Parte de mim queria muito ver o que o Colin Trevorrow (diretor de Jurassic World, que originalmente iria dirigir esse filme) tinha planejado para a conclusão, porque mesmo que ele tenha feito algumas colaborações para o roteiro, a Disney jogou seguro e foi com o JJ Abrams, que dirigiu O Despertar da Força, que foi recebido muito bem pelos fãs. E por causa disso, recebemos um filme divertido, mas que sofre com reviravoltas sem sentido, inconsistências no cânone da saga Skywalker, e uma quase completa falta de carga emocional, que se fez presente nos dois episódios anteriores (sim, até n'Os Últimos Jedi). Eu, por exemplo, mudaria duas cenas perto do final do filme, porque em um caso, ficaria muito mais épico do jeito que eu imaginei após pensar bastante, e no outro, é um caso de não explicitar algo que ficaria bem melhor de modo implícito. E é isso que eu tenho a falar sobre o roteiro de “Star Wars: A Ascensão Skywalker”. Se alguém quiser saber mais sobre o que eu achei com spoilers, podem colocar nos comentários (só não esqueçam de avisar que o comentário terá spoiler, para não estragar o filme para aqueles que não viram ainda), que eu terei o prazer de responder e compartilhar meus pensamentos com vocês.

(When the first reactions to this movie arrived, they kinda shocked me, because it was the complete opposite of the previous episode, The Last Jedi. In Episode VIII's case, critics loved it and fans hated it. And in this movie's case, critics despised it and fans had a more positive reaction to it. Critics said that this movie wasn't bold, that it was very familiar and that it was based entirely on fan service, and the fans said that it was nothing like that, that it was wonderful, an epic conclusion, etc., etc., etc. As a part of both audiences (critic and Star Wars fan), my consensus stands right in the middle of these two extremes. It's a good movie, indeed, it's not the disaster critics say it is, and it's not the masterpiece fans say it is either. It's a movie that has a lot of references to previous installments, and some of them are quite fun, but it's not as bold and daring as The Last Jedi. Don't get me wrong, The Last Jedi has some issues, but at least, it was a film that crossed the barrier between familiar, like The Force Awakens, and new, which was consolidated with Rogue One, which is still the best Star Wars movie since Disney bought Lucasfilm, for me, at least. It has a good script structure, and has some plot twists; some of them are good, but others are really bizarre, and even disrespectful to the original trilogy's canon. The character development is done distinctly, depending on the character. The characters with the most development here are definitely Rey and Kylo Ren, and both their arcs are closed in a satisfying way. JJ Abrams faced a challenge with this movie: not only he had to create a movie that concluded the sequel trilogy, he also had to create a conclusion for the 9-film saga, which has been going on for over 40 years. In this aspect, he partially gets it right, because even if most of the questions do get answered, some essential questions for the comprehension of this film (and the sequel trilogy as a whole) are left unanswered by the time the credits roll. Part of me really wanted to see what Colin Trevorrow (the director of Jurassic World, who originally was going to direct this film) had in store for the conclusion, because even if he collaborated to the story, Disney played safe and went with JJ, who directed The Force Awakens, which was really well-received by fans. And because of that, we have a fun movie, but it suffers from senseless plot twists, inconsistencies in the Skywalker Saga's canon, and an almost complete lack of emotional charge, which was really present in the previous two episodes (yeah, even in The Last Jedi). I, for once, would change two scenes near the end of the film; in one case, it would've been a lot more epic with what I imagined after thinking about it for a while, and in the other, it's a case of not making things explicit when they could've been a lot better if they were implied. And that's all I have to say about the script of “The Rise of Skywalker”. If anyone wants to discuss it with spoilers, feel free to comment below (just don't forget to warn that your comment will contain a spoiler, so that you don't ruin the film for those that haven't watched it yet), and I will have the pleasure of answering and sharing my thoughts with you guys.)

Falando de modo curto e direto, o elenco, tanto o da nova trilogia quanto o das trilogias anteriores, já teve mais carisma. O trio principal constituído pela Daisy Ridley, John Boyega e Oscar Isaac possui apenas faíscas de química, se comparado à chama ardente que foi a química entre eles nos episódios anteriores. E o pior é que esse é o primeiro (e único) episódio em que os 3 são vistos em tela juntos pela maioria do tempo de duração, então a química entre eles tinha que ter sido mais evidente. Para uma personagem cuja intérprete já faleceu faz um tempo, a Princesa Leia teve um bom tempo de tela aqui, eu não pensei que o arco de personagem dela iria durar pelo tempo que durou, e sinceramente, eu gostei. Um personagem que ficou bem mais engraçado, se comparado aos episódios anteriores foi o C-3PO, e, mesmo que todas as piadas não tenham sido hilárias, ele é um bom alívio cômico. Eu queria muito ter visto mais do Billy Dee Williams como Lando, porque faz um tempão que nós não vemos ele, e ele tem tão pouco tempo de tela, o que não compensa pelos mais de 30 anos que se passaram desde O Retorno de Jedi. As personagens da Naomi Ackie e da Keri Russell são OK, elas não fazem tanta presença assim, mas também não atrapalham. A Kelly Marie Tran melhora um pouquinho como a Rose, mas a química dela com o John Boyega diminuiu drasticamente, e tem um momento que iria se equiparar no nível “WTF” com o desfecho do arco dos dois em Os Últimos Jedi se ele se concretizasse, mas não aconteceu, e eu estou feliz com isso. O Ian McDiarmid tem uma presença ameaçadora como Palpatine, mas ainda assim, algumas perguntas que justificariam o porquê dele estar nessa trama não foram respondidas. Agora, a única atuação que, pra mim, foi realmente agradável de se ver foi a do Adam Driver. Não sei se é porque de quase todos os atores principais da nova trilogia, ele seja o mais consagrado, mas eu realmente me interessei pelo lado do Kylo Ren da história, e o fechamento do arco dele foi o mais perto que esse filme teve de uma carga emocional.

(In a short, but direct way, in my opinion, the cast, both from the new trilogy and previous generations, had a lot more charisma than what happened here. The main trio composed by Daisy Ridley, John Boyega and Oscar Isaac has only a faint spark of chemistry, if compared to the roaring flame that was their chemistry in the previous films. And the worst thing is, this is the first (and only) film where the 3 of them are seen together for most of the running time, so their chemistry should've been more evident. For a character whose actor passed away quite some time ago, Princess Leia had an extended screen time here, I didn't expect her character arc to last as long as it actually did, and honestly, I liked it. A character that got a whole lot funnier, if compared to previous episodes, is C-3PO, and, even though all of his jokes don't fully land, he is a good comic relief. I really wanted to see more of Billy Dee Williams as Lando, because it's been a long time since we last saw him, and he has a really short screen time, which doesn't make up for the 35-ish-year gap between Return of the Jedi and this one. Naomi Ackie and Keri Russell's characters are OK, they don't get much presence, but they don't screw up either. Kelly Marie Tran did a little better as Rose, but her chemistry with John Boyega was drastically reduced, and there's a moment here that would pair up on the “WTF” scale with the closure of their arc on The Last Jedi if it actually happened, but it didn't and I'm happy for it. Ian McDiarmid has a threatening presence as Palpatine, but still, some questions that would justify why he's in the plot of the film weren't answered. Now, the only performance that, for me, was really pleasant to watch was Adam Driver's. I don't know if it's because, out of all the main actors of the new trilogy, he's the most established one, but I was really interested in Kylo Ren's side of the story, and the closure of his arc was the closest this movie came to an emotional charge.)

Enfim, chegamos à parte onde quase não há nada de negativo, os aspectos técnicos. Tudo é operante aqui, da fotografia e a direção de arte, até a trilha sonora magistral do John Williams e os efeitos especiais, mas novamente, até nos aspectos técnicos, o filme sofre pela familiaridade com os episódios anteriores, principalmente os da trilogia nova. Mas, mesmo com esse aspecto familiar, os visuais, as cenas de ação, e a trilha sonora nos mantém investidos no filme, de modo que a edição corta entre diferentes pontos de vista com pouca frequência, para nos manter focados no ponto principal da história, o que é bom, porque aí, não ficaria tão inchado e estufado como Os Últimos Jedi acabou ficando. É bem triste ver que a equipe técnica apenas apostou no familiar para fazer esse último filme da saga, porque, por ser o último filme de uma saga lendária de 40 anos de idade, poderia ter sido um filme grandioso, tanto narrativamente, quanto tecnicamente. Mas, mesmo com os aspectos técnicos sendo bons e operantes, faltou um pouco de ambição, dadas as circunstâncias.

(At last, we get to the part where there's almost nothing bad about it, the technical aspects. Everything is operative here, from the cinematography and the art direction, to John Williams's epic score and the visual effects, but again, even in the technical aspects, it suffers with the familiarity from the previous episodes, especially the ones in the new trilogy. But even with this familiar aspect to it, the visuals, the action scenes, and the score keep us invested in the film, and the editing cuts to different points of view with a very low frequency, to focus more on the main point of the story, which is good, because then, the film doesn't become a bloated, stuffed plot like The Last Jedi ended up becoming. It's pretty sad seeing the technical team just bet on the familiar to make this final film in the saga, because, due to the fact that this is the last film on a legendary 40-year saga, it could've been a masterful, ambitious film, both narratively and technically. But, even with the operant, good technical aspects, there was a small lack of ambition, due to the circumstances.)

Resumindo, “Star Wars: A Ascensão Skywalker” não é um filme ruim, não mesmo. É um filme que diverte tanto os fãs de longa data quanto os da nova trilogia, e entrega uma conclusão satisfatória para a saga de 9 filmes, mesmo que sofra com recursos narrativos sem sentido, uma falta quase completa de teor emocional, e por ser bastante familiar, tanto narrativamente quanto visualmente, aos episódios anteriores.

Nota: 7,5 de 10!

É isso, pessoal! Espero que vocês tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Star Wars: The Rise of Skywalker” is not a bad film, not at all. It's a movie that entertains both the long-term fans and the new trilogy fans, and it delivers a satisfying conclusion to the 9-film saga, but it also suffers from senseless plot points, an almost complete lack of an emotional factor, and from being very familiar, both narratively and visually, to previous episodes.

I give it a 7,5 out of 10!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Encontros e Desencontros" e "Ela": a comunicação dialógica entre dois filmes sobre solidão [SPOILERS]

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E aí, meus cinéfilos queridos! Tudo bem com vocês? Estou aqui não para falar o que eu achei do novo Star Wars (a resenha sai esse final de semana, prometo), mas para compartilhar um artigo científico que fiz na faculdade. Para aqueles que ainda não sabem, eu sou estudante de Jornalismo, e no segundo período, tive a oportunidade de escrever um artigo científico na disciplina de Cibercultura, com o tema "Comunicação e Mídia". E é claro, o meu foco não podia ser outro a não ser o cinema, não é mesmo? (Risos) Então, fiz um artigo sobre a comunicação entre dois filmes que, à primeira vista, não parecem ter nada em comum: "Encontros e Desencontros", dirigido por Sofia Coppola, e "Ela", dirigido por Spike Jonze, analisando como a história de fundo do relacionamento entre os dois cineastas dá um significado muito mais profundo aos filmes deles. Fico muito feliz em dizer que tirei uma nota quase perfeita por esse artigo, que provavelmente é a melhor coisa que eu já escrevi na vida.

Como o artigo se trata de uma análise, e não uma crítica, haverão SPOILERS pesados da trama dos dois filmes, caso você, leitor, não tenha visto algum deles ainda.

Se vocês quiserem dar uma olhada, deixarei o link aqui. 

E para ter um componente mais visual, deixarei aqui algumas recomendações de vídeos que comparam os visuais e enquadramentos dos dois filmes:

É isso, pessoal! Espero que vocês tenham gostado do meu artigo! Até a próxima,

João Pedro

"História de um Casamento": um filme honesto, humano e dolorosamente realista (Bilíngue)

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E aí, meus cinéfilos queridos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, com a resenha de um filme que prova que ambição não é sinônimo de qualidade. Ao contrário de “O Irlandês”, de Martin Scorsese, essa produção da Netflix foi feita em uma escala menor, mais intimista, e consegue ser tão emocionante quanto o épico de máfia de Scorsese. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “História de um Casamento”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you doing? I'm back, with the review of a film that proves ambition doesn't always mean quality. Unlike Martin Scorsese's “The Irishman”, this Netflix production was made on a smaller, more intimate scale, and it manages to be just as emotional as Scorsese's mafia epic. So, without further ado, let's talk about “Marriage Story”. Let's go!)

O filme conta a história de um casal, Nicole (Scarlett Johansson) e Charlie (Adam Driver), que está passando por muitos problemas, e os dois, então, decidem se divorciar. Eles tinham concordado em não contratar advogados para tratar do divórcio, mas Nicole muda de ideia após receber a indicação de Nora Fanshaw (Laura Dern), especialista no assunto. Surpreso com a decisão da ex-esposa, Charlie agora precisa de um advogado para tratar da custódia do filho deles, Henry (Azhy Robertson).

(The film tells the story of a couple, Nicole (Scarlett Johansson) and Charlie (Adam Driver), that's been going through a lot of struggles, so the two decide to get divorced. They had agreed on not hiring any lawyers to discuss the divorce, but Nicole changes her mind after discovering Nora Fanshaw (Laura Dern), who's an expert on the subject. Surprised with his ex-wife's decision, Charlie now needs a lawyer to discuss the custody of their son, Henry (Azhy Robertson).)

Bom, pra começar, eu não sabia direito o que esperar desse filme. Tendo apenas visto um filme do Noah Baumbach (“Os Meyerowitz: Família Não se Escolhe”, que também é da Netflix), eu não tinha certeza se o estilo implantado em “Os Meyerowitz” era já o estilo característico do diretor. Pelo fato de “História de um Casamento” ter tido uma corrida impressionante em vários festivais de cinema ao redor do mundo, como o prestigiado Festival de Veneza, o Festival de Toronto e o Festival de Cinema de Nova York, fui ficando cada vez mais interessado no filme, que, à primeira vista, era conhecido por juntar dois atores muito conhecidos: Scarlett Johansson (que interpreta Natasha Romanoff, mais conhecida como Viúva Negra, nos filmes da Marvel) e Adam Driver (que interpreta o vilão Kylo Ren na nova trilogia de Star Wars). E, junto com “Parasita”, foi o filme que mais me surpreendeu o ano inteiro. Eu não tinha lido nenhuma crítica, só alguns elogios aqui e ali, e eu realmente gostei do filme. O roteiro do Noah Baumbach se movimenta muito bem, funcionando como um drama familiar com alguns toques de comédia. O mais interessante é que, pra mim, “História de um Casamento” é mais um daqueles filmes que possuem uma veia teatral, como se fosse uma peça, porque é um filme que não possui locações tão difíceis de construir, no caso de uma peça, e é um roteiro quase inteiramente apoiado na capacidade de seus atores de transmitir emoções. E essas emoções são transmitidas aqui do modo mais honesto e humano possível, fugindo do melodrama que quase domina filmes que seguem a mesma trama. Outra coisa que o roteiro faz muito bem é o fato de que nenhum dos dois protagonistas é colocado em um pedestal, nenhum deles é taxado como perfeito, como o pai/marido ou a mãe/esposa ideal. Todas as falhas, egoísmos, vícios, resumindo, todas as coisas que fazem da Nicole e do Charlie seres humanos são expostos da maneira mais emocionante e realista possível, e nós, como espectadores, conseguimos sentir essas falhas e emoções de uma forma muito íntima, devido ao roteiro e às atuações de Johansson e Driver. E é justamente essa intimidade e o tom honesto, humano e realista da trama que fazem desse roteiro um dos principais concorrentes ao Oscar de Melhor Roteiro Original no ano que vem, junto com “Parasita”.

Resumindo, o roteiro de “História de um Casamento” aposta mais no drama do que na comédia, e entrega uma história honesta, humana e realista, consolidando Noah Baumbach como um dos principais concorrentes ao Oscar ano que vem.

(Well, for starters, I didn't know what to expect from this movie. Having only seen one Noah Baumbach film (“The Meyerowitz Stories”, also a Netflix production), I wasn't sure if the style shown in “Meyerowitz” was already the director's characteristic cinematic style. Because of the fact that “Marriage Story” had an impressive run in film festivals around the world, like the prestigious Venice Film Festival, the Toronto International Film Festival, and the New York Film Festival, I was getting more and more interested in checking out the film, which, at first, was known for starring two very well-known actors nowadays: Scarlett Johansson (who portrays Natasha Romanoff, aka Black Widow, in the Marvel movies) and Adam Driver (who portrays villain Kylo Ren in the new Star Wars trilogy). And, along with “Parasite”, this was the most surprising film I've seen all year. I hadn't read any review, I had just seen some compliments here and there, and I really liked it. Noah Baumbach's script moves really well, working as a family drama with a few sprinkles of comedy in one scene or the other. The most interesting thing is that, for me, “Marriage Story” is another of those movies that possess a more theatrical vein, like it was a play, because the sets wouldn't be that hard to portray, in case of a theatrical production, and the script depends almost entirely on its actors's capacity of conveying emotion. And those emotions are transmitted here in the most honest, human way possible, running away from the melodrama that, almost always, dominates films that have a similar plot. Another thing the script does really well is that it doesn't put any of the two protagonists in a pedestal, none of them is characterized as perfect, as if they were the ideal dad/husband or mom/wife. Every flaw, selfishness, vice, actually, everything that makes Nicole and Charlie human beings is exposed in the most emotional and realistic way possible, and we, as viewers, are able to feel these flaws and emotions in a very intimate way, due to the script and Johansson and Driver's performances. And it's that exact intimacy and the honest, human, realistic tone of the story that make me believe this will be one of the main contenders for the Oscar for Best Original Screenplay next year, along with “Parasite”.

In a nutshell, the script of “Marriage Story” bets more on drama than comedy, and delivers an honest, human, realistic story, consolidating Noah Baumbach as one of the main Oscar contenders next year.)

Como todo bom filme que parece ser uma peça, “História de um Casamento” tem um ótimo elenco. O Adam Driver e a Scarlett Johansson estão absolutamente maravilhosos. Acredito que os papéis deles nesse filme podem ser capazes de desvinculá-los de seus personagens na cultura pop atual, porque eles são totalmente diferentes da Viúva Negra e do Kylo Ren. Eu juro que nunca tinha visto esses dois transmitirem emoções tão fortes e passionais do jeito que eles transmitiram nesse filme. O Adam Driver vai dificultar ainda mais a corrida de Joaquin Phoenix ao Oscar de Melhor Ator, ele se dedica completamente ao papel, se entrega de corpo e alma às emoções que o personagem dele precisa transmitir, e funciona perfeitamente. Acho que nunca tinha visto a Scarlett Johansson em um papel tão emocionante desde “Ela”, de Spike Jonze. Ela está simplesmente incrível, e nós sentimos, nas cenas onde os dois contracenam, as emoções que eles querem expressar e a culpa que eles sentem ao se separar, o que é muito cativante. Nos coadjuvantes, se destacam Laura Dern, Ray Liotta e Alan Alda, que interpretam os advogados dos protagonistas; e Julie Hagerty, Merritt Wever e Wallace Shawn como eficientes alívios cômicos, e todos trabalham muito bem com o material que lhes é dado.

(Just like every good movie that feels like a play, “Marriage Story” has a great cast. Adam Driver and Scarlett Johansson are absolutely amazing. I believe that their roles in this film could be capable of fully untangle them from their characters in the current pop culture, because they are so different from Black Widow and Kylo Ren. I swear I had never seen these two convey such strong, passionate emotions like they did in this movie. Adam Driver will make Joaquin Phoenix's race to the Oscar for Best Actor even harder, as he fully dedicates to his role, he gives his body and soul to the emotions his character needs to transmit, and it works perfectly. I think I'd never seen Scarlett Johansson in such an emotional role since “Her”, directed by Spike Jonze. She is simply incredible, and we feel, in the scenes where the two are together, the emotions they want to express and the guilt they feel as they go their separate ways, which is really captivating. In the supporting roles, the spotlight shines on Laura Dern, Ray Liotta and Alan Alda, who play the protagonists's lawyers; and Julie Hagerty, Merritt Wever and Wallace Shawn as efficient comic reliefs, and all of them work really well with what's given to them.)

Os aspectos técnicos também são muito bons, mesmo não sendo tão ambiciosos quanto os de “O Irlandês”. A fotografia é muito boa, sendo bem mais fechada e focada em algo específico do que aberta e dando atenção para tudo ao seu alcance, para realçar essa intimidade que o roteiro propõe. A montagem também é muito bem feita, especialmente nos flashbacks e em uma cena específica onde o recurso trabalha junto com os atores para fazer com que a expressão de suas emoções seja mais explícita. A trilha sonora original do Randy Newman é muito gostosa de ouvir, possuindo um ar de filme da Pixar, o que serve como o contraste perfeito para a seriedade e o tom agridoce da história. A direção de arte é bem menos extravagante e grandiosa do que produções anteriores da Netflix, mas novamente, o filme não propõe que esses recursos sejam grandiosos, eles são realistas o suficiente para nos fazer acreditar que estamos vendo uma história verdadeira acontecendo na tela, o que encaixa direitinho na proposta do roteiro de ser algo honesto e humano.

(The technical aspects are also really good, even if they're not as ambitious as the ones from “The Irishman”. The cinematography is very good, with the camera focused on being more closed and centered on something specific than being open and giving attention to everything on its reach, in order to enhance this intimacy the script proposes. The editing is really well done, especially in the flashbacks and in a specific scene where it works together with the actors to make their emotion-expressing more explicit. Randy Newman's original score is a delight to hear, possessing some sort of Pixar vein to it, which is the perfect thing to contrast with the seriousness and bittersweet tone of the story. The art direction is way less extravagant and large-scaled than Netflix's previous productions, but again, the film doesn't demand that these resources should be big, they are realistic enough to make us believe we're watching a real-life story on screen, which fits like a glove in the script's proposal of being something honest and human.)

Resumindo, “História de um Casamento” é um filme incrível. Ele possui uma trama honesta, humana, e dolorosamente realista, o que reflete a originalidade do roteiro. Fazendo uso de um elenco extremamente talentoso, Noah Baumbach cria uma história sobre relacionamentos que, devido à carga emocional embutida no roteiro, será bem difícil de esquecer.

Nota: 10 de 10!

É isso, pessoal! Espero que vocês tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Marriage Story” is an amazing movie. It has a honest, human, and painfully realistic plot, which reflects the originality of the script. Making use of an extremely talented cast, Noah Baumbach creates a story about relationships that, due to the emotional tone of the script, will be pretty hard to forget.

I give it a 10 out of 10!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"O Irlandês": o filme mais ambicioso da Netflix até agora (Bilíngue)

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E aí, meus cinéfilos queridos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, e vim aqui falar de um filme que está sendo apontado como um dos principais indicados à várias categorias do Oscar ano que vem. É a primeira produção de um dos diretores mais renomados de todos os tempos para a Netflix, e traz um elenco inacreditavelmente talentoso para contar uma incrível história real. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “O Irlandês”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you doing? I'm back, and I'm here to talk about a film that's being pointed as one of the main nominees to several categories in the Oscars next year. It's the first Netflix production from one of the most acclaimed directors of all time, and reunites an unbelievably talented cast to tell an incredible true story. So, without further ado, let's talk about “The Irishman”. Let's go!)

O filme é narrado por Frank “O Irlandês” Sheeran (Robert De Niro), um veterano da Segunda Guerra Mundial condecorado que se envolve com uma família de mafiosos, a família Bufalino, encabeçada por Russell (Joe Pesci). Agora velho, ele começa a refletir sobre os eventos definitivos de sua carreira no mundo do crime organizado, que tiveram um papel crucial no desaparecimento de seu amigo, o sindicalista Jimmy Hoffa (Al Pacino).

(The film is narrated by Frank “The Irishman” Sheeran (Robert De Niro), a decorated veteran from WWII who gets himself involved with a crime family, the Bufalinos, whose boss is Russell (Joe Pesci). Now, as an old man, he begins to reflect on the definitive events of his career in the crime world, which played an essential part in the disappearance of his friend, trade union leader Jimmy Hoffa (Al Pacino).)

Ok, antes de falar sobre o filme em si, vou dedicar algumas linhas falando sobre minhas expectativas para o filme. Antes de “O Irlandês” ser anunciado, eu não tinha assistido à nenhum dos filmes de máfia que o Martin Scorsese tinha feito. Há algum tempo atrás, finalmente tive a chance de assistir a “Os Bons Companheiros” e adorei. Pra acrescentar, tinha visto algumas críticas falando que esse filme estava na mesma veia do que “Os Bons Companheiros”, então coloquei minhas expectativas lá no alto. E além do mais, temos Martin Scorsese, Robert De Niro, Joe Pesci, Al Pacino e Harvey Keitel em um só filme. Só por causa dessa reunião de dar inveja, “O Irlandês” é um filme que vale a pena assistir. Pode-se dizer que esse filme representa dois extremos máximos na carreira de Scorsese: é o filme mais longo e o filme mais caro que ele já fez. Se brincar, é a produção mais ambiciosa que a Netflix fez até agora. E essa ambição realmente valeu a pena, porque o filme é muito bom, apesar que, na minha opinião, outros filmes do Scorsese são um pouquinho melhores. Ok, vamos ao roteiro. Bom, para aqueles que nunca viram um filme de máfia na vida, saibam que não é pancadaria, tiro e porrada o tempo inteiro. Filmes do gênero tendem a possuir muito diálogo, o que colabora para uma maior compreensão do que está acontecendo. E é exatamente isso que acontece aqui: o filme tem cenas de ação muito violentas e realistas, mas ele também é repleto de diálogos explicativos e, como é baseado em fatos reais, eles tornam o filme muito mais interessante. O roteiro transita entre 3 linhas temporais diferentes de forma bem orgânica, principalmente por conta da edição. O artifício da narração em voice-over colabora para que o espectador não fique perdido nas 3h30min de duração (agora, “O Irlandês” é oficialmente o filme mais longo que eu já vi na vida). O filme tem personagens muito bem construídos, eles têm muita personalidade e incentivam o espectador a pesquisar mais sobre eles quando os créditos começarem a ser exibidos. O roteiro consegue muito bem transitar entre dois estados de espírito: ao mesmo tempo que o filme é muito engraçado, ele também consegue ser muito triste, pois é um filme que, essencialmente, lida com os conceitos de pertencimento e culpa. E essa culpa é muito bem abordada, especialmente nos momentos finais do filme, que são de cortar o coração.

(Ok, before I start talking about the film itself, I'm going to dedicate some time to talk about my expectations for it. Before “The Irishman” was announced, I had never seen any of the mafia films that Martin Scorsese had directed before. Some months ago, I finally got the chance to see “Goodfellas” and I loved it. And to make it even better, I had read in some reviews that this movie followed the same vibe as “Goodfellas”, so my expectations were sky high. And besides, we have Martin Scorsese, Robert De Niro, Joe Pesci, Al Pacino and Harvey Keitel working together in one film. Just because of this reunion to die for, “The Irishman” is a film worth watching. It can be said that this movie represents two maximum extremes in Scorsese's career: it is both his longest-running and most expensive film he's ever made. This is probably the most ambitious production Netflix has ever been involved in, for that matter. And that ambition really paid off, because it is a great movie, although, in my opinion, some other Scorsese movies are a little bit better. Ok, let's talk about the script. Well, for those who haven't seen a mafia movie ever, know that it's not just endless violence, with punches, blood, and guns galore. Films in this genre tend to have a lot of dialogue, which collaborates for a higher comprehension to what's going on. And that's exactly what happens here: it does have violent and realistic action scenes, but it is also filled with explanatory dialogue, which, because of the fact that it is based on a true story, makes it a whole lot more interesting to watch. The script follows 3 different timelines, and the transition between them is made in a way that is very organic, thanks to the editing. The voice-over narration really helps the viewer in knowing what's going on, so that they don't get lost in the extensive running time of 3 hours and 30 minutes (which makes “The Irishman”, officially, the longest-running movie I've ever seen in my life). It also has really well-developed characters, filled with personality and they motivate the viewer in researching for their story after the credits start rolling. One thing that the script does wonderfully is transitioning between two moods: while it is really funny, it can also be very sad, as it essentially deals with themes of belonging and guilt. And that guilt is very well dealt with, especially in the film's final moments, which are truly heart-wrenching.)

Além de ter um roteiro muito ambicioso, o elenco é de dar inveja a qualquer outro cineasta. A começar pela trindade composta por Robert De Niro, Joe Pesci e Al Pacino: ao meu ver, o Robert De Niro pode dificultar (e muito) a corrida de Joaquin Phoenix ao Oscar de Melhor Ator, porque ele está MUITO bom. A crise de identidade que o personagem dele tem ao longo da trama é um dos pontos principais do filme, e o ator consegue lidar com essa crise de modo estupendo. O Joe Pesci e o Al Pacino são tão relevantes para a trama do que o De Niro, mas acho que no Oscar, eles serão indicados a Melhor Ator Coadjuvante, porque as performances deles estão inacreditavelmente boas. O Joe Pesci não chega a ser tão sádico quanto o seu personagem em “Os Bons Companheiros”, mas ele dá outra performance digna de prêmios e extremamente convincente. Mas quem rouba o holofote é o Al Pacino. Esse é um que tenho certeza que não vai sair do Oscar de mãos vazias, pois ele interpreta um homem bem misterioso e muito sarcástico, o que faz do Jimmy Hoffa de Al Pacino o meu personagem favorito do filme. Em papéis coadjuvantes, mas que valem a pena mencionar, temos Bobby Canavale, Ray Romano, Anna Paquin, Stephen Graham, Harvey Keitel, Jesse Plemons e Jack Huston, e todos trabalham muito bem com o material que é dado a cada um.

(Besides having a very ambitious script, the cast of “The Irishman” can cause envy to every other filmmaker. Starting with the trinity composed by Robert De Niro, Joe Pesci and Al Pacino: in my opinion, Robert De Niro can make Joaquin Phoenix's race for the Oscar for Best Actor (a lot) harder, because he's REALLY good. The identity crisis his character suffers with throughout the plot is one of the movie's main points, and he manages to deal with this crisis in a stupendous way. Joe Pesci and Al Pacino are just as relevant to the plot as De Niro is, but I think that, in the Oscars, they will be nominated for Best Supporting Actor, because their performances are unbelievably good. Joe Pesci's character here is not as sadistic as his character in “Goodfellas”, yet he delivers another award-worthy, extremely convincing performance. But the showstopper here is Al Pacino. I'm sure this one won't leave the Oscars empty-handed, as he plays a very mysterious and really sarcastic man, which makes Al Pacino's Jimmy Hoffa my favorite character in the film. In supporting, yet worth mentioning roles, we have Bobby Canavale, Ray Romano, Anna Paquin, Stephen Graham, Harvey Keitel, Jesse Plemons and Jack Huston, and all of them work really well with the material that's given to each one of them.)

Os aspectos técnicos aqui são impecáveis, o que pode ser uma consequência do altíssimo orçamento. A direção de fotografia é bem fluida, a câmera se movimenta de maneira bem natural, o que é ótimo. A direção de arte recria muito bem todas as épocas que o filme retrata, dos figurinos aos cenários. Mas se alguns dos aspectos técnicos aqui fossem 100% irretocáveis, esses seriam a edição, os efeitos especiais e a maquiagem. A edição porque, como dito anteriormente, o filme transita entre 3 linhas temporais diferentes, e de um modo que não perde a atenção do espectador. Os efeitos especiais porque há um raro caso de rejuvenescimento digital que realmente é convincente e quase invisível aqui, exceto em um flashback da Segunda Guerra Mundial, onde o rosto do Robert De Niro pareceu algo que saiu de um videogame bem atualizado. E a maquiagem porque é um dos principais modos pelo qual o espectador percebe a passagem de tempo, o que é muito criativo. Na minha opinião, esse filme corre na frente na disputa para alguns dos prêmios técnicos ano que vem, em especial Melhor Montagem, Maquiagem e Penteado e Efeitos Visuais.

(The technical aspects here are flawless, which may be a consequence of its really high budget. The cinematography is really fluid, the camera moves in a very natural way, which is great. The art direction manages to recreate, in a very believable way, all the times the movie is set in, from the costumes to the sets. But if some of the technical aspects here were 100% perfect, those would be the editing, the visual effects and the make-up. The editing because, as I said before, the film transitions between 3 different timelines, and in a way that doesn't lose the viewer's attention. The visual effects because, here, we have a rare case of really convincing, almost invisible digital de-aging, except in a WWII flashback, where Robert De Niro's face looked like something out of a really recent videogame. And the make-up because it's one of the main ways in which the viewer can notice the passage of time, which is really creative. In my opinion, this film is a frontrunner in the race for some of the technical categories in the Oscars, especially Best Film Editing, Makeup and Hairstyling and Visual Effects.)

Resumindo, “O Irlandês” é um excelente filme. Com uma história real impressionante como base, e fazendo uso de um elenco muito talentoso e aspectos técnicos incríveis, Martin Scorsese retorna ao gênero de máfia com grande estilo e ambição, o que pode ajudar o filme a se tornar um destaque nas premiações do ano que vem!

Nota: 9,0 de 10!!

É isso, pessoal! Espero que vocês tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “The Irishman” is an excellent film. With an astounding true story as its basis, and making use of a very talented cast and incredible technical aspects, Martin Scorsese returns to the mafia genre with great style and ambition, which may really help the film in becoming a highlight in next year's award season!

I give it a 9,0 out of 10!!

That's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)

"Doutor Sono": a melhor adaptação de Stephen King do ano (Bilíngue)

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E aí, meus caros cinéfilos! Tudo bem com vocês? Estou de volta, e venho aqui trazer para vocês a resenha de mais uma adaptação de Stephen King. Dirigido por um dos melhores diretores de terror da atualidade, o filme em questão consegue servir como sequência tanto do livro “O Iluminado”, de Stephen King, quanto da adaptação de 1980, dirigida por Stanley Kubrick. Então, sem mais delongas, vamos falar sobre “Doutor Sono”. Vamos lá!

(What's up, my dear film buffs! How are you doing? I'm back, and I come to bring the review of yet another Stephen King adaptation to you. Directed by one of the finest horror directors in recent times, the film I'm about to review serves as a sequel to both the novel “The Shining”, by Stephen King, and the 1980 adaptation, directed by Stanley Kubrick. So, without further ado, let's talk about “Doctor Sleep”. Let's go!)

O filme é ambientado décadas após os eventos de “O Iluminado”, acompanhando Danny Torrance (Ewan McGregor), que agora atende como Dan, em sua vida adulta. Ainda marcado pelos eventos de sua infância, Dan recorre ao álcool para suprimir suas habilidades como iluminado. Um dia, ele se comunica com uma garota, Abra Stone (Kyliegh Curran), que, por possuir as mesmas habilidades de Dan, vira alvo de uma seita que se alimenta de iluminados para prolongarem suas vidas, liderados por Rose, a Cartola (Rebecca Ferguson).

(It is set decades after the events of “The Shining”, following Danny Torrance (Ewan McGregor), now being known as Dan, in his adult life. Still traumatized by the events of his childhood, Dan resorts to alcohol in order to suppress his Shining abilities. One day, he communicates with a girl, Abra Stone (Kyliegh Curran), who, by possessing the same abilities as Dan's, becomes the target of a cult who feeds on people who Shine in order to live longer, a cult which is led by Rose the Hat (Rebecca Ferguson).)

Aí vai um fato interessante: essa é a quarta adaptação cinematográfica de Stephen King em 2019, depois de “Cemitério Maldito”, “It: Capítulo Dois”, e “Campo do Medo”, o que significa que, juntando com “Doutor Sono”, tivemos mais adaptações de Stephen King esse ano do que filmes da Marvel. Ok, vou começar com o seguinte fato: “Doutor Sono” serve sim como sequência tanto do livro “O Iluminado”, quanto do polêmico filme de Stanley Kubrick. Eu, por exemplo, só tive o filme do Kubrick como base ao assistir a sequência e entendi tudo. E, diferente do filme de Kubrick, que pega a essência do livro de King e transforma em sua própria história, aqui temos um filme que realmente parece algo do próprio King, com aspectos fantásticos, complexos, e assustadores, possuindo uma veia típica dos filmes de terror dos anos 80. E a escolha do diretor certo para comandar o filme foi um ponto essencial para que a obra andasse pra frente. E, felizmente, Mike Flanagan, responsável pela minissérie fantástica “A Maldição da Residência Hill”, acerta em cheio o diálogo entre a narrativa de King e a estética de Kubrick. Ok, vamos ao roteiro. Roteirizado pelo próprio Mike Flanagan, “Doutor Sono” possui um equilíbrio perfeito entre cenas no presente e flashbacks. O filme não reconta a obra de Kubrick, apenas selecionando (e recriando) pequenas cenas que marcaram o filme, e que poderiam servir para alguma coisa no enredo da sequência. E uma das melhores coisas sobre “Doutor Sono” é que o diretor tem plena consciência de quem ele é, não tentando, em momento algum, em “ser” Stanley Kubrick. Ele simplesmente pega tudo o que o Kubrick construiu, e insere sua própria visão nisso. A atmosfera desse filme é diferente de “O Iluminado”, sendo mais similar às atmosferas das próprias obras de Flanagan, como “O Espelho”, “Ouija: Origem do Mal” e o próprio “A Maldição da Residência Hill”. Em sentidos de dar continuidade aos dois materiais-fonte, “Doutor Sono” aprofunda em aspectos do livro de King que foram explorados apenas pela superfície no filme de Kubrick, como o alcoolismo de Jack, pai de Danny, por exemplo. Assim como nos filmes anteriores de Flanagan, esse é um filme que se importa com seus personagens. Há muito mais desenvolvimento de personagens aqui do que sustos, e isso, em um roteiro de terror, é um raro sopro de ar fresco. É bom avisar que esse filme é um pouco mais complexo e violento do que “O Iluminado”, por possuir mais uma veia de Stephen King mesmo, especialmente nos aspectos que envolvem a seita d'O Verdadeiro Nó, que é antagonista do filme. Mas aqueles que estão acostumados com a mente genial, e ao mesmo tempo, maluca de King irão aproveitar cada segundo de “Doutor Sono”. Outro aspecto do roteiro que é bom mencionar é o ritmo. Assim como o filme de Kubrick, “Doutor Sono” se movimenta lentamente, não apressando em nada, justificando sua bem-aproveitada duração de 2 horas e meia.

(There goes an interesting fact: this is the fourth Stephen King movie adaptation in 2019, following “Pet Sematary”, “It: Chapter Two”, and “In the Tall Grass”, which means that, along with “Doctor Sleep”, we've had more Stephen King adaptations this year than Marvel movies. Ok, let's start with a fact: yes, “Doctor Sleep” is a sequel to both “The Shining” novel and Stanley Kubrick's controversial adaptation. I, for example, only watched Kubrick's movie ahead of the sequel, and I understood everything. And, unlike Kubrick, who took the essence of King's story and transformed it into his own, here we have a movie that feels a lot more like something from King himself, with fantastical, complex and terrifying aspects, possessing an '80s horror sense to it. Also, the choice of the right director to put this work on the right track was an essential point for the film to move forward. And, fortunately, Mike Flanagan, who created the incredible miniseries “The Haunting of Hill House”, nails the dialogue between King's narrative style and Kubrick's aesthetics. Ok, let's talk about the script. Written for the screen by Mike Flanagan himself, “Doctor Sleep” has a perfect balance between present scenes and flashbacks. It doesn't entirely re-tell Kubrick's work, reducing itself into selecting (and recreating) scenes that made that movie iconic, and that could work something out in the sequel. And one of the best things about it is that the director knows exactly who he is, not trying in any moment, to “be” Stanley Kubrick. He simply takes everything that Kubrick built, and inserts his own vision into it. The atmosphere in this movie is a little different from “The Shining”, being a lot more similar to Flanagan's own work, like “Oculus”, “Ouija: Origin of Evil”, and hell, even “The Haunting of Hill House”. In the sense of giving continuity to both the source materials, “Doctor Sleep” dives deeper into aspects in King's novel which were only explored in the surface in Kubrick's film, like the alcoholism of Jack, Danny's father, for example. Just like in Flanagan's previous work, this is a movie that cares about its characters. There's a lot more character development in this than just scares, and that aspect, in a horror script, is a rare breath of fresh air, in my opinion. I think it's fair to warn that this is a more complex and violent movie than “The Shining”, because it has more of a Stephen King feel than a Kubrick one, especially when it comes to the True Knot cult, which is the main antagonist of the film. But those who are used to King's genius, and at the same time, crazy mind will enjoy every single second of “Doctor Sleep”. Another aspect about the script that it's worth mentioning is the pacing. Just like Kubrick's “The Shining”, this movie moves more slowly, not rushing into anything, justifying its well-done running time of 2 hours and 30 minutes.)

Além de ter um roteiro muito bom, o elenco desse filme esbanja talento, em especial o trio principal composto por Ewan McGregor, Kyleigh Curran e Rebecca Ferguson. McGregor consegue transmitir bem o trauma estabelecido pelo Danny Lloyd no filme de Kubrick, enquanto também traz sua própria versão do personagem. Eu fiquei felizmente surpreso com a atuação da estreante Kyleigh Curran. Como ela interpreta uma das personagens mais cruciais do filme, muito material foi escrito para ela, e ela trabalha com esse material de forma esplêndida. Mal posso esperar pelos outros trabalhos dessa atriz. Mas quem rouba o holofote, sem sombra de dúvidas, é a Rebecca Ferguson. Ela é uma atriz tão incrível, que a presença dela em um elenco já involuntariamente classifica um filme como bom na minha cabeça. Ela é tudo o que a personagem dela deveria ser: misteriosa, ameaçadora, imperdoável, e, acima de tudo, aterrorizante. Outro ator que vale a pena ser mencionado é o Carl Lumbly, que interpreta o cozinheiro do Overlook, Dick Hallorann, interpretado no filme de Kubrick por Scatman Crothers. E ele tem muito mais cenas aqui, se for comparado com o número de cenas dele em “O Iluminado”, sendo um personagem importantíssimo para o desenvolvimento de Dan no filme. Outros atores notáveis incluem Cliff Curtis, Zahn McClarnon e Emily Alyn Lind, que trabalham bem com o que lhes é dado. Um easter egg involuntário dos filmes anteriores de Flanagan é a presença de membros dos elencos anteriores das obras do diretor, como Bruce Greenwood, Carel Struycken (que participaram de “Jogo Perigoso”), Jacob Tremblay (que protagonizou “O Sono da Morte”), e Henry Thomas (que participou de grande parte dos projetos de Flanagan, em especial “A Maldição da Residência Hill”).

(Besides having an amazing script, “Doctor Sleep” also has a very talented cast, headlined by Ewan McGregor, Kyleigh Curran and Rebecca Ferguson. McGregor manages to transmit the trauma established by Danny Lloyd in Kubrick's film really well, while also creating his own version of the character. I was happily surprised by newcomer Kyliegh Curran's performance. As one of the most important characters in the plot, a lot of material was written for her, and she works with that material in a splendid way. I can't wait for what she does next. But who steals the spotlight here is, surely, Rebecca Ferguson. She is such an amazing actress, to the point that her presence in a film's cast involuntarily classifies the film as good in my head. She is everything her character is supposed to be: mysterious, threatening, ruthless, and, above all, terrifying. Another actor that's worth mentioning is Carl Lumbly, who portrays the Overlook's cook, Dick Hallorann, who was portrayed by Scatman Crothers in Kubrick's film. And he has a lot more scenes here, if compared to “The Shining”, being a really important character for the development of Dan in the movie. Other notable actors are Cliff Curtis, Zahn McClarnon and Emily Alyn Lind, who work really well with their material. An involuntary easter egg to Flanagan's previous works is the presence of cast members from the director's previous movies, like Bruce Greenwood, Carel Struycken (who were in “Gerald's Game”), Jacob Tremblay (who starred in “Before I Wake”) and Henry Thomas (who was in most of Flanagan's projects, most notably “The Haunting of Hill House”).)

Assim como o filme de Kubrick, “Doutor Sono” encontra seu aliado mais forte nos aspectos técnicos. A direção de fotografia de Michael Fimognari consegue resgatar tanto a atmosfera que Kubrick estabeleceu em “O Iluminado”, replicando as técnicas de Steadicam com perfeição, quanto a atmosfera familiar dos trabalhos de Flanagan. A trilha sonora dos Newton Brothers, que trabalharam na maioria dos projetos do diretor, faz um ótimo trabalho de inserir a trilha sonora icônica de Wendy Carlos na visão de Flanagan. É enervante, incômoda e assustadora. Assim como nas obras de época de Flanagan, o principal destaque aqui é a direção de arte. Os flashbacks de “O Iluminado” são filmados em tons mais claros, sendo um pouquinho mais pro sépia, para fazer o contraste com um tom mais azulado e sombrio das cenas ambientadas no presente. O hotel Overlook é recriado com perfeição, apesar do filme não girar em torno do estabelecimento. Certas tomadas e cenas em “Doutor Sono” são calculadas para parecerem idênticas à enquadramentos do filme de Kubrick, o que eu achei genial. Mas um dos aspectos mais brilhantes do filme é a edição, que é feita pelo próprio Flanagan. Vendo “O Espelho” e “A Maldição da Residência Hill”, vemos que Flanagan sabe exatamente onde cortar e onde prolongar. A melhor coisa sobre a edição de “Doutor Sono” é que ela é muito enganosa, fazendo o espectador se perguntar o tempo inteiro se o que ele está vendo é real ou não, se está na cabeça de um personagem ou não, e isso é uma das principais razões pelas quais eu considero o Mike Flanagan um gênio.

(Just like in Kubrick's film, “Doctor Sleep” finds its greatest ally in the technical aspects. Michael Fimognari's cinematography manages to rescue both the atmosphere that Kubrick established in “The Shining”, replicating the Steadicam techniques perfectly, and the familiar atmosphere of Flanagan's work. The score by the Newton Brothers, who worked on most of the director's projects, does a great job in inserting Wendy Carlos's iconic score into Flanagan's vision. It's unnerving, it bothers you, and it is terrifying. Just like in Flanagan's period work, what stands out here is the art direction. The “Shining” flashbacks are filmed in lighter, more sepia-ish tones, in order to make a contrast with the blue, darker tones of the scenes set in the present. The Overlook Hotel is recreated with perfection, even though the film doesn't spin around it, it's not the main event. Some takes and scenes in “Doctor Sleep” are calculated to seem identical to frames from Kubrick's film, which I thought it was genius. But one of the most brilliant aspects in the film is the editing, done by Flanagan himself. By watching “Oculus” and “The Haunting of Hill House”, we see that Flanagan knows exactly where to cut and where to continue filming. The best thing about the editing in this movie is that it could be very deceiving, leading the viewer to ask himself constantly if what he's seeing is real or not, if it's in someone's head or not, and that is one of the many reasons why I consider Mike Flanagan to be a genius.)

Resumindo, “Doutor Sono”, sob o comando de um dos melhores diretores de terror da atualidade, consegue conciliar as visões diferentes que Stephen King e Stanley Kubrick tinham para “O Iluminado”, juntando o melhor dos dois mundos para criar uma obra que agradará tanto aos fãs de King quanto os de Kubrick. Fazendo uso de um ótimo roteiro, um elenco talentoso e aspectos técnicos extraordinariamente similares aos do filme de Kubrick, Mike Flanagan faz de “Doutor Sono” a melhor adaptação de Stephen King de 2019.

Nota: 10 de 10!

Então, é isso, pessoal! Espero que tenham gostado! Até a próxima,

João Pedro

(In a nutshell, “Doctor Sleep”, conducted by one of the best horror directors in recent times, manages to reconcile Stephen King and Stanley Kubrick's different visions for “The Shining”, gathering the best of both worlds to create something that will please both King fans and Kubrick fans. Making use of a great script, a talented cast and technical aspects that are extraordinarily similar to the ones in Kubrick's film, Mike Flanagan makes “Doctor Sleep” the best Stephen King adaptation of the year.

I give it a 10 out of 10!

So, that's it, guys! I hope you liked it! See you next time,

João Pedro)